Gabo Ferro - "Hay que cantar lo que no se canta"

Iniciado en el grupo hardcore Porco, Gabo Ferro devino en el mejor cantautor de su generación. Independiente a ultranza, acaba de editar otro notable disco solista: "Todo lo solido se desvanece en el aire". seguilo.

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/09/01/3-00201.htm
Txt. José Bellas.
jbellas@clarin.com

El niño Gabriel Ferro asistía al jardín de infantes con una copia vinílica de 30 minutos de vida (Moris) que le había arrebatado a su hermano mayor. Cuenta el protagonista, ahora transformado en Gabo, que las manitos apenas alcanzaban a esconder el objeto. Y que De nada sirve le volaba, ya entonces, la cabeza.

Haciendo de lo vívido un ejercicio cotidiano, hoy se pasea por el parque Pereyra Iraola para las fotos y se asombra en la coincidencia de que la primera imagen que se le cruza entre la maleza se corresponde con lo primero a lo que le canta en su recién editado segundo disco solista: toros.

Si su biografía se detuviera hoy, los datos crudos dirían que se dio a conocer artísticamente como el cantante de los escatológicos Porco (principios de los '90), que abandonó la música durante ocho años para estudiar (finales de los '90) y que reapareció a mediados de esta década para hilvanar un par de discos en plan solista, el primero titulado Canciones que un hombre no debería cantar y el segundo, Todo lo sólido se desvanece en el aire. Para una época donde el rock argentino se prende a la teta del vivo (por no tener nada que comunicar y por comodidad), sus dos discos suponen una OBRA: el folklore de una época y un país que no conocemos, pero que transcurre paralelo a nuestra pobre percepción. Guitarra y voz para avivar una república invisible y onírica, como imaginada por un gaucho entre alucinado y místico que intenta desengualicharnos de la luz mala y los lobizones de los tiempos que corren. Y al mismo tiempo, es rock con la misma autoridad que fueron rock los solistas fundacionales de nuestro rock, de Miguel Abuelo a Tanguito. "Al rock le está faltando relato: esos relatos están, lo que hay que hacer es ir a por ellos. Debería ser eso: decir lo que no se dice y cantar lo que no se canta", dice evidenciando su autoconciencia. Igual que lo demostraron los recientes arrebatos autobiográficos de monstruos sagrados como Bob Dylan (Crónicas) y Caetano Veloso (Verdad tropical), todo gesto artístico tiene una intencionalidad, casi siempre avalada por una búsqueda consciente. Ergo: la música se puede pensar. Y Gabo, que no es Dylan ni Caetano, prefirió hacer de Todo lo sólido se desvanece en el aire una suerte de manifiesto, donde la imagen de tapa es una reflexión de 24 líneas de texto sobre el estado de las cosas en el rock. "...Que no se confunda lo fundamental con lo accesorio. Un disco son canciones, un disco es música. Lo demás es agua que se evapora en el aire", cierra de paso citando a Marx y Engels. "Cada vez que compongo, pienso en qué contexto artístico se inserta lo que hago. Y en esta era justamente en que lo accesorio se volvió fundamental".

—Hace doce años la tapa de un disco tuyo (Porco) era una lluvia de pastillas...

—Eramos hijos de una generación en la cual la pastilla supuso una salvación: poder estar tranquilo, dormir bien, no deprimirse. Esa tapa es un gesto histórico. ¡Y justamente la música nuestra era muy sacada! Si hubiéramos tomado una pastilla como las que andaban volando por ahí, hubiésemos hecho una música más tranqui.

—¿Cuál era el reclamo, entonces?

—Ver la realidad. Estar despiertos. Estábamos en 1994 y muchos gestos que nos hicieron país se estaban descomponiendo. Las seguridades que como ciudadanos teníamos estaban empezando a tener otros niveles con las escuelas privadas, las obras sociales...

—¿Desestatización?

—La política fue vencida por la economía. El rock se asoció a los sponsors y no a los gestos políticos. Nos han hecho creer que el gesto político es irrelevante, pero cada acto tiene un significado.

—Los Sex Pistols repetían: "Si no te ocupás de la política..."

—...la política se va a ocupar de vos". Absolutamente. El punk fue mal asimilado: en vez de tomar sus gestos, se toma que cualquiera puede cantar o tocar. Cosa que es cierta, pero hay que respetarse y respetar al oyente.

Cuando leas esta nota, él ya estará en la costa oeste norteamericana, en la continuación de la "gira pobre pero honrada", que lo tuviera tocando por la otra costa el año pasado. Una gira de ámbi to universitario que aprovecha para tocar en bares, calles y colegios y donde llegó a conocer a Devendra Banhart, el nuevo prodigio del neo-folk yanqui, con quien podría compartir escenario porteño en noviembre. Dice que lo inspiró tanto como conocer a Litto Nebbia, que lo invitó a participar de un tributo donde cantará Para ir (Almendra) y Soy de cualquier lugar (Los Gatos). "Mi vuelta a la música fue con unas cuantas cosas claras: no me quiero ir de nuevo", dice y se entusiasma con editar, pronto, un... ¡triple! Mientras tanto, se lo puede disfrutar cantando canciones como Costurera y carpintero, una respuesta con invitación a escapar de los géneros sexuales. "Estaba escuchando un tema de Antony & The Johnsons donde dice algo así como 'ahora soy un niño y cuando sea grande voy a ser mujer'. Y me enojé, porque más allá de las libertades individuales que respeto y defiendo con mi propia vida, esto de seguir haciendo esa división de los sexos me parece dañino. Se puede ser mucho más que un hombre o una mujer. Ser libres, al fin".


Historia: Pigna va, Pigna viene

Durante sus ocho años sabáticos con la música, Gabo estudió Historia, obtuvo una maestría en investigación y un doctorado. Escribe ensayos, da clases y elaboró una tesis sobre "las metáforas de lo sangriento y lo monstruoso" en el discurso anti-rosista. "Es sobre cómo a (Juan Manuel de) Rosas se lo asimiló dentro de un universo discursivo que después reprodujeron los anti-peronistas como Borges y Bioy Casares. También escribo una novela sobre el tema", anticipa.

—Ahora que la Historia está de moda... ¿qué opinás de Felipe Pigna?

—No puedo hacer una evolución certera porque casi no lo leí. Si ocupa el lugar que ocupa es porque los historiadores que nos consideramos "de academia" estamos lejos de ese lugar. En vez de decir que manosea la Historia, hay que preguntarse sobre cómo hacemos congresos que no le interesan a nadie. El es historiador, le reconozco un gran trabajo en bajar al llano y hacer que la gente se interese.

—¿Aunque a muchos sólo les quede que el Sargento Cabral era negro?

—Es que la Historia es un problema. A mí no me interesa eso, sino en qué estructura ideológica se movía San Martín o por qué el padre de la patria es él y no Belgrano, Larrea o Castelli. Los que creen que saber que Cabral era negro tiene más lustre que estar enterado con quién sale la Pradón están equivocados. No deja de ser anecdotario.



Trovadores: Dream Team local

Muerte en la catedral
Litto Nebbia
De lo mejor de Nebbia, por letras, melodías y contexto histórico.

Tango
Tanguito
Canciones de naufragios, esmeraldas y espuma.

30 minutos de vida
Moris
El acta fundacional de la bohemia existencialista de nuestro rock.

Simples 67/70
Miguel Abuelo
"Con Miguel nace el pop argentino en technicolor" (Claudio Gabis).

Kamikaze
Luis Alberto Spinetta
Linkear a Gabo con Casas marcadas y Barro tal vez.

2/9 Butumbaba, Skahiosama y mas...

http://www.fotolog.com/skapunkantifa

ZIGGY MARLEY - "No sería famoso sin mi papá"

El hijo del mítico Bob viene para tocar en el Pepsi Music. Con ondas de amor y paz, dice amar a todos los seres y que su música es la evolución del reggae.

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/09/01/3-00801.htm
Txt. Gonzalo Chaves.

Escuchá mi música y vas a saber lo que es la evolución. Nosotros somos los líderes". El que se jacta de seguir "avanzando" con el legado del reggae es Ziggy: hijo del "profeta de la cultura rasta", Robert Nesta Marley.

Encontrarlo a Ziggy es casi tan difícil como hablar con su papá. Pero una vez que se puede entablar la charla es posible descifrar los secretos del rastaman: todo es amor, todo es tolerancia. Por eso, no sorprende el nombre de su segundo disco solista, Love Is My Religion ("amor es mi religión") ni sus frases como "amo a todos los seres vivos".

—¿Incluso amás a personas como George W. Bush?

—Sí, es un ser humano. Puedo estar en desacuerdo con lo que haga pero tengo que amar a toda la creación. Es la única manera en la que puedo vivir. No puedo agredir, eso es energía negativa, te mata.

—Tampoco sos de criticar... ¿no creés que a veces es necesario hacerlo para que la gente cambie?

—No. Nosotros no criticamos, nosotros amamos. Esa es la evolución de la filosofía rasta.

Alejado de los Melody Makers (grupo que formó junto a su hermano Stephen y sus hermanas Sharon y Cedilla) emprendió la carrera solista que lo trae el 1/10 al Pepsi Music. Esa noche se presentará como una de las figuras principales de la fecha de ritmos jamaiquinos a pesar de que toma un poco de distancia del root reggae. La prueba está en el track homónimo a su segundo CD solista (próximo a editarse en Argentina) en el que se enca mina por otros rumbos.

—¿Serías famoso si no fueras el hijo de una figura como Bob?

—No, no, no. Probablemente no. El es famoso y como soy su hijo mucha gente dice: "Oh, es el hijo de Marley" y chequea mi música. Cuando empezamos con los Melody Makers necesitábamos a nuestro padre para que nos apoye, para hacer el quiebre. Hubiese sido muy difícil, pero él lo hizo más fácil.

—¿Creés que estás haciendo un nuevo reggae?

—Sí, creo que mi contribución es el movimiento hacia adelante de la música.

—The Wailers vinieron en cinco oportunidades con músicos diferentes. ¿Qué opinás de eso?

—No sé. En este momento estoy en un tour con Bunny Wailer, él es uno de los originales. De los demás, la verdad que no estoy muy seguro.

Viernes 1 de Septiembre

Psychedelic & Hard Trance Sessions @ Bahrein

Definitions of Trance

Dancing Budhas & Underbeat presentan el relanzamiento del ciclo Psychedelic & Hard Trance Sessions que ahora tendra su formato de ciclo mensual a realizarse los primeros Viernes de cada mes en Xss, la pista ubicada en el subsuelo de Bahrein con capacidad para 500 personas, montada con sonido y luces de ultima generacion.

Los Dj's Moksha & Chakal , 2 iconos de las movidas Psy & Hard Trance locales, ademas de Residentes de las fiestas Dancing Budhas / Namaste! & Get Punk respectivamente recibiran invitados especiales dando lugar a la apertura y acercamiento entre distintas tribus prometiendo siempre exelentes cabinas, muy buena onda, y fiestas explosivas.

En este primer Viernes de encuentro presentaremos Definitions Of Trance y los invitados seran Demian F, Residente de las Beat Sensation y dueno del sitio tranceislife , tocando Progressive Trance en el warm up, seguido del Trance de Roi Sterdam , Residente de las Fun And Musik .

Finalmente los anfitriones del encuentro Moksha & Chakal tocaran 2 horas cada uno cerrando la noche a puro Psychedelic & Hard Trance .

Line Up

00:00hs a 02:00hs Demian F
02:00hs a 04:00hs Roi Sterdam
04:00hs a 06:00hs Moksha
06:00hs a 08:00hs Chakal

Visuales - Bodypainting - Performances

Apertura 00hs, Bahrein es en Lavalle 345, Cap Fed, entrada por lista free para las chicas H/02:30hs, $15 para los chicos H/02:30hs.

Les pedimos llegar en horario para poder ingresar ya sea free o c/descuento, despues de las 02:30hs $15 y $20 c/consumicion.

Tenes tiempo de anotarte hasta las 20hs del dia de la fiesta... Let's rock!!!



Más info y listas: listasfiestas@gmail.com “Preguntar Lista Underground”

Video Psy & Hard Trance @ Bahrein 20.08.06

E-Flyer

Tumbatú Cumbá

El grupo participó en discos que protestaron contra la deuda externa y la llegada de Bush a la Argentina. Después de compartir álbum con Manu Chao y Chico Cesar, y convencidos de su deber como artistas latinoamericanos, se presentan esta tarde en el Festival Buenos Aires Percusión.

http://www.ciudad.com.ar/ar/AR_Nota_2005/0,3813,4194,00.asp
Cecilia Ceriani


En 1999, los hermanos Nicolás y Magalí Falcoff empezaron a tocar algunos temas y enseguida se dieron cuenta de que no entraban en las lógicas del pop y el rock. Con sus ritmos rioplatenses y latinoamericanos y su música de raíces africanas, formaron Mandala, un grupo que un año después y tras la suma de varios nuevos integrantes se convertiría en Tumbatú Cumbá . “Manteniendo las raíces propias
y una lírica comprometida con la realidad social del continente” grabaron dos discos propios y participaron en álbumes de alto contenido político. Mientras se preparan para su participación en el Festival Buenos Aires Percusión de esta tarde, Nicolás cuenta de que se trata esto de cantar contra la deuda externa y Bush.



¿Cómo son las canciones de Tumabtú Cumbá?
En cuanto a las letras, pueden reflejar más o menos explícitamente ciertas cuestiones de la realidad social del continente porque consideramos que al estar haciendo música latinoamericana, no podemos estar exentos a eso, y respecto a la música, el hecho de recuperar ritmos de raíz afroamericana ya implica un compromiso social de investigación y de conciencia sobre la identidad y una toma de posición al respecto. Hay mucha historia negada, mucha historia sosegada en cuanto a las raíces de la música latinoamericana, y lo que hacemos implica una mirada histórica.

¿Cómo se refleja ese compromiso en los discos?
Buenos Aires hoy fue compuesto y grabado durante 2001 así que representa un poco todo lo que fue la crisis tanto en las letras como en una música que incluye murga, candombe y tango. Pero además participamos de dos compilaciones importantes a nivel internacional: No a la deuda, donde artistas de todo el mundo cantaban contra la deuda externa, y A Bush no le va a gustar, una
protesta ante la llegada del presidente norteamericano a la Argentina el año pasado.

No a la deuda – El Tercer Mundo contra la deuda se grabó en 2003 e incluyó a artistas de América, África y Europa. Entre nombres como Chico Cesar, Cesaria Evora, Totó La Momposina, Arbolito y Soledad Bravo, Tumbatú Cumbá participó con los temas Por la panamericana y Pobre América, inspirado en el libro Las venas abiertas de América latina, de Eduardo Galeano. En el caso de A Bush no le va a gustar (realizado en 2005), en el que participaron Manu Chao, No te va gustar y la Orquesta Típica Fernández Fierro, entre otros, para “darle la malvenida” al presidente norteamericano en su visita al país, la banda a la que le ponen las voces los hermanos Falcoff y Cecilia Fraiman aportó La pira, un tema inédito que formará parte del próximo disco.



¿Cómo se dio la posibilidad de participar en esos CDs?
No a la deuda es un disco que originalmente se editó en Francia, cuyo productor, que estaba en contacto conmigo, había escuchado material nuestro y le había parecido interesante para hacer una versión latinoamericana. Él nos invitó a incluir temas del grupo y yo le propuse sumar a Arbolito. En el caso de A Bush no le va a gustar, fue una iniciativa de FM La Tribu en coproducción con Suramusic, que es mi productora, y entre las dos partes armamos como un mapa del disco, para ver que artistas de acá y de afuera se iban sumando.

¿Cómo fue la experiencia?
Fue gratificantes desde varios aspectos. Desde el punto de vista artístico, fue un honor compartir un disco con artistas que nosotros admirábamos mucho y que, a pesar de haber estilos similares y disímiles, se compartía una misma línea desde el punto de vista del compromiso social y de concebir la música como una herramienta. También fue gratificante poder ver que ciertos temas, ciertas letras, ciertas temáticas que uno trata, puedan verse plasmadas en un disco con un contenido social claro.

Trabajando en un próximos álbum que espera salir los primeros meses de 2007 y que ya cuenta con sellos interesados en distribuirlo en Europa, Tumabatú Cumbá se presenta gratis, hoy a las 19 en el Centro Cultural Carlos Gardel (Olleros 3640). “Está bueno lo del festival, porque si bien la propuesta del grupo tiene que ver con canciones, hay una impronta muy fuerte de lo que tiene que ver con la percusión”, se entusiasma Nicolás, entre guitarras, tumbadoras y un cajón peruano como herramienta social.

beto zamarbide y el cuarto disco de logos

El ex V8 descree del “nicho” del rock cristiano, y señala sus diferencias. Y no se olvida de las polémicas de los ‘80: “Lo que había era bardo a nivel social, no flores. Había desaparecido una generación y eso se traducía en violencia”.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2399-2006-08-31.html
Por Cristian Vitale

las fotos son de http://comorelampago.cjb.net/

Que V8 –junto a Riff y Hermética– es una de las bandas más emblemáticas de la historia del heavy nacional, es una certeza tan enorme como el devenir desigual que tuvieron sus integrantes. Al malogrado Osvaldo Civile lo devoró el alcohol; Ricardo Iorio suele amotinarse contra el pasado; Gustavo Rowek mutó en alter con Nativo y el otrora endemoniado Beto Zamarbide hoy parece un arcángel. Quién lo ha visto y quién lo ve a ese frontman virulento que casi estropea a piñas a un hippie en el BA Rock ‘82. Que detonó las aguas mansas del rock post-Malvinas poniendo su voz acerosa a Ideando la fuga y Parcas sangrientas. O que tocó fondo, mal, con todo tipo de drogas, antes de “rescatarse”. “Nosotros irrumpimos en un momento en que había mucha cocaína en la calle y la gente se ponía muy loca, ¿sabés?”, dice, como tratando de recuperar un pasado brumoso. Se refiere al momento en que, junto a Riff, estaban “inventando” el heavy criollo. Pappo y amigos con Ruedas de metal, y V8 cabalgando sobre el tupido terreno de Luchando por el metal, disco que sellaría a fuego a las futuras generaciones metaleras.

“Nos acusaban de cadeneros y todo eso, pero nadie decía que a dos cuadras de Obras estaban asesinando pibes en la ESMA, mientras los medios publicitaban al BA Rock con el slogan ‘Bienvenido rock, adiós a la pálida’. ¡Y Piero tirando claveles a la gente! Una falacia total, ridícula, fellinesca. Lo que había era bardo a nivel social, no flores. Había desaparecido una generación y eso se traducía en violencia. En la época de V8 siempre caminábamos por las calles adyacentes a las avenidas, porque caminar por las avenidas implicaba caer preso o desaparecer. Después de eso, todos terminamos confundidos, y en esa confusión siempre gana el descontrol. En muchos casos, nosotros no sabíamos cómo reaccionar, el público tampoco y la gente se agredía a sí misma. Fue como un estallido del ‘ahora somos libres, ¿y qué hacemos?’. Cuando uno no sabe contra quién pelear, tampoco sabe de qué manera hacerlo.”

Es el único rato en que Beto se sobresalta. Durante el resto de la nota permanece sentado. Mira sereno y pacífico. Tiene 45 años y no acusa marcas visibles del pasado. No usa tachas, tatuajes ni anillos de metal. Está rodeado por dos nuevos integrantes del reformado Logos (Walter Scasso y Marcelo Ponce) y Miguel Roldán, aquel guitarrista que reemplazó a Civile en V8 y cofundó Logos, con él, en 1991. Los cuatro ultiman detalles de cara a la edición del cuarto disco de la banda (Plan mundial para la destrucción) y mechan palabras extrañísimas para la comunidad heavy. Hablan de Dios, la Biblia, la bondad y la crisis del ser humano. ¿De qué hablan estos pibes? “En el disco decimos que la crisis del ser humano responde a un plan. No solamente porque se fabriquen más misiles sino por la marginación a gran escala. Hay gente que directamente está excluida del sistema. El plan es mundial y ataca a los jóvenes de todo el planeta”, apunta, apocalíptico.



–¿Qué onda con tus ex compañeros de V8?

–A Rowek no lo vi más después de la reunión del ‘96. No tenemos trato. Iorio, aunque talentoso, ya no es la persona que hemos conocido. Y Civile, ya sabés, aunque no sabemos si se suicidó o no. Yo sé que con la plata que ganó en el Metal Rock Festival, fue a internarse a una clínica para recuperarse del alcohol. Es una incógnita. La verdad es que, viendo el futuro de nuestros compañeros, no estamos arrepentidos de haber tomado el camino de la fe. Dios hizo que podamos estar con la cabeza lúcida, sin contradicciones ni dobles discursos. En la época de V8, si no teníamos drogas cerca no ensayábamos, porque no tenía sentido. Hoy es al revés.

–¿Pueden las drogas explicar semejante conversión?

–Yo me cansé de ver morir amigos. Perdí tantos que, obviamente, no puedo considerar a quienes consumen como enemigos. Soy enemigo del problema, enverdad. En los ‘80 todo el mundo se inyectaba y nadie conocía el sida. Hay toda una generación que se perdió. Y después vino Menem y siguió matando.

El diagnóstico es claro. Beto y sus compañeros parecen parte de esa camada de rockeros pelmas y cristianos que están invadiendo los medios. Que llenan estadios e incluso se mezclan con bandas terrestres en los megafestivales. Pero existen bemoles. Uno es que el mensaje cuasi religioso está presente, pese al reviente, desde los orígenes de V8. “Dios llora al ver al hombre cautivo de un sistema”, cantaba Beto en el primer disco de 1982. Y muchos temas de El fin de los inicuos (Salmo 58 o La gran ramera) hacen alusión a una búsqueda espiritual. Fue el momento en que la Biblia suplió a las drogas en los ensayos. Lo que hizo Logos fue racionalizar ese olfato espontáneo. Otro bemol es que, a diferencia de Rescate –por nombrar alguno–, ellos están de vuelta. “Yo toqué fondo mal, loco”, insiste Zamarbide. “Era una cosa de autodestrucción y engaño. En el caso de la generación anterior, el uso de drogas era con otro fin. Pero en los ‘80 fue distinto. Ahora, como nos abrimos de esa historia, terminamos siendo unos traidores.”

–¿Por haber dejado las drogas o por haber introducido ideas religiosas en el heavy metal?

–Porque reaccionamos contra la pose de que para hacer rock tenés que ser un reventado.

–¿Logos es una banda de rock cristiano?

–No. Somos cristianos que hacen rock pesado. Hoy, la media te exige etiquetarte. Hay un mercado de rock cristiano y eso. Pero Logos no es un ministerio cristiano, ni está al servicio de nadie. Las bandas que se dicen de rock cristiano quisieran estar en nuestro lugar. Ellas, en 1991, no querían salir de las iglesias y nosotros somos rockers hace mil años. Hay una diferencia.

–Pero puede afirmarse que Logos está en los antípodas de los parámetros estéticos, y las ideas que proliferan en los rockers “agnósticos”.

–Es que la mayoría de las bandas que escuchás en la radio están mandando mensajes tipo “afanale al quiosquero”. Eso es meterlos en la confusión y el caos. Los pibes que vienen a vernos, por suerte, no están taladrados por los medios. Nosotros creemos en el compromiso con esa gente... Si les volcás confusión y estupidez, los estás verdugueando. Nosotros les decimos que hay gente que está esperándolos en la esquina para venderles paco.

Roldán, cuyo discurso es casi un calco del de Zamarbide, interviene para marcar territorio. Si Babasónicos es el rock nacional, Logos es otra cosa. “Resulta que siempre que se habla de rock nacional, se habla de ese pibe que tiene cara de tortuga (Dárgelos), pero nunca de rock pesado con roce social. Y no es casual, porque la pavada da más de comer que la realidad. La pavada tiene mucho valor hoy... Te pasan 88 veces a los Babasónicos por la tele, y a vos ninguna. El único tipo que se mantuvo haciendo rock hasta la sepultura fue Pappo.”

Plan mundial para la destrucción es el cuarto disco en la serpenteada carrera de Logos. Entre 1991 y 1998 editaron los tres anteriores (La industria del poder, Generación mutante y Tercer acto) y después hubo una impasse propiciada por la mudanza de Zamarbide a Estados Unidos. “Me fui porque estaba enojado con el país. Hoy parece que el artista tiene que estar a full y siempre te sale un gol de chilena. Por eso me pareció inteligente dejar que pase un tiempo. Incluso llegué a pensar en dejar la música.”


A golpes se hacen los arreglos

Zamarbide puso la casa para una de las trifulcas cumbre del metal argentino. En 1986, cuando Civile se quedó en Brasil con Rowek, la banda no sólo convocó a Roldán sino que sumó otra guitarra: Walter Giardino. Apenas duró cuatro meses. “Estábamos en casa y Giardino no compartía nada con Iorio. Había incompatibilidad entre ambos y se agarraron a trompadas. Uno dijo: ‘No me gusta tu onda’, el otro le respondió y se fueron a las piñas. Era parte de la confusión. Además, V8 no era la banda que Walter esperaba”, evoca.

–¿Qué otras piñas viste?

–Uff. Mil. En esa época nos agarrábamos a piñas hasta por un golpe de bombo. Era normal que Peyronel y Pappo se agarraran y terminaran debajo de la mesa donde los viejos napolitanos comían fideos. ¡Cuántas veces vi a Vitico agarrándose a ganchos con Pappo por un arreglo! En V8 era lo mismo.

Ruidos Molestos, percusión

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2404-2006-08-31.html
Por Javier Aguirre

El auge de agrupaciones percusivas que descreen del poder de la melodía y la canción en nombre de las metrallas de tambores parece revalidarse a partir del surgimiento de Ruidos Molestos, combo de 18 integrantes que se definen como “percusionistas en el menos amplio sentido de la palabra”. Ellos no cantan ni tocan ningún instrumento no percusivo; su obra se sustenta en el golpeteo incesante y desaforado de cualquier objeto. Su flamante álbum, Botellazos contra la pared, los posicionó como la “banda” más ruidosa de la escena percusiva, merced a sus hits Probando una ametralladora en un bazar –delicada, sutil y escandalosa, ya que la grabación terminó con dos muertos acribillados, seis heridos de bala y una demanda penal por destrozos– y al experimental Granizo sobre el capó de un Mercedes-Benz cero kilómetro, registrado en vivo, en la vereda de una concesionaria, durante la última caída de piedras de hielo.

“Nos inspiran por igual la cadencia de los ritmos afro como el ruido tribal del camión recolector de basura compactando vidrios, ramas y bolsas de consorcio”, asegura Boom Crash, el director de la agrupación, quien revela que los ruidos lo ayudaron a rehabilitarse de su adicción al crack. “Es que a golpes se hacen los hombres”, bromea.

A pesar de alcanzar el éxito recién ahora, llevan décadas de carrera, signada por malinterpretaciones politizadas de su obra, como les pasó con su primer disco Golpistas, de 1976; y con el EP Cacerolazos, del 2001. Otras de sus producciones pasaron inadvertidas para el gran público, aunque algunas de sus composiciones –como Barullo inaguantable, Caja de herramientas rodando por la escalera caracol, o Pisándole las bolas a un árbol de Navidad– son consideradas pioneras en el arte de grabar discos sin una mísera y puta melodía.

El carácter innovador de su propuesta los ha llevado a girar por varios países de Europa, donde cosecharon elogios como el del Perkusiv Times, de Moscú, que dijo: “Logran el milagro de que algunos dormiten en medio de su estruendo de golpes, crujidos, estallidos y destrozos”. Su éxito en Rusia es tal que allí editaron un compilado en ruso de sus mayores éxitos, que lleva el título Kapow.

* Cualquier parecido con la realidad, ya lo dijo el Salmón: es horrible pero era previsible.

ASESINOS CEREALES

http://www.asesinoscereales.com.ar/
http://www.muypunk.com/argentina/a/asesinos-cereales/

La blogonovela de los martes: VIII La espera

Por más tranquilo que aparentara estar muy dentro mío corría un río caudaloso arrastrando mis dudas y angustia. Esa mañana actuaba en forma de bisagra, el suspiro contenido expulsado como aliviando un gran peso, o los ojos impregnados en lágrimas eternas. Una abuela con su nieta en un cochecito a mi lado, sus ojos tan bonitos, su sonrisa, toda la vida que despierta un niño y ese estigma sobre su ser. Miré a la abuela, ojos cansados, llorosos, ambivalencia entre el amor y la desesperación absoluta. Recordé a Tania y mi temor erizó mi piel. Saqué una pelotita de mi bolsillo y se la di a la nena que abrió sus ojos negros como maravillada ante esa pequeña pelotita verde, danzarina, que rebotaba y chocaba contra las paredes de aquella sala de espera y se alejaba danzando por los pasillos. Una mujer frente a mí con su mirada vacía me veía jugar con la nena, su rostro carente de toda sonrisa, su sangre, su estigma, el dolor, la desesperación.

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http://noveladrogona.blogspot.com/

LOSDELGAS

Musicos en paro, huidizos de grupos de diversa indole se reunen para crear una agrupacion musical con animo de lucro, bajo la consigna "PASTA YA", con el pseudonimo de "Losdelgas" (todo junto, carajo) tras llegar hasta el hartazgo de acompañar y perseguir artistas de todo tipo, e incluso pseudo-humanos, para poder vivir del cuento (como los anteriores) sin pegar palo al agua.

Amantes del circo, de los hermanos marx, del rock n' roll, del teatro, interpretan diversos estilos musicales, con una vision un tanto acida de la realidad.

escuchalos aqui: http://www.myspace.com/losdelgas

Gusanos - Historia triste (eskorbuto)

el tema es de eskorbuto, pero lo interpreta Gusanos http://www.gusanos.com.ar/
Para los que no los conocian, son los tipos que supieron ir mas al palo en el punk nacional, y han sabido versionar muy, muy bien hey go lets go de los ramones

Santiago Rebelde

Una de las primeras bandas dedicadas al SKA en Chile fue SANTIAGO REBELDE . Esta banda nace en 1989 , donde logra grabar un primer demo titulado " 11 de Septiembre , una estafa mas ..." , referiendose asi a la fecha del golpe militar liderado por el General Pinochet , que dio inicio a una sangrienta dictadura que duro por más de 17 años , y cuyas consecuencias se siguen pagando hoy en día . Casi 2 años despues de la creación de la banda , algunos integrantes deciden apartarse y este los reemplaza, lo que traería nuevos sonidos para la banda . La banda es temporalmente disuelta cuando Corsario , voz y líder del grupo , debe entrar al Servicio Militar Obligatorio . A su salida , se reencuentra con los otros integantes y durante una fiesta , deciden re-formar la banda antes disuelta . Logran grabar el tema "El chileno es vivo " que dara paso al primer album , editado a muy pocas copias . Los temas se pasean entre las diferentes variantes del ska , asi como algunos temas HardCore .

La formación de SANTIAGO REBELDE es la siguiente :
Batería y coros : Cristian Tauber
viola , voz y coros : Walter Barrera
Guitarra y coros : Pablo Rebelde
Bajo : Paola Vicencio
Percusión y coros : Juanito Guachupe
Teclados y coros : Marco Cocas
Voz : Corsario

http://www.fotolog.cl/santiagorebelde
http://www.muypunk.com/chile/s/santiago-rebelde/

Acid king

Lori S. - Guitar & Vocals
Guy Pinhas - Bass
Joey Osbourne - Drums

Bio

En enero de 1993 Lori S. puso un aviso buscando bajista y baterista, luego de meses entro Joey Osbourne aportando con su estilo de batería justo lo que Acid King estaba buscando. Comenzaron a tocar en clubes de San Francisco con la suerte de abrir los shows de algunas de sus bandas favoritas: Melvins, Sleep, Hawkwind y The obsessed. En 1994 a traves de Sympathy for the Record Industry debutan con el EP 10" producido por Billy anderson. Continuando los shows en SF y comenzando pequeñas giras por la costa oeste, a finales de 1995 se edita el CD "Zoroaster" con el mismo sello. Durante el verano de 1996 encaran su primera gira por USA llevando su música desde LA a New Orleans, pasando por la costa este, el medio oeste y de regreso a SF. Ya con Dan Southwick en el bajo en 1997 regresan a estudios a registrar su primer trabajo con el mítico sello Man's Ruin, titulado "Down with the Crown" que terminaria como split junto a Altamont. Giran por la costa oeste como soportes de Melvins y Fu Manchú. En la primavera de 1998 ingresa Brian Hill haciéndose cargo del bajo. Nuevamente trabajan junto a Billy Anderson en 1999 con Busse Woods. Una vez más cambiarán de bajista al ingresar Guy Pinhas.


http://www.portalstoner.com/bandas/a/acid-king/
http://acidking.com/

Babasónicos: “Tiene que haber provocación para que exista el rock & roll”

El grupo argentino Babasónicos ha conseguido que la prensa especializada de su país lo elija Grupo del Año y a su álbum “Anoche” como el mejor de 2005, además de obtener el premio Gardel 2006 en la categoría de Mejor Álbum de un Grupo Rock. Aprovechando su reciente visita a España, hablamos con su líder, Adrián Rodríguez.

Entrevista Realizada por ZM - Zona Musical
Texto: Juan Rebenaque


Con la crisis económica, ¿cómo pueden subsistir en Argentina los sellos independientes y la escena underground?

Las crisis económicas en Latinoamérica no son grandes hitos que separan tiempos. En realidad, Latinoamérica vive en crisis permanente. Después de 2001, Argentina tuvo un crecimiento económico considerable. La escena underground florece porque no tiene control, no paga impuestos y se autofinancia. Vive al margen de la economía. Los sellos independientes nos permiten que nadie nos silencie. Es una forma de coaccionar a las multinacionales.

La difícil situación económica argentina impide que se vendan muchos discos pero, sin embargo, los grupos de rock son capaces de llenar grandes salas y estadios. ¿Cuál es la explicación para esto?

Porque en Argentina el rock es mucho más popular que aquí. Tiene posibilidades de sonar en la radio, a pesar de que la piratería está 6 a 1. Nosotros sonamos en las radios argentinas más que Ricardo Arjona o Alejandro Sanz. Tenemos cuarenta años de historia del rock y, por lo tanto, tiene más impacto en la música popular y permanece en el imaginario colectivo de la gente.

¿Qué papel crees que juega Babasónicos para la generación de argentinos que ha sufrido las consecuencias de esa crisis de los últimos años?

El rock se convierte en un referente para mucha gente que no sabe qué va a ser de ellos cuando crezca, cuando lleguen a ser adultos, con el peligro de convertirse en unos desclasados.

El haber editado “Anoche” con una multinacional, ¿os compromete a seguir manteniendo el mismo nivel ascendente de ventas?

No. A Babasónicos los vienen a buscar por lo que son en sí mismos. Nos vienen a comprar por lo que hacemos y no pueden cambiarnos.

¿Qué mercado os interesaría conquistar, especialmente?

Ninguno. Me gustaría seducir al público español pero no tenemos ambición de conquista, que es una palabra más europea. Es probable que, más que en Estados Unidos, nos entiendan en Europa, que tiene una actitud más abierta.

En España habéis conseguido buenas críticas pero, de momento, no habéis alcanzado grandes cifras de venta. ¿Convertiros en un grupo conocido en España es una de las prioridades de Babasónicos?

Tenemos que venir a tocar más para que nos conozcan, aunque lo único que provoca ventas es sonar en la radio. La gira ha tenido una buena respuesta del público español. No hemos venido a hacer una gira nostálgica para emigrantes argentinos.

¿Qué os lo que más os interesa de la música española?

Los Planetas, Iván Ferreiro, Maga, Deluxe, Bunbury…

¿Creéis que llegará el día en el que los grupos hispanos de rock triunfen en Estados Unidos donde sólo conocen a artistas melódicos como Luis Miguel o a cantantes más “mainstream” como Shakira o Enrique Iglesias?

No, no creo. Nunca vamos a entrar en sus emisoras de radio, aunque seamos “mainstream” en las radios latinas. Son muy etnocéntricos, sólo les interesa su rock. Aunque haya más atención que antes, nunca va ser mayoritario. Si allí triunfan Shakira o Juanes es porque venden el cliché de lo latino.

Mientras desde otros países de América, sobre todo los del área caribeña, nos llegan artistas cuya música entronca más con la música tradicional de esa zona, los artistas de México, Chile o Argentina son más rock. ¿Se mira más a Estados Unidos y Europa en la música argentina?

El problema de Argentina es que no puede mirar a nadie porque no tiene referencias. Estamos tan lejos… Tenemos que crear nuestra propia música. Además, Argentina es una nación muy revolucionaria. Siempre está a la vanguardia de la política proletaria, salvo, por supuesto, durante la dictadura, que no había posibilidad de existir.

“Anoche” suena muy pop. Incluso hay temas como “Muñeco” que tiene un toque muy beatle…

Yo creo que “Infame” era más pop. Éste es más folk, aunque el disco trata de dispararse en varias direcciones, incluyendo el pop, por supuesto.

¿La letra de la canción "El colmo" puede ser entendida como una reafirmación ante lo establecido?

Sí, en cierta forma, así es. Es una autoparodia del cantante de rock. En cierto modo, me burlo de mí mismo.

En dos de las canciones de “Anoche”, "Luces" y "Pobre duende", criticáis a la industria y a las estrellas efímeras que crea. ¿Cómo combate Babasónicos el aburguesamiento musical que parece que, tarde o temprano, le llega a todo artista?

Tomado riesgos, sintiendo vértigos y cayendo en errores. No repetir la fórmula de discos anteriores Tiene que haber provocación para que exista el rock & roll y no aburguesarse.

Y, para evitar el estancamiento, ¿vislumbráis ya cuál será la línea de vuestro próximo trabajo?

No. Normalmente hacemos los discos como reacción al disco anterior. El disco nuevo tiene que silenciar al anterior. Por eso no se parecen mucho entre sí nuestros discos.

¿Cómo fue vuestra relación con el antiguo vocalista de Stone Roses, Ian Brown, que os pidió un tema para su álbum “Golden Greats”?

Un amigo común que vivía en Nueva York le llevó discos de Babasónicos y le gustó mucho nuestra música. Cuando fuimos a grabar nuestro cuarto disco nos conocimos en Nueva York. Nos pidió que le hiciéramos una canción y él le pondría la letra en inglés. Conocimos a nuestro productor, Phill Brown, a través de Ian. Seguimos manteniendo el contacto con él.

Con la irrupción de las descargas a través de la Red, ¿cómo veis el futuro de la industria discográfica y cómo puede influir en la carrera de artistas y grupos nuevos?

El mercado anglosajón tiene un mayor margen de espontaneidad y se pueden dar más sorpresas porque también tiene más poder adquisitivo. En el mercado español la incidencia es menor en ventas pero puede atraer a más público hacia el artista. Creo que las discográficas se van a tener que reorganizar y que van a ser ellas las que terminen manejando Internet.

Nuevo disco de Intima: TR3S

Intima, la banda que nació en el año 2000, integrada por Carlos Sola (batería), Sebastián Cohn (bajo) y Salvador Reynoso (bandejas y samplers), acaba de editar su tercer disco llamado TR3S.

Tras la idea que todo sonido puede convertirse en música, los 12 temas que conforman TR3S son una muestra contundente de la habilidad con que Intima fusiona los sonidos propios de la electrónica con elementos provenientes de diferentes estilos musicales, culturas y expresiones artísticas.















El nuevo trabajo de Intima se sitúa en un espacio entre el rock más electrónico y la electrónica más roquera. Lejos de considerarse un disco “electro pop”, TR3S ataca la frivolidad del pop y la electrónica proponiendo una escucha distinta de un estilo que alguna vez fue propiedad exclusiva solo de las máquinas.

TR3S es un culto a la energía, cada tema parece jugar con los límites y cuando parece que no hay manera de ir más allá, el track siguiente eleva la temperatura a 1000 grados centígrados. La filosofía de la banda sigue siendo respetada: tocar música electrónica en vivo y en tiempo real. El álbum refleja la madurez y experiencia lograda tras 6 años de trayectoria y dos discos anteriores.

Actualmente Intima se encuentra filmando el video del primer corte “Looser”, de la mano del director Diego Pernia quien ya dirigió los videoclips de su anterior álbum.

Diego Pernia también dirigió “De frente al mar” - Carajo, “Madre hay una sola”- Bersuit, “Arde” - Mancha de Rolando, “Triste” – Carajo, etc.

Discografía:
Intima EP (2001)
Niño Bomba (2003)
TR3S (2006)

Intima:
Carlos Solá (Batería)
Sebastián Cohn (Bajo)
Salvador Reynoso (Bandejas y Samplers)

http://www.intimanet.com.ar/

MAB

Los Piojos interrumpieron un recital por un incidente con una bengala

Ocurrió anoche, durante una presentación de la banda en el Luna Park. De inmediato, Ciro, el líder del grupo, detuvo la música y le pidió a los jóvenes que la apagaran. El resto del público también repudió el hecho. Finalmente, el show continuó sin inconvenientes.



http://www.clarin.com/diario/2006/08/26/um/m-01259727.htm

En el cierre de una serie de cuatro presentaciones en el Luna Park, anoche, Los Piojos debieron interrumpir por unos instantes el recital porque un joven prendió una bengala en el centro del campo. De inmediato, Ciro Martínez, líder de la banda, detuvo la música y pidió que la apaguen. El resto del público también repudió el hecho, que no pasó a mayores y rápidamente el show pudo reanudarse.

Los Piojos volvieron a apostar al "boca en boca" de sus fans, y con el solo anuncio en la página oficial realizaron anoche el cuarto Luna Park en diez días con entradas agotadas. A pesar de los controles de ingreso, el lamentable hecho de ayer tuvo lugar sobre el final del recital y vale aclarar que en las tres noches anteriores (15, 16 y 24 de agosto) el comportamiento del público fue correcto.

Luego del éxito de los tres shows promovidos de la misma manera a fines de abril de 2006, la banda liderada por Andrés Ciro Martínez volvió a hacer un parate en la grabación de su nuevo disco de estudio y se reencontró con sus fans en el mítico estadio de Corrientes y Bouchard. Los cuatro rituales (15, 16, 24 y 25 de agosto) tuvieron lista de temas diferentes y el condimento que siempre le pone la banda desde arriba del escenario. A los infaltables, Babilonia, Como Alí, Maradó o Tan Solo, se le sumaron temas como Siempre Bajando, Qué Decis, Don't say tomorrow y Llevateló, entre muchos otros y los tres temas nuevos que serán parte de la próxima placa: Llega el tren, Buenos días Palomar y Hoy es hoy.

En el recital del jueves, oficialmente Los Piojos anunciaron la salida de "Fantasmas peleándole al viento", el primer DVD de la banda, que se pondría a la venta el próximo 20 de setiembre. Ese mismo día estuvieron como invitados Alejandro Sokol y Germán Daffunchio de Las Pelotas, con quienes tocaron Shine y Tan Solo.

El cierre de anoche, que fue transmitido en vivo por Internet a través de la página oficial, tuvo la participación de Mex Urtizberea cuando tocaron El balneario de los doctores crotos y de Richie Silver (Rubén Rada) con quien compartieron Rock de la calle y Guadalupe.

HABLA THOM YORKE

El líder de Radiohead edito un disco solista con los temas de siempre: paranoia, agobio, apocalipsis. Pucha, que vale la pena estar vivo...

Txt. Ann Powers. L.A. Times y Clarín

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/25/3-00201.htm


El año pasado, Thom Yorke supuestamente se iba a relajar. Radiohead había hecho un alto después de un largo ciclo de grabaciones y giras. Yorke disfrutaba del descanso de lo que burlonamente llama "hacer DISCOS". Pero en lugar de dejar un espacio para la calma, Yorke se encontró sumergido en nuevos pensamientos.

"En mi casa, hay una habitación grande como ésta", dice Yorke, señalando la espaciosa suite del Clift Hotel de San Francisco donde comenta The Eraser. "Todo el cuarto estaba cubierto con notas y papelitos. Poco antes de empezar a grabar, vino un amigo mío y, al ver esto, se rió a carcajadas y me preguntó cómo iba a hacer para armar todo eso".

El caos de la sala de trabajo de Yorke, reflejado en los "retazos y fragmentos sonoros de todo tipo" contenidos en su laptop, le dio una sensación de libertad que momentáneamente había perdido en Radiohead. Junto a dos colaboradores de toda la vida, el artista visual Stanley Donwood y el productor Nigel Godrich, Yorke se encerró entre esos fragmentos, excluyendo otras influencias. "Así es cómo lográs que un proyecto tenga su propio universo", explica. "Decís 'todo lo que hay, todo lo que tengo es lo que hay en esta habitación'".

Compuesto rápidamente, durante una época en la que Yorke se comprometía cada vez más con el grupo ambientalista Friends of the Earth, The Eraser significa recuperar la motivación.

Ante la pregunta de si Radiohead distribuiría su próximo álbum de manera independiente, Yorke sin dudar contesta que sí. "Tenemos dos o tres opciones. Me gustaría que lanzáramos un arma química en la industria musical. Pero tampoco lo veo como una responsabilidad nuestra".

Lo que comenzó como un viaje incidental a la música electrónica abstracta que ama se convirtió en cuarenta minutos de música notablemente poderosa y directa. The Eraser es el evocador retrato de una vida que se ha vuelto insegura debido al crecimiento urbano desordenado, las oscuras alianzas políticas y el calentamiento global.

"Todo empezó con montones de ritmos y la la la", dice Yorke, burlándose de sus tendencias oscurantistas. "Era intenso y muy heavy. Pero hubo dos o tres cosas que hicieron que Nigel y yo dijéramos 'Uuuh, acá hay algo muy directo. Alguien podría entenderlo de una'".

Fan de la electrónica experimental, el cantante primero produjo una colección de temas sin poder de comunicación. "Tenían sentido para mí pero lo que había en ellas no era suficiente para nadie más. Lo mires como lo mires, la música sale de una caja". Eso a cuento de que hasta los sonidos acústicos de piano, guitarra y bajo que samplea The Eraser están procesados por computadora, y cita Homogenic (1997) de Björk como punto de referencia. "Está construido para ser escuchado en un espacio aislado: con auriculares o en un embotellamiento de tránsito".

La referencia al tránsito no es casual en Yorke, cuya preocupación por el medio ambiente en un momento casi lo lleva a enloquecer de furia. Donwood incluyó esa ira en London Views, el paisaje apocalíptico inspirado por The Eraser que aparece en la tapa del disco. Una de las imágenes más poderosas es la del rey Canuto, legendario monarca inglés que quiso probar los límites del poder real tratando de dominar el océano. Ese relato también inspiró las letras de Yorke, basado en el decir de Jonathan Porritt, un ambientalista británico. "No se trata de algo político, pero es lo que está pasando. Somos reyes Canuto que levantamos la mano y decimos 'esto se va a resolver, lo puedo detener'. ¡No, no podemos!". La canción más polémica de The Eraser es Harrowdown Hill, título que alude al sitio don de las autoridades hallaron el cuerpo del Dr. David Kelly, quien, se dijo, se había suicidado después de revelarle a un periodista que el gobierno de Tony Blair había identificado falsamente armas biológicas en Irak.

"Me sonaba como el de una batalla. No esperaba que mucha gente se diera cuenta de que Harrowdonw Hill es donde murió el Dr. Kelly. No digo que la referencia no esté presente, pero no es lo único". Para Thom Yorke, todo pasa por oír el mundo a través de la voz individual.

ALEJANDRO Y KUBILAI MEDINA

Una herencia bien pesada : Generación M: de manal a mostruo!, los Medina llevan el rock en la sangre.

Txt. Karina Noriega. Especial para Clarín

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/25/3-00401.htm




Ya en la panza, Kubilai escuchaba los graves de su padre al bajo cuando tocaba con Manal. "Vos no te acordás. Pero cuando naciste, te ponía Jimi Hendrix, Miles Davis y un poco de Mozart". Así recuerda el legendario Alejandro Medina el primer acercamiento con la música de su hijo mayor, al que eligió bautizar hace 33 años con el nombre del primer emperador chino de origen mongol, hijo de Genghis Khan. Es feriado, las calles están desiertas y en el bar, Medina Jr., autodidacta "genético", le entrega a su padre el debut de Mostruo!: cuatro músicos de La Plata que desempolvan sus mejores influencias (Prince, Marc Bolan, Franz Ferdinand), "tocados" por La Pesada y sumergidos en la tradición del rock nacional. Un disco "grosso", de verdad: de lo mejor que salió este año. Medina padre dice aprobando: "Escuché dos temas. Me parecieron bien, tienen mucha polenta. Van a pegar".

—¿Nunca fue una mochila ser el hijo de una leyenda del rock?

—Todo lo contrario. Mi viejo tiene esa magia, lo escuchás y te toca. Es mi background, lo que tengo de toda mi vida. (Kubilai)

—Además... ¡es más fácil! Somos domesticadores de notas: son salvajes. ¿Qué hace un bioquímico con las notas? Nada. Al carburista le vienen melodías a la cabeza y se pregunta de qué se trata. (Alejandro)

—¿No te cansa un poco el revival del rock nacional que hasta se convierte en marca?

—No, a mí eso me encanta. Yo sigo tocando. Es mejor para mí. Aunque yo nunca escucho La Mega. Me gustan más las independientes, como Cooperativa. Igual, ahora todos se ponen a hacer covers de Led Zeppelin y están re blandos. Pero sólo se parecen mucho en el look. Se ponen la pilcha y los detalles: las roturas bien pensaditas.

—¿Sentís que tenés más hijos en el rock que en tu vida?

—Sí. Acá sólo se escuchaba El Club del Clan, folklore y tango. Y los pibes no teníamos música propia. Nosotros queríamos música para nuestros hijos... y mirá lo que pasó (Alejandro, señalando con orgullo al Kubo).

Alejandro es además autor (en La Pesada) de Gracias al cielo, el himno humeante del programa de Pettinato que lo cantan hasta las amas de casa. Dice que le dejó dos mensajes al ex Sumo para que toque como invitado en el show de mañana en El Condado, donde va a festejar sus 40 años en el rock. "En ese momento mucho no podías joder con eso porque había mucha hipocresía. Y salió ese tema, que es una tontería y ahora está de moda".

"LAS 48 LEYES DEL PODER" El tao del hip hop

un libro de autoayuda en los negocios se convirtio en "la biblia" para los raperos yanquis. (me hace acordar a alguno rolingas argentinos, pero claro, en el hip hop son mucho menos caretas que estos ratones coterraneos)

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/25/3-00301.htm

Regla número 5: "Es mucho lo que depende de la reputación. Cuídala con tu propia vida". (El productor de hip hop DJ Premier redujo esta máxima a "La reputación es la piedra angular del poder" y se la hizo tatuar en el brazo).

Regla número 8: "Atrae a la gente; usa carnada si es necesario". (El rapero L.G. imprimió esta frase en su mixtape Industry Co-Sign II: the 14 Tracks of Power).

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Ambas máximas pueden encontrarse en Las 48 leyes del poder, un libro de 1998 que recoge anécdotas de los complotadores más grandes de la historia (Casanova, Maquiavelo, el ex presidente chino Mao y el estafador "Yellow Kid" Weil, entre otros) para hacer observaciones sobre cómo lograr el éxito en la vida. El libro se convirtió en un bestseller en el mundo de los negocios. Y hoy es una Biblia de la conducta en el mundo del hip hop, como resultado de la creciente sensación de los artistas del rap de ser miembros de una clase guerrera empresarial. Los raperos escriben letras sobre este libro ("el único que leí en mi vida es uno que podría haber escrito y que se llama Las 48 leyes del poder", rapeó Kanye West), lo mencionan en las entrevistas ("dice que lo peor que se puede hacer es levantar una fortaleza alrededor de uno", comenta Jay-Z en la Playboy yanqui) y lo estudian como guía para tener éxito en el despiadado negocio de la música. En los '80 y '90, los raperos recitaban diálogos de Scarface, el clásico de 1983 con Al Pacino, y El arte de la guerra, el tratado de estrategia militar de Sun Tzu, de 2.500 años de antigüedad, era el libro más elogiado del rap. Pero a principios del 2000, el hip hop se volvió el sonido dominante en la música pop, sus intérpretes ejercieron una influencia real dentro de la industria y comenzaron a presentarse como millonarios autodidactas más que como outsiders de estilo gangsteril. Ahí nació su nuevo gurú: Robert Greene, el autor de Las 48 reglas... ("un blanco fanático de las computadoras") se convirtió en un raro consejero de la elite del hip hop. Tanto, que ahora fue contratado para escribir un libro de negocios con 50 Cent, el rapero a quien la revista Forbes, después de haber sobrevivido tras recibir nueve disparos, calificó como "un empresario astuto y un dominante constructor de marcas".

Morire por el rock n' roll

Su baterista, Marcelo Lamenza, fue una de las 194 victimas de Cromañon. Poco antes del 30D, compuso el premonitorio "Moriré por el rocanrol".

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/25/3-00801.htm



Y hoy, Moriré por el rocanrol es uno de los temas más coreados en sus shows. "Al principio lo tocábamos llorando", retoma Damián. "La primera vez fue un momento muy emotivo, nos poníamos anteojos negros porque se nos caían las lágrimas. La gente abajo también lloraba. Y cuando terminamos, fue mirarnos y decir 'loco, pudimos hacerlo'".

El unico programa que te pasa punk no pautado... esta en utilisima!

Anoche, sin sueño, me encontre con cosmo urbano, en utilisima. Y me entere de como se hace un chalequito gotico ideal para que tu vieja se quede pensando que hizo mal cuando te ve pasar... es buenisimo, si tus viejos te regalan ropa para que te vistas como nena, ahi te enseñan a reformarla a tu gusto para vestirte con tu propia personalidad. Ademas pasaron la biografia de Cadena Perpetua, A77aque y 2 minutos

queres punk? pone utilisima.

No hagan payolas - que, por que y como programan las emisoras

Ningún medio ni campaña publicitaria es tan eficaz como la radio para vender discos y shows. La industria lo sabe hace rato y usa ese poder. Cómo se crean los gustos, cómo se educa el oído, desde la óptica de las "propaladoras" rockeras.

Por Mario Yannoulas

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2392-2006-08-24.html




Do you remember rock ‘n’ roll radio? preguntaban The Ramones en la puerta de los ‘80, y en las entrevistas Johnny decía que estaba harto de oír a Bruce Springteen en todos lados. Reclamaban un cambio antes de que el rock se convirtiera en pasado, porque todo les sonaba parecido. Dos años después pedían la posesión de las ondas radiofónicas y amenazaban con romper la radio de un martillazo. Querían una oferta más amplia. No fueron, son, ni serán los únicos: década tras década nuevas generaciones quieren empujar al gigante del mainstream y robarle un rato de éter para difundir su arte. Los que están adentro sienten que la cosa funciona bien, los de afuera golpean el vidrio del estudio con el disco en la mano.

Ningún medio ni campaña publicitaria es tan eficaz como la radio para vender discos y shows, por eso en ese terreno las negociaciones entre las gerencias artísticas y las compañías se vuelven más ásperas. A veces, es tan importante para los sellos que su producto suene en la radio, que hasta el propio presidente de las compañías se reúne para arreglar una pauta de difusión. Una vez hecho el acuerdo, la discográfica se vincula con una consultora que audita la cantidad de pasadas que tuvo cada tema en cada radio. Fuentes cercanas al corazón de la industria dicen que las sumas rondan entre los diez y los treinta mil pesos mensuales por paquetes de veinte artistas –todo en promedio, por supuesto– y, en algunos casos, hace un tiempo, se habrían pagado coimas a musicalizadores (sí, también acá) para hacer sonar a algún artista que no llegaba por pauta. Como en todo, trabajar al por mayor siempre tiene sus beneficios.

En los Estados Unidos, pagar o cobrar por pasar un tema (práctica que se conoce como “payola”, o pagar para sonar, que viene de la conjunción de “pagar” o “pay” y “victrola”) y no anunciarlo al aire como espacio patrocinado es ilegal, tras haberse descubierto que el famoso programador Alan Freed –quien acuñó el término “rock and roll”– recibía plata de las compañías por privilegiar ciertos artistas. Es considerado un delito y en el último tiempo las principales multinacionales tuvieron que pagar multas millonarias por habérseles comprobado casos de “payola”. En la Argentina, eso está permitido.

Actualmente existen en Buenos Aires tres grandes FM de rock: Rock & Pop (95.9 Mhz), La Mega (98.3 Mhz) y Kabul (107.9 Mhz). Rock & Pop fue la primera radio de rock de la Argentina, creada hace 21 años por el empresario Daniel Grinbank, que en 2001 dejó a la criatura en manos del grupo mexicano CIE, para un par de años después crear Kabul, espacio “totalmente indie y alternativo”, como él mismo define al NO. La Mega es la más escuchada, pasa “puro rock nacional” y pertenece al empresario de la derecha pragmática Daniel Hadad.


La música

Pero no todo es cuestión de pauta, sino también de fenómenos sociales: “El rock está recuperando un poco el lugar que había perdido hace seis o siete años en manos del rythm & blues, el soul y el rap. Surgieron bandas como The Vines, Arctic Monkeys, Elefant, The Racounters o The Libertines, que están rescatando la esencia del rock, que es romper estructuras: canciones cortas, precisas, contundentes y fuertes, y como la radio es también el medio más veloz, eficaz y agresivo para difundir música, entraron en sintonía”, plantea Bobby Flores, ex hombre de la Rock & Pop y actual conductor de Bacardi On en Kabul, y Hablar Es Fácil y Lee Cool Nights, ambas por Spika (FM 103.1), una radio de rock clásico propiedad de Grinbank y Marcelo Tinelli.

“Es un proceso cíclico –dice Bobby–, cada seis o siete años todo se recicla. De los ochenta para acá hubo una primera época con el punk y el dark, The Cure, The Sex Pistols, The Clash, después vino un bajón hasta que aparecieron Guns ‘N’ Roses, Poison, Bon Jovi, que volvieron a meter al rock en la difusión radial. Eso se vino abajo y apareció el grunge con Nirvana, Pearl Jam, Alice In Chains, hasta ahora, que está apareciendo de nuevo con estas bandas.”

Grinbank cuenta que creó Kabul y Spika porque le parecía que faltaban radios musicales. La idea para Kabul fue mezclar temas hiteros con algunos clásicos y material nuevo. “Noté que bandas como The Strokes, The White Stripes o Placebo no tenían que ser desarrolladas como nuevas, sino ya como hiteras, al nivel de Green Day o los Chilli Peppers, pero se había producido un vacío informativo en la gente, que había sido absorbido por el rock barrial”, recuerda quien trajo a los Rolling a la argentina.


La pauta

Marcelo Martínez es musicalizador en Rock & Pop y se encarga de armar la lista oficial para los programas centrales, pero los oyentes de Day Tripper lo conocen más como el Pelado Torabe. “La radio tiene convenios con las cuatro multinacionales y con Pop Art, y sobre todo se arregla qué cantidad pasar de cada sello. Después sobre la marcha las compañías nos van diciendo ‘pasá más de esto, bajame esto otro’”, comenta. Day Tripper tiene, por día, catorce temas pautados más seis a elección, aproximadamente. Así, más de la mitad de lo que se escucha en la radio proviene de negocios discográficos. Y esa proporción se mantiene de nueve de la mañana a nueve de la noche, aproximadamente. En otros días y horarios, es más flexible, por ejemplo Radio Portátil (desde las 6.30 con Elizabeth Vernaci) no tiene pauta, y Cuál Es? (de 9 a 13) sí tiene, pero Mario Pergolini no la respeta porque es el que “tiene más chapa”.




Grinbank dice que proyectaba evitar la rutina de la pauta. “Las radios de rock relegaron mucho la parte artística por el negocio. No es que no pasaba cuando yo estaba en Rock & Pop, pero en esa época las dos bandas que más poníamos eran los Redondos y Soda, y ninguno trabajaba con nosotros. En Kabul priorizamos la música como eje de comunicación, entre los musicalizadores y yo seleccionamos lo que queremos que suene, y determinamos ciertas prioridades más allá de si tienen o no un lanzamiento en la Argentina”, cuenta el empresario. Diego Ripoll conduce Lima en la mañana de Kabul. “La idea era respetar el lugar de lo más importante que tiene esa radio, que es la música, y que sonara la misma cantidad de temas que salían en ese momento, es decir, doce por hora. El repertorio se elige a mano y con criterio, no sale de una computadora llena de material pedido por las discográficas”, aclara.

Además de ser el medio más pertinente para la difusión de un disco, la radio se convierte también en catapulta para las bandas que vienen y estar por tocar. Si hoy Pop Art y Rock & Pop son casi aliados estratégicos, no suena ilógico que la difusión del Pepsi Music quede en manos de la emisora –y también de La Mega– y que los artistas participantes suenen más seguido que otros. Lo mismo hace Daniel Grinbank desde sus radios. Montado en la esperanza de hacer conocer las nuevas bandas del llamado “retro rock”, gestionó la visita de Elefant en julio y su próxima incursión al festival BUE, que su empresa DG Producciones organiza. “La radio es el primer paso para meter a una banda, y es la que dispara artistas. Después ayudan un poco los videos y otro tipo de campañas, como la presencia de grupos en vivo con un respaldo artístico por parte de la emisora; eso hicimos con Elefant, un grupo que queremos desarrollar”, comenta.

Ahora bien, para los grandes sellos no es suficiente sonar en las radios “de rock”. Consideran que emisoras como La 100 y FM Hit son una pata fundamental del negocio que no pueden desperdiciar. De hecho, el mercado se amplió bastante y los temas que suenan en las radios hiteras también lo hacen en las rockeras. Cristian “Toti” Iglesias, cantante de Jóvenes Pordioseros, dice que haber sonado en esas radios permitió que su música se difundiera en el Interior, donde las otras no llegan. “Si bien acá están vistas como radios caretas, todos tienen derecho a escuchar lo que está sonando porque es una forma de culturizarse musicalmente. Muchos noscritican, dicen que hacemos un rock cabeza, pero todo es parte de una cultura”, se defiende.


¿Difundir, divertir o vender?

A esta altura empieza a plantearse un fuerte debate acerca de la naturaleza de la radio: ¿Cuál es su función en cuanto a la música? “Hoy, es el entretenimiento, porque lo comunicacional cambió. En los sesenta y principios de los setenta te anunciaban a Led Zeppelin y tenías que salir a ver qué carajo era eso, conseguir información y después un disco, que en ese momento costaba lo mismo que un jean y una campera. Ahora te metés en Internet y por un peso cincuenta leés toda la información y si querés bajás la discografía”, lanza Norberto “El Ruso” Verea, aquel que en los noventa la rompió con la Heavy Rock & Pop y luego pasó por las fugaces La Rocka y Supernova, siempre con sus discos a cuestas.




“Hace mucho tiempo que el papel de la radio dejó de pasar por la difusión, por lo menos en el horario importante. Creo que la única emisora que conserva un poco eso es Rock & Pop, aun en horarios centrales, porque sus conductores suelen tener bandas a las que les gusta difundir o darles una mano más allá de cualquier arreglo comercial. En general, en las radios, la difusión queda relegada a horarios marginales o a programas especializados. Yo tengo Tiempos Violentos, un programa de heavy metal (domingos a las 21 por Rock & Pop) donde pongo ciento por ciento lo que se me canta”, señala Gustavo Olmedo, que también conduce Apagá La Tele de lunes a viernes a las 21.

Pero cómo debería ser: “En lo musical, la función de la radio es difundir, sólo tiene que mostrar, no generar opinión, ni vanguardias. El problema es que la mayoría están dominadas por convenios con grabadoras y sólo apuntan a la venta de música –dispara Bobby–. Al ser corporaciones las radios tienden al bien general, no al personal. Y el rock es una actitud personal: ante todo yo, después el mundo. El rocker no quería ser parte de todo el sistema, era una patada en el orto. Eso se acaba cuando es parte de una corporación, porque ingresa al sistema y pasa a ser un rock insustancial. No es lo mismo ser punk que ir a la Bond Street a comprarte ropa punk”, reflexiona.


El rock nacional

En cuanto a la difusión radial, la aparición de La Mega –que prefirió guardar silencio sobre la manera en que organiza su programación– hace ya cinco años y la devaluación del peso engordaron el mercado interno. La Mega surgió de un estudio de mercado que dio como resultado lo que la gente quería: una radio de rock nacional. Hoy, es la FM más escuchada. “Eso del rock nacional es nazi, no hay que cerrarse así, hay que abrir la cabeza, escuchar de todo, porque lo otro agota. Vieron un negocio, no una actitud, y eso no es arte”, se despacha Bobby. Por otra parte, las grandes compañías, que habían echado a la mayoría de sus artistas argentinos de rock, dejaron a la deriva un negocio redondo que Pop Art supo aprovechar y fomentar lúcidamente, y hoy es la productora que representa a la mayor cantidad de artistas en el país. Se produjo un auge de lo argentino, que hoy se palpita en cada esquina y en cada fin de semana, con unas cuantas bandas de estadio y otras medianas que ya consiguen llenar un Obras sin que parezca hazaña.




“La Mega revitalizó las carreras de muchos artistas semiolvidados o que no tenían el respeto que se merecen”, opina Olmedo. Para Verea, el éxito se debe al sonido dulce, nostálgico, histórico, muy caro al afecto del argentino que emana la radio. “Está muy bien pensada, crearon un nicho comercial muy amplio, aprovechándose de la frase ‘rock nacional’. El problema es que va desde Sandra Mihanovich hasta Pappo’s Blues, y eso genera una confusión que les sirvió al mercado y a los organizadores de festivales para convocar multitudes con gente que toca cumbia. El negocio cierra, pero poco tiene que ver con el rock”, advierte.

¿Las radios captan nuestros gustos o los imponen? ¿Por qué escuchamos la música que escuchamos? Bobby siente que la producción argentina se empobreció bastante. El problema es que la pauta rígida deja poco espacio para el surgimiento de artistas nuevos y diferentes. “Así es muy difícil que se genere un nuevo Cerati o unos nuevos Redondos, porque las compañías necesitan vender rápido y es más fácil hacer sonar un riff y un estribillo pegadizo que apuntar a la profundidad musical, al análisis de una letra. Es más simple difundir diez temas de Intoxicados que cuatro de Cerati. Sin desmerecer, creo que tiene que ser una opción, pero no lo único”, cierra.

Rep - No pasaran

Sick Porky abre el diálogo

En el collage multicolor ubicado sobre unas de las paredes de la sala de ensayo se puede observar la evolucion de la banda que desde hace 8 años viene rockeando sin descanso. Durante todo este tiempo Sick Porky sufrio cambio de miembros, grabó 2 EP, compartió escenarios con muchas bandas, algunas aún vigentes otras desaparecidas y participó de los compilados Loco Gringos Have a Party the south american stoner rock, coproducido entre Válvula discos (basil) y Días de garage (argentina) y del tributo a Kyuss Listen without distraction, producido por DDG records.




La actual formación de la banda cuanta con Jeremías en guitarra, Carlos en voz, Leandro en bajo y El Tío en batería. Acerca del cambio que supuso el alejamiento del Tata, Jeremías reflexiona:

Cuando se fue el Tata no sabíamos para donde disparar… al estar tan acostumbrados a tocar siempre con 2 guitarras los temas comenzaron a cambiar forzosamente. Pero esto representó un crecimiento para la banda.

Durante el 2005 la banda se dedico a terminar de componer el nuevo material y grabarlo con producción de Agustín Rocino para una futura edición de un LP esperada para el 2006. Sobre este período de arduo trabajo, puertas adentro, en un nuevo ámbito y ante un nuevo rumbo la banda se explaya:

Las canciones las componemos entre los 4, generalmente salen de zapadas sobre bases que alguno piensa y propone en los ensayos. Dice Carlos.

Algunas canciones hemos tardado 2 años en terminar de escribir la letra. Acota Jeremías.

Por eso mismo antes de entrar a grabar al estudio, Agustín nos dijo que si no terminábamos de escribir las letras no nos grababa. Completa el Tío…

Si bien fue un ultimátum por parte del productor, la banda logró la disciplina y la constancia para llegar a la grabación de la mejor forma posible.

Las letras van surgiendo, generalmente las escribo yo y después entre todos las vamos armando. Igual son letras que permiten un significado propio y diferente en cada uno que las escucha, como que tienen una libertad muy grande de interpretación. Acota Jeremías sobre la forma de componer de la banda.

Nos beneficio muchisimo el hecho de haber llegado a la sala propia. Es una diferencia abismal… Los ensayos son más relajados, ya no nos presiona el tiempo y cuando no ensayamos todos juntos cada uno va zapando con amigos de la casa y gente de otras bandas y siempre hay alguien tocando. Aclara el Tío al respecto de la sala propia y Carlos agrega:

Cuando ensayábamos en sala era diferente porque siempre el horario medio como que te corría y en las dos horas de ensayo hacíamos un repertorio, que con el tiempo fue cambiando, y no nos quedaba mucho tiempo para zapar y por ahí nos volvíamos a nuestras casas con las ideas que queríamos proponer sin siquiera poder mostráselas al resto de la banda.


Sobre esta cuestión particular en la cual también se ve envuelto, Alejandro (cantante y guitarrista de XV Cuerpos) comenta sobre la función primordial de usina que cumple la casa que alberga el estudio y la sala de ensayo:

Cuando decidimos venirnos a esta casa lo planeamos como un lugar de interacción. Somos 3 bandas fijas más un montón de ensambles que se van armando, es un espacio para generar música.

Cuando nos vinimos a esta casa nos relajamos mucho y comenzamos a zapar más y eso nos permitió experimentar más con el sonido. Eso se ve reflejado en el disco, intentamos grabar con diferentes equipos para lograr distintos sonidos… Siempre pudiendo mantener esos sonidos en vivo. Antes tal vez grabábamos hasta 8 violas en los temas y quedaba muy bueno pero después en vivo era imposible de reproducir… Con la ayuda de Agustín, que ya es como el quinto Sick porky, logramos una evolución muy grande. Agrega el Tío.

Sobre el gran aporte de Agustín, Jeremías agrega:


La banda con la nueva formación ganó mucho en sonido, nos tuvimos que adaptar a hacer música como cuarteto y eso fue un gran cambio, las guitarras ahora son más poderosas y la banda suena más homogénea y contundente.

Todas las baterías del disco las grabamos en un dia… acota el tio

El bajo tardamos en grabarlo aproximadamente un mes porque Agustín quería que grabara con un Musicman vintage que se rompio y en el medio hubo que arreglarlo. Pero tenía en mente ese sonido y ese es el sonido que logramos en el disco. Aporta Lea.

Actualmente la banda se encuentra terminando una mezcla con 4 temas para repartir, a modo de EP de difusión, con el propósito de editar el disco en el 2006.

nota original de PortalStoner.com, con fotos y todo
http://www.hxcmp3.com/bands/14372/index.php
http://www.portalstoner.com/bandas/s/sick-porky/

Los Cafres

Los Cafres. A las 24 en Av. Calchaqui 3085, Quilmes.

http://www.loscafres.com.ar/

Hoy

HOY

Un back 2 back que será match de lujo para La Mecha Corta y el público amante de encuentros detonantes.

SAB 19 La Mecha Corta
Dj Campeón vs Villa Diamante
ZANZIBAR, San Martín 986
23.30 hs. / GRATIS

Parece que sirven muy buen ron. así que vengan con sed.
Muchas chicas lindas, no pueden equivocarse.

"Tu me llevas / Volando por el campo / Despegao' del piso / Caminando en zancos / Con una canasta de patanco / Pa' caminarle por encima a los barcos / Hasta llegarle a tu cordillera / La que me sana de to la curandera / Por ahi hay rumores / De que tu eres / La suerte de tos los colores" (Calle 13 - La Jirafa)

Next Gigs

SAB 26 @ ByF
SAB 26 @ Masivaa
JUE 31 @ Funka

Villa Diamante
Detonado

http://www.diamantestyle.com.ar
http://www.myspace.com/villadiamante

Tiro de Gracia

Si hablamos de Hip Hop Latino, estamos mas que obligados a nombrarlos, y mas cuando somos hermanos sudamericanos. A este grupo que con algun que otro cambio de integrantes, hoy se encuentra formado por Lengua Dura, Juan Pincel Sativo y la activa participacion tambien del DJ Gabriel AKA Mataskaupas, podriamos llegar a considerarlos old school, si tomamos en cuenta que vienen militando en esto hace mas de una decada.
Juan Pincel, quien se encuentra trabajando en lo que sera el nuevo material de Tiro de Gracia, nos cedio unos minutos y respondio estas preguntas para los fans de TdG en la Argentina y el mundo.



http://hiphopargento.com.ar/

HHA: Comenzar, como solemos hacer, preguntandoles que es Tiro de Gracia siendo nosotros un website de Sudamerica es casi ironico, pero como nos resumirian la escencia de TdG?
TdG: Bien, Tiro de Gracia es la suerte de improvisar algo en un momento. Tambien la idea de disparar a matar con la lirica, con las letras mas controversiales de los ultimos tiempos en su contenido musical.


HHA: Como se sienten dentro del panorama de Hip Hop chileno con la trayectoria que ya tienen luego de tantos años, no igualada por ninguna otra banda de Hip Hop salida de Chile?
TdG: Nos sentimos con una gran responsabilidad ya que la musica de Rap de escencia es muy comprometida a diferencia de la musica tradicional.

HHA: Como sienten que evolucionaron desde aquel primer lanzamiento multinacional "Ser Humano" hasta el dia de hoy?
TdG: Sentimos que despues de un boom mediatico, el desafio es aun mas dificil, pero tomarlo con entusiasmo a la hora de terminar nuevos trabajos que realmente nos hagan pensar que Tiro de Gracia esta hecho para durar y hacer mas alla de la musica un sello propio de calidad, marcar una diferencia, yo creo en lo personal.

HHA: Como logran mantenerse centrados luego de tanto tiempo? Y porque sienten que el publico sigue estando ahi para ustedes?
TdG: Porque desde un principio nuestra musica fue blanco de comentarios, que si realmente era real lo que nosotros estabamos haciendo. Con el tiempo el publico mas cautivo y el mas popular fue comprendiendo y sintiendose muy representado con un Juan Sativo/Lengua Dura muy honestos a la hora de subir al escenario

HHA: Como fue la transicion luego de la partida de Zaturno? Fue algo simple por el hecho de que desde la base eran ustedes dos?
TdG: Despues del bache que dejo Zaturno, mucha gente comentaba que Tiro de Gracia como proyecto estaba desapareciendo, sin embargo lo mejor que pudimos hacer fue no hablar del tema y seguir con el nombre del grupo. Es normal que algunos artistas quieran tomar su propio rumbo y eso lo respetamos. Lo ideal esta en hacerlo de una buena forma, positiva, sana y sin tanta competitividad, cosa que se ve mucho en el Hip Hop.

HHA: Como ven el Hip Hop en Latinoamerica que esta en constante crecimiento?
TdG: El Hip Hop latinoamericano esta dando que hablar hace ya bastante tiempo. Artistas como Kid Frost, los Breakers Pabon y Clemente Mellow Man Ace, entre otros, pisaban el suelo chilenoe n la epoca del '90 si mal no recuerdo.
Las letras en español o en castellano llaman mucho la atencion de la gente que esta espectante de este estilo de vida que le llamamos nosotros: El juego del Rap.

HHA: Y el Hip Hop en Argentina? Donde han tenido la oportunidad de dar varios shows en los ultimos años, ademas de colaborar con artistas como Emme.
TdG: El Hip Hop en Argentina tambien es muy cautivo pasando la epoca del Rock Latino, Actitud Maria Marta, pasando por el Sindicato Argentino, grupo con que compartimos escenario en una oportunidad en Cemento. El gran trabajo que han hecho por la musica Dante Spinetta, o Gustavo Cerati, sin ser representativo de la cultura pero con un gran valor si en lo artistico y lo que es creacion y apoyo invaluable por sus artistas. Me ha llamado mucho la atencion Open Your Kantos, una mezcla entre Funk y Rap muy acabada. Timmy O'Tool, grupo Rock de letras con contenido esperanzador. Emanero, un talento promisorio. Emme, un Soul y un estilo que te pone los pelos de punta al escuchar su voz.

HHA: Y hablando de paises... como fue su llegada hasta el publico de España? Que tal fueron recibidos?
TdG: Tuvimos la suerte de encontrarnos con una chica de Actitud Maria Marta en Barcelona, y en Madrid con el gran liricista Mustafa Yoda, y al igual que ellos, encontrar alla un espacio dedicado a la cultura Hip Hop, compartir con la banda Vagos y Maleantes de Venezuela, Haze, artista controversial que fusiona Hip Hop con flamenquillo, unas sesiones en el estudio de JC Moreno, gran productor, y Dos Hermanos, grupo de talentos, en lo visual vease graffitis y publicaciones como el anuario llamado La Biblia del Hip Hop en España, y compartir con la gente de la revista Hipflow, y amigos chilenos alla en Mostoles, fue parte de nuestro corto itinerario all en el viejo mundo.

HHA: Sienten que Tiro de Gracia llego a su techo o quedan algunos escalones mas por subir?
TdG: Claro que si, queremos pretender ser Tiro de Gracia de el mundo.
Sentimos afecto de Argentina, y esperamos tener muy pronto el DVD en Buenos Aires con una gira nacional, y nos comprometemos a trabajar duro en eso y "a full" como dicen ustedes.

HHA: Si tuvieran que nombrarme solo un tema de alguno de sus discos que sea el que mas los represente hoy dia, cual me dirian y porque?
TdG: El tema "Nuevas Sensaciones", de nuestro proximo disco llamado "Musica de Vida".
Pueden bajar el video de este tema en www.tirodegracia.cl. Requiere QuikTime, ahi sabran porque les digo.

HHA: Les gustaria agregar algo mas?
TdG: Si, por supuesto, un mensaje a todos quienes gustan de este arte del Hip Hop y que quieran colaborar de una manera positiva como siempre lo hemos dicho, esta en respetar los demas artistas de la musica, el Jazz, el Funk, el Nu Soul, el Reggae Raggamufin y todo lo que a la hora de hacer rap sea interesante, y demosle cabida a todos los estilos. Me reservare hablar del reggaeton en esta oportunidad, ya que es la pachanga de los jovenes, y es solo eso. La musica de Rap es de compromiso y hay para todos los gustos, y atraviesa todas las tendencias, dejando sus colores a resaltar. A la mierda los foros ortodoxos que no conocen la diversidad en la musica. Paz y respeto, y esperamos volver muy pronto por Buenos Aires, Mendoza, Rio Gallegos, Rosario, con una gira que promete no dejar de lado lo verdadero...
Se despide atentamente Juan Sativo, el Tiro de Gracia triunfador.

La leyenda Dylan ataca de nuevo

Cien conciertos anuales, fans que son casi creyentes, candidaturas al Nobel de Literatura y el rótulo de "la persona viva más influyente del mundo entero", acuñado por la revista Newsweek, hacen de Bob Dylan un fenómeno que trasciende el universo de la música. A diez días del lanzamiento de su disco número 45, "Modern Times", un análisis de su obra, la opinión —exclusiva para Ñ— del crítico Oliver Trager sobre sus nuevas canciones y la reseña de los dos últimos libros en castellano sobre vida y arte del gran Bob.

JORGE FONDEBRIDER.

http://www.clarin.com/suplementos/cultura/2006/08/19/u-01254919.htm


Hace unos años, el conservador Harold Bloom planteaba que la crítica musical, orientada al rock, sólo podía ser monosilábica e interjectiva. Y se explicaba: hay muy poco que decir sobre esa música, que es una subespecie bastante simple, si se la compara con las complejidades de la música clásica o del jazz. Luego, la descripción de un concierto de rock tiene muchos puntos de contacto con la descripción de una ceremonia religiosa: se cree o no, y para que el texto resultante tenga sentido quienes escriben y quienes leen deben ser forzosamente miembros de la misma secta.

Más rotundo y con mayor conocimiento de causa, unos años antes, Frank Zappa —a quien nadie podrá imputarle fácilmente rasgos conservadores— dijo que los críticos del rock son "gente que no sabe escribir y que hace entrevistas a personas que no saben hablar para gente que no sabe leer".

Ahora bien, a pesar de sus énfasis respectivos, ni Bloom ni Zappa señalan algo que quizás sea fundamental: el paso del tiempo. Me explico: las deficiencias que uno y otro les achacan a los críticos de rock tal vez se relacionen con que, dado que es un tipo de música identificada con la juventud, los que ejercen su crítica también se ven obligados a profesar ese credo. Acaso por eso, tienen que exagerar su entusiasmo, escondiendo su indigencia detrás de mitos más bien ramplones —equiparables a los que sostienen a la farándula— lo que de otra forma resultaría anodino. Dicho de otro modo, los críticos de rock no hablan de música, sino de una serie de datos que permiten adivinar la pertenencia a un determinado grupo social que procede según determinados códigos. Se podrá decir, y con razón, que eso mismo ocurre con todas las músicas. Sin embargo el mero paso del tiempo enfrenta a los críticos de rock con un problema hasta ahora no resuelto, pero que resulta ineludible: los que inventaron ese género o se murieron o tienen más de sesenta años. Y ése, justamente, es uno de los principales temas que, desde su credo dogmático o su lugar de supuesta pertenencia, los críticos de rock no resuelven: qué pasa cuando esa música, por décadas automáticamente asimilada a la juventud, es practicada por gerontes. La respuesta no es sencilla. Por ejemplo, ¿qué juzga un crítico de rock ante cada nuevo disco de los Rolling Stones? ¿Que es milagroso que Keith Richards siga vivo? ¿Que Ronnie Woods ya no sea alcohólico? ¿Qué Charlie Watts se haya recuperado del cáncer? ¿Son esos argumentos o méritos musicales? Si para avalar la hipótesis de la decrepitud uno se quedara con sus discos recientes —repetitivos y muy lejos de la calidad que alguna vez tuvieron—, bien podría suponerse que lo de los Rolling Stones es apenas un negocio y nada más, y nuevamente, tampoco estaríamos hablando de música. Distinto es el caso de otros contemporáneos de esa gente que, con algo más de dignidad, siguen arriba de los escenarios. Paul McCartney, por ejemplo, a los 63 años —acaba de cumplir los 64 de la canción— editó Chaos and Creation in the Backyard (2005), acaso uno de los mejores álbumes de toda su carrera. O Neil Young, de 61 años, con el bucólico Prairie Wind (2005) y con el político Living with War (2006), demostró estar en muy buena forma. David Gilmour, de 60 años, editó On an Island (2006), que resultó mucho más interesante que todos los últimos discos de Pink Floyd, su grupo. Por su parte, el líder de los Kinks, Ray Davies, de 62 años, también editó Other People's Lives (2006), un magnífico ejemplo de cómo las canciones pueden parecerse a la literatura. ¿Qué decir entonces de Bob Dylan, quien, con 65 años, el 29 de agosto editará en todo el mundo —la Argentina incluida— Modern Times?


Un género en sí mismo

A pesar de los miles de discos piratas existentes, Modern Times es el álbum oficial número 45 de Bob Dylan. Folk, rock, blues, country, música de vaudeville, etcétera: a lo largo de su dilatada carrera hizo prácticamente de todo y de muchas maneras, pero siempre de un modo reconociblemente propio, que hace de él un género en sí mismo. Como Love and Theft (2001), su grabación de estudio inmediatamente anterior, el nuevo disco —al que Ñ pudo acceder de manera exclusiva por cortesía de Sony BMG—, vuelve a abrevar en el country, pero, a diferencia del estilo de sus álbumes Nashville Skyline (1969), New Morning (1970) o Selfportrait (1970) —todos vinculados al sonido country contemporáneo, definido por los estudios de grabación de la ciudad de Nashville—, remite a una instancia anterior y, particularmente, a la labor de Hank Williams (1923-1953), quien durante su breve carrera le dio un sesgo definitivo al country, vinculándolo, vía el blues, con formas incipientes del rock and roll. Dylan, de hecho, incluyó en numerosas oportunidades temas de Williams en sus shows. Entre otros, You Win Again, I''m So Lonesome I Could Cry, Lost Highway y (I Heard That) Lonesome Whistle. En cierto sentido, podría decirse que Modern Times —que fue grabado con la participación de los guitarristas Stu Kimball y Denny Freeman, del bajista Tony Garnier, del baterista George G Receli, y del multiintrumentista Donnie Herron— es un paso más en la búsqueda de un clasicismo profundamente estadounidense, construido sobre el recuerdo y la reinvención de lo que Dylan escuchaba en la radio durante su adolescencia, en el pueblo fronterizo de Hibbing, en el norte de Minnesota. Tal vez ese mismo gusto por la radio hizo que en el pasado, en su disco Dylan (1973) se dedicara a versionar a sus contemporáneos inmediatos —incluidos Paul Simon y Joni Mitchell— o en Good as I''ve Been to You (1992) y World Gone Wrong (1993) —dos magníficos discos solistas, enteramente acústicos— se ocupara nuevamente de temas ajenos, esta vez ligados al repertorio de la música tradicional de los Estados Unidos, de Inglaterra e Irlanda. Más recientemente la radio volvió a estar muy presente en la vida de Dylan. Sin ir más lejos, semanalmente conduce un original programa de una hora en una radio satelital (XM Radio), al que se accede por suscripción —sólo en los EE.UU. hay varios millones de suscriptores—, y en el cual se limita a elegir y comentar los temas que le gustan, fiel al espíritu de los viejos disc-jockeys radiofónicos. El eclecticismo de sus gustos bien puede medirse con la mención de algunos de los artistas elegidos hasta ahora: entre muchos otros, Van Morrison, Judy Garland, Johnny Cash, Jimi Hendrix, Frank Sinatra, Johnny Hodges, Chuck Berry, Dean Martín, Tom Waits, Horace Silver, Electric Flag, The Ink Pots y Stevie Wonder.


La literatura y el Nobel

Otro dato interesante sobre la consideración que Dylan recibe fuera del limitado universo del rock se relaciona con el progresivo interés que las letras de sus canciones despiertan en el ámbito universitario internacional. Entre el 10 y el 12 de marzo de 2005, en la Universidad de Caen (Normandía, Francia) tuvo lugar un congreso en el que participaron profesores de literatura de los EE.UU., Gran Bretaña, Canadá y Francia. Según el Dr. Christopher Rollason, uno de los participantes, "los puntos de vista desde los que se examinó la obra de Dylan abarcaron perspectivas literarias, etnológicas, lingüísticas y musicólogicas. Fue el registro literario el que dominó en la primera intervención, la de Gordon Ball, catedrático de estudios ingleses en el Virginia Military Institute, sobre ''Dylan y el Nobel''. El profesor Ball, seguramente la persona mejor indicada para hablar sobre ese tema —pues es él quien va proponiendo a Bob Dylan para el Nobel de Literatura, cada año desde 1996— esbozó un elocuente panorama de las calidades literarias de la obra de Dylan. Así, hizo hincapié en las raíces orales de su poesía y en cómo, en las palabras del profesor Daniel Karlin de University College, Londres, Dylan ''le ha dado más frases memorables a la lengua inglesa que cualquier figura análoga desde Kipling''. Si entre los criterios para recibir el Nobel se incluyen el que el galardonado debe haber producido trabajos de ''tendencia idealista'' y haberle así conferido un beneficio mayor a la humanidad, el profesor Ball opina que la obra de Dylan corresponde plenamente a dichos criterios. En ese marco, precisó que la obra de un Nobel del pasado, Rabindranath Tagore, incluye, entre otras cosas, un gran número de canciones. El enfoque literario fue reiterado en la intervención de Christopher Lebold, de la Universidad Marc Bloch (Estrasburgo), quien ofreció un resumen de su reciente tesis doctoral, que incide en la poética de Dylan y su compañero de la canción Leonard Cohen, con la intención de demostrar cómo la obra de los dos admite una lectura literaria de las letras de canciones. Por su parte, Richard Thomas, catedrático de latín y griego en la Universidad de Harvard, propuso una serie de enlaces y analogías entre Dylan y la tradición literaria greco-romana, desde el arte oral de la poesía homérica o de los rapsodas romanos hasta la cita directa de Virgilio que Dylan nos ofrece en Love and Theft. El profesor Thomas vaticinó que dentro de dos siglos Dylan será considerado un clásico, plenamente integrado en el canon literario". Por su parte, el Dr. Christopher Rollason, traductor, editor y crítico literario residente en Francia, presentó un análisis de las relaciones entre la obra de Dylan y el mundo hispano, considerando la recepción de esa obra en España e Hispanoamérica, así como su traducción al castellano.

Como fue dicho más arriba, la cuestión de Dylan y el Nobel de Literatura no es nueva. Sólo que, a partir de 2004, las campañas a su favor se han intensificado. También la publicación de libros que reúnen las letras de sus canciones (como Lyrics: 1962-2001), el curioso primer tomo de su autobiografía (Chronicles I, publicado en 2004, y durante 19 semanas primero en la lista de best-séllers del periódico The New York Times), de estudios a propósito de él (como la monumental enciclopedia Keys to the Rain, de Oliver Trager, o Dylan's Visions of Sin, de Chrisotopher Ricks, profesor de poesía en la Universidad de Oxford), o Studio A, un compendio de artículos que, entre otros, firman Allen Ginsberg, Joyce Carol Oates, Rick Moody y Barry Hannah).


Un Dylan para todos

Pero así como comencé este artículo, arrebatándole la exclusividad de Dylan a los críticos de rock, es necesario aclarar que tampoco es patrimonio exclusivo de los escritores y los profesores universitarios. Es más, uno bien podría pensar que existe un Bob Dylan a la medida de cada cual. Marlon Brando lo admiraba. Y para Jack Nicholson es una de las figuras más importantes de los Estados Unidos. Jack Lang, el ex ministro de cultura francés durante la presidencia de Franois Mitterrand, lo condecoró como Commandeur Des Arts Et des Lettres en 1990. Se suman a ésa y a otras distinciones, los doctorados honoris causa de las universidades de Princeton y St. Andrews (de Escocia), el Golden Globe y el Oscar de la Academia de Hollywood, recibidos en 2001, por la música de la película Wonder Boys. En 2004, la revista Newsweek lo consideró como "la persona viva más influyente en el mundo entero". Ajeno a esa exageración, el director de cine Martín Scorsese dio su propia versión de Dylan en la biografía televisiva en dos partes, proyectada en todo el mundo en 2005. Cuando concluyó el documental No Direction Home, dijo: "No he pretendido hacer algo donde se develen todos los secretos de Dylan, ni mucho menos, sino rendir un homenaje a uno de los poetas más brillantes del siglo, un hombre que hace que nos miremos a nosotros mismos, que nos emociona y nos hace sentir cosas que no sabríamos transmitir de otra manera". Por su parte, Twyla Tharp también dirá lo suyo, ya que se apresta a estrenar The times they are a-changin, un espectáculo coreográfico, inspirado en sus canciones y personajes. Sin embargo, es de imaginar que, a los 65 años, nada de esto tiene demasiada importancia para Bob Dylan, quien, seguramente, debe estar presentándose en uno de los casi 100 conciertos que da anualmente en todo el mundo. Porque como él mismo dijera: "Yo sólo soy Bob Dylan cuando tengo que ser Bob Dylan. La mayor parte del tiempo quiero ser yo mismo. Bob Dylan nunca piensa sobre Bob Dylan. Yo no pienso en mí mismo como Bob Dylan. Es como dijo Rimbaud: "Yo soy el otro".

Edelmiro Molinari + Los Natas

Edelmiro Molinari, ex guitarrista de Almendra y Color Humano, es línea fundadora de un estilo libre. Los Natas, sus sucesores. el Sí! los juntó y ellos entraron en combustión...

Txt. José Bellas.
jbellas@clarin.com

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/18/3-00401.htm


"Hola, qué tal... ¿tocamos?". Edelmiro Molinari, gloria guitarrera de Almendra y Color Humano, conocía a Los Natas de haberlos visto tocar en una fiesta. Los Natas a él, poco y nada. Al Sí! le parecía que había una conexión musical posible y propuso una nota. A ellos les pareció mejor juntarse a zapar y así sucedió una tarde de la semana pasada, invitándonos a mirar, escuchar y preguntar.

Vale decir que el primer diálogo fue musical. Enchufaron en una pieza de la casa del guitarrista Sergio Chotsourian (la sala de Los Natas fue perjudicada por el dichoso granizo), se pasaron un par de consignas musicales y, como dijo al cabo de unos 15 minutos el baterista Waldo, "flotó". La conclusión de Edelmiro: "Ustedes son bastante pileteros". Traducción adaptada de piletero: ser arrojadizo, arriesgado, intrépido. ¿Se entiende? Si se suponía que una zapada es ese momento aburrido y medio jeropa para todo aquel que no es protagonista, hay que reconocer que te hacen sentir un privilegiado al dejarte ser testigo del avance de tamaña albóndiga de sonido. Después de cuatro "movimientos" y sus respectivos descansos, abrochan con una versión de Born To Be Wild (Steppenwolf).

—¿Qué cosas sienten que comparten?

—Lo principal es la manera de tomar la vida, trasladada a la música. (Waldo)

—Expresarte libremente, dejar que se suelte la música. Acá el amigo vino con la guitarra, el talento y el corazón y se brindó al diálogo. (Sergio)

—Yo creo que en la actitud de tocar sin actitudes. En este momento no hay muchos grupos que se zambullan así. Experimentar a la manera linda, que es compartir, tocar, la vivencia de hacer música. Con Color Humano, por ejemplo, nos íbamos de la estructura todo el tiempo. Tocar siempre lo mismo es un embole. (Edelmiro).

—Edelmiro, en tu último disco participan Carca y Babasónicos. ¿Te sentís cerca de su generación?

—Hace rato que estoy en contacto con ellos, que son piolas y creativos. También me pasa con la Renga, que para mí es EL grupo de rockeros del momento.

Así las cosas, Los Natas y Edelmiro se conocieron. Y, lo que es mejor, prometieron seguirla.

Skahiosama

RON ASHETON, DE LOS MITICOS THE STOOGES

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2383-2006-08-17.html

http://www.muypunk.com/bandas-artistas/stooges/

El guitarrista de la banda que inventó el punk-rock cuenta cómo fueron aquellos años frenéticos, cuando –a fines de los ’60– Iggy Pop todavía tiraba manteca de maní desde el escenario. Los de-sencuentros. El reencuentro. El nuevo disco ¡33 años después! Su visita a la Argentina. Y el riesgo de haber aprendido a tocar.

Por Roque Casciero

La guitarra destroza el aire desde los parlantes: es el sonido más sucio y crudo que se haya escuchado en una banda de rock. Estamos en 1969 y The Stooges, un cuarteto de delirantes de Detroit, acaba de inventar el punk rock. Frente al micrófono se sacude, frenético, un escuálido muchachito llamado James Osterberg, pero al que todos conocen como Iggy Pop. Desde la batería vienen machaques primitivos, viscerales, a cargo de Scott Asheton, que marcan el pulso con los graves del bajo de Dave Alexander. Ron Asheton, el guitarrista, apenas se mueve, pero se ve cool con su pelo largo y lentes. Y cuando toca los acordes asesinos de I Wanna Be your Dog con el Marshall en 10, el impacto de su sonido primitivo y crudo le cambia la cara al rock para siempre. Pero, en este momento, son muy pocos los que se dan cuenta.

La historia sigue con dos discos monumentales, The Stooges y Funhouse, una pila de drogas (que llevan a la muerte a Alexander), conciertos míticos en los que Iggy camina por encima del público tirando manteca de maní, agotamiento y separación. Hasta que David Bowie conoce al cantante y le ofrece producirle un disco: vuelan a Londres con el guitarrista James Williamson y, después de hartarse de las audiciones de bajistas y bateristas, Iggy decide llamar a los hermanos Asheton. Mascullando bronca por haber pasado de miembro de la banda a poco más que acompañante, Ron se hace cargo del bajo en Raw Power, y sigue firme hasta que, después de un concierto legendario registrado en el semi pirata Metallic KO, los Stooges se separan e Iggy, con muchos altibajos, se convierte en estrella por mérito propio.

Fast forward al 2003. Suena el teléfono en la casa de Ron Asheton en Ann Arbor: es Iggy, que pregunta si los hermanos estarán interesados en “un proyecto”. “Me dijo que no tenía que negarme en ese momento, que podía pensarlo un par de semanas, pero en el acto le contesté que sí”, recuerda el mayor de los Asheton en conversación telefónica con el NO. “Con mi hermano habíamos querido hacer una reunión a los 20 años de la separación, así que Scott habló con Iggy unas cuantas veces y hasta llegaron a tocar algo, pero Iggy estaba muy metido con su propia carrera. Y yo pensé que nunca íbamos a reunirnos. Pero la gente cambia. Llevó diez años más, pero sucedió.” El resultado inmediato de esa reunión fueron cuatro canciones para el disco Skull Ring, el último solista de Iggy Pop, y un show que se suponía único en el Coachella Festival. Pero las relaciones funcionaron y el sonido estaba intacto, así que los viejitos chiflados se dedicaron desde entonces a atronar escenarios por todo el mundo. Y eso seguramente harán el 22 de septiembre, cuando cierren el segundo día del Pepsi Music.

En la misma casa de Ann Arbor en la que hace una semana los Stooges (que ahora completa el bajista Mike Watt, ex Minutemen) ensayaron las quince canciones que irán a su primer disco de estudio en ¡33 años!, Ron Asheton asegura que tenía temores de que la reunión, como en tantos casos, no resultara bien. “Cuando viajé a Miami a ver a Iggy por primera vez, hacía muchos años que no estábamos frente a frente, así que estaba un poco nervioso”, recuerda. “Pero una vez que comenzamos a trabajar en el estudio fue como si todo ese tiempo desapareciera, como si continuáramos lo que habíamos dejado ayer. Todos nos llevábamos bien y trabajábamos bien juntos. Es más que una reunión: es como si la banda se hubiera tomado un pequeño descanso.”

–¿Pequeño?

–Ok, un largo descanso. Fue para que cada uno pudiera hacer sus proyectos paralelos antes de volver a la banda (risas).

–Antes dijiste que la gente cambia. Pero, en realidad, vos no cambiaste tu actitud respecto de The Stooges: en 1972 le dijiste que sí a Iggy cuando te llamó desde Londres después de haber desarmado la banda y en el 2003 le dijiste que sí enseguida otra vez.

–Es cierto. Estaba decepcionado cuando él se fue por su lado, después de los primeros dos discos de The Stooges, y cuando me llamó para Raw Powerno consideraba que eso fuera The Stooges: era el proyecto de Iggy y nosotros éramos como acompañantes. Pero estuvo bueno, me alegra haberlo hecho, no me quejo. Y lo de ahora es real. Mi hermano y yo sentimos lo mismo: siempre quisimos esto, nunca quisimos separar la banda. Incluso después de la separación seguí pensando que después de un descanso volveríamos a juntarnos, porque nos veía continuando, como los Rolling Stones. Sé que suena cursi, pero quería que fuéramos la versión norteamericana de los Stones: una banda de rock’n’roll perpetua. Igual, nosotros no éramos muy populares en esa época. Es como si, de algún modo extraño, al mundo le hubiera tomado treinta años para engancharse con nosotros. Los tributos de otras bandas que hicieron versiones de nuestras canciones e incluso el hecho de que Iggy tocara canciones de Stooges en sus conciertos mantuvieron la antorcha encendida.

–Bueno, pero además está el hecho de que los dos discos que hicieron juntos son geniales. Funhouse es uno de los mejores discos de la historia del rock.

–Es grandioso que la gente piense eso, incluso personas como Jack White, de los White Stripes, o Alice Cooper. Cuando conocí a Alice en Nueva York sólo tenía diez discos y dos de ellos eran copias de Funhouse porque había destruido una de tanto escucharla. Me dijo: “Es uno de mis discos favoritos de todos los tiempos”. No escucho muy seguido ese disco, pero cuando lo hago pienso en qué bueno que se haya convertido en eso. Estoy muy orgulloso de que la gente piense eso.

–Es un disco que suena muy moderno: muchos artistas de hoy quieren sonar así.

–¡Cool! Nadie me lo había dicho antes, pero es cierto: suena moderno aunque haya sido hecho en 1970. Tiene un feeling moderno. Y eso es muy cool porque supongo que la buena música no tiene fecha. El disco pasó la prueba del tiempo.

–Leí que Jack White iba a producir algunas de las canciones del nuevo álbum.

–No, va a hacerlo todo Steve Albini (Pixies, Nirvana), pero Jack va a hacer el concepto del arte. Quizás haga coros o algo así, pero eso depende de Iggy.

–¿Cómo suenan las nuevas canciones que irán al nuevo disco?

–Creo que todo el mundo va a sentirse gratamente sorprendido porque todavía somos los Stooges, aunque tiene algunas vueltas de tuerca. Cuando empezamos a componer, Iggy nos dijo que seguramente sería un desafío que sonáramos a los Stooges porque, lógicamente, ahora tocamos mejor nuestros instrumentos y hemos hecho distintos tipos de música. Pero todavía sueno a mí mismo. Hay algunas canciones bonitas y otras que te golpean. Las letras de Iggy son muy buenas, como de costumbre: disfruto mucho de escuchar lo que compone, es divertido, y mejora todo el tiempo, así que nos lo pasamos riéndonos. Básicamente es rock’n’roll simple. Y eso es lo que somos los Stooges.

–Además, encontraron al bajista adecuado.

–Sí, tenemos a Mike Watt. El estaba en The Fog, la banda que J Mascis armó después de Dinosaur Jr. Yo había trabajado con Mike cuando hicimos unas canciones para la película Velvet Goldmine y entonces terminé tocando canciones de los Stooges con The Fog. Ellos ya hacían un par y cuando yo me uní terminamos tocando como seis. Entonces J dijo: “Tendríamos que hacer algunos shows sólo con canciones de los Stooges”.

–Eso fue The Stooges Project.

–Así es. Lo gracioso fue que en algunos shows nos presentaban como “la banda tributo a los Stooges”. ¿Cómo podía ser un tributo si dos de los músicos eran parte de The Stooges? Pero así fue como empezó la cosa. Hacíamos clubes medianos y se llenaban. Ese fue el catalizador para comenzar con esta reunión, porque Iggy fue lo suficientemente piola como para darse cuenta de que la gente quería escuchar a los Stooges.

–La reunión de Stooges comenzó en el 2003. ¿Pensaste que iba a durar tanto?–

Tenía la esperanza de que sucediera, aunque Iggy nunca dijo que ésa fuera la idea. El puntapié fue que, mientras estábamos grabando y mezclando, se supo que estábamos tocando juntos y entonces los organizadores del Festival de Coachella llamaron al manager de Iggy para ofrecerles que tocáramos. Mi hermano y yo dijimos que sí, queríamos hacerlo, y que conocíamos al bajista indicado, Mike Watt. Iggy tenía a su bajista, Pete Marshall, pero Watt sabía las canciones y ya había tocado con Scott y conmigo durante algún tiempo. Entonces Iggy dijo que iba a pensarlo, hasta que un día me preguntó: “Vos y tu hermano realmente quieren hacer el show, ¿no es cierto?”. Le contesté que sí y dijo: “Ok”. Era sólo un show y Mike tendría la chance de tocar. Lo que pensé fue que, si salía bien, quizá podríamos hacer un show más. Antes de salir a tocar estaba muy asustado, porque hacía mucho que no estaba frente a tanta gente, pero todo salió bien. Y cuando terminó estaba al lado del trailer con Mike Watt, mi hermano, Thurston Moore (Sonic Youth) y Jack White, entonces llega Iggy y le dice a Mike: “¿Te interesaría hacer algunos shows más? ¿Tenés tiempo?”. Para mí fue la confirmación de que seguiríamos adelante y de que Mike Watt había pasado la prueba. Y ya no paramos.

–¿Por qué no tocan canciones de Raw Power? ¿Todavía te molesta haber tenido que tocar el bajo en ese disco?

–En realidad, estoy feliz de haber tenido esa oportunidad. Cuando era chico tocaba la guitarra, pero después me junté con Dave Alexander y él tenía una guitarra y un amplificador, y como queríamos armar una banda, yo dije: “Bueno, supongo que tocaré el bajo”. Esto fue antes de que conociéramos a Iggy. Después toqué el bajo en The Prime Movers, donde Iggy era el baterista, pero todos tocaban mucho mejor que yo. Y entonces armé mi banda de secundaria, The Chosen Few, con la que tocábamos todas las semanas. Hacíamos covers de los Beatles, los Stones, e incluso de los Kinks y los Yardbirds: como la gente no conocía esas canciones, pensaba que eran nuestras. Volviendo a Raw Power, estoy agradecido de haber tocado el bajo en el disco y la verdad es que lo disfruté: al menos existe una gran grabación en la que toco el bajo. Cuando Iggy me llamó, creo que aludió al hecho de que quizá yo podría tocar la guitarra con James Williamson, pero eso nunca sucedió. De todos modos, me encanta tocar el bajo. Tuve que tocarlo en Skull Ring.

–Entonces, ¿qué te pasa con las canciones de Raw Power?

–Es que no las sé. Nunca las toqué en guitarra. Y además son canciones de Iggy con James Williamson, no siento una conexión con ellas. Me gustan muchas y me parece que es un buen disco. Además, sucede que cuando estábamos juntos y las cosas empezaron a ir barranca abajo, las toqué millones de veces en bajo. Tocábamos casi todos los días y me llevó varios años sacarme esas canciones de la cabeza. De vez en cuando alguien grita que quiere escuchar Search and Destroy, que es una de mis favoritas, pero era James quien tocaba la guitarra. Yo podría tocarla, probablemente, pero James tenía su estilo único. Por otra parte, Iggy nunca sacó el tema, no dijo: “Ey, ¿por qué no hacemos Gimmie Danger?”.

–Muchos guitarristas reconocen tu influencia, pero no tuviste muchas oportunidades después de la separación de los Stooges. ¿Creés que esta reunión es como tu reivindicación?

–Después de la separación hice algunos intentos, pero siempre estaba en el momento y el lugar equivocados. Nunca dejé de tocar: armé New Order (nada que ver con los ex Joy Division) poco después de que se desarmaron los Stooges de Raw Power, después volví a Detroit y armé Destroy All Monsters y Dark Carnival con (la cantante) Niagara. Pero a nadie le interesó. Siempre estaba como fuera de sintonía con los tiempos. Ahora sí me siento afortunado por poder hacer lo que quise toda mi vida: salir y hacer buenos shows frente a mucho público, ser aceptado por los críticos y por el público. Así que, sí, me siento reivindicado.

Inmigrantes ilegales

Corra el ao 2004; Maurito y Kachi comienzan a juntarse a zapar varios covers de Ramones, Flema, Dos minutos y diferentes temas de Kaptura y Triple Filo (dos ignotas bandas en las que el segundo haba tocado). Maurito se encargaba del bajo y Kachi de la guitarra y la voz. La mayor influencia obviamente provena de los maestros neoyorquinos, y adems se sumaba un gran aire de las bandas punks argentina de los noventa... seguir leyendo

http://www.comunidadunder.com.ar/inmigrantes
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los escritos intimos de kurt cobain

Los garabatos del líder de Nirvana se publicaron en un libro llamado Diarios. Por fin, llega ese puñado de hojas comunes que sirven como la mejor biografía del hombre que le puso fiebre a los 90. Sin intermediarios, sin anestesia. Y en español.

Por EDUARDO FABREGAT

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2369-2006-08-15.html




No leas mi diario en mi ausencia. OK, ahora me voy a trabajar. Esta mañana, cuando te levantes, por favor leé mi diario. Registrá mis cosas, y tratá de entenderme.

El mismo párrafo inicial de los Diarios de Kurt Cobain, esa contradicción entre el carácter público/privado de los escritos del líder de Nirvana, confirma que es imposible llegar a una conclusión sobre qué pensaría el rubio ante la publicación mundial de sus cuadernos. Al fin editado en castellano por Mondadori, el libro que Courtney Love vendió por 4 millones de dólares podría ser un mero intento por revolver la carroña, esa apropiación del arte por un sistema que el músico denuncia una y otra vez en los textos. Pero los Diarios son más que eso, son algo mejor: sin preámbulo, epílogo, interpretación psicológica, ni análisis externo, los intensos garrapateos de Kurt en hojas comunes y corrientes sirven como la mejor biografía posible del muchacho que atravesó y le puso fiebre a los ‘90. Un relato de vida 1988-1994 sin intermediarios, escrito al calor de lo que sucedía en cada momento.

Los diarios sirven, además, para atestiguar la construcción del discurso de Nirvana, el modo en que las observaciones privadas del músico sobre su entorno, sus congéneres, el estado de la cultura en Estados Unidos, la música, la prensa, comenzaron a volcarse en su obra y en sus manifestaciones públicas a medida que la fama pateaba su puerta. Y, más allá de arrestos aislados, explosiones de cólera o párrafos manuscritos donde se advierte el temblor del yonqui desesperado, no hay allí una caricatura o una colección de conceptos deshilachados. A medida que avanzan las páginas seleccionadas por Clara Drechsler y Harald Hellman (y traducidas por Angeles Leiva), queda claro que Cobain estaba muy lejos de ser un loquito que la había pegado con un par de hits.

Aun atormentado por su indescifrable enfermedad estomacal, asediado por las drogas o la falta de ellas, el pensamiento de Cobain exhibe un nivel de análisis nada despreciable, una conciencia de sus posibilidades artísticas y el entorno cultural, un abanico de temas que supera largamente los lugares comunes del rock star. Sí, Kurt se queja de la fama, el estado de la música, las compañías discográficas, los grandes medios y los críticos de rock, pero no se queda en el grito caprichoso o la puteada destemplada: a través de listas de discos o canciones favoritas, ideas para videos, cartas nunca enviadas a amigos y padres, la misiva de despido a un baterista, textos descartados para el arte de los discos, confesiones sobre sus males de salud y sus adicciones o ensayos sobre cuestiones que podían ir de los valores de The Melvins al aborto o el sexismo en los campus universitarios, los Diarios permiten echar un vistazo a la intimidad de un rocker pensante y lúcido. Y un vistazo que no viene acompañado por la sensación de estar espiando miserias ajenas.

Ese “tratá de entenderme”, en última instancia, comprueba la necesidad de muchos artistas de ligar con su público más allá del consumo de una obra. Los Diarios ayudan a entender al zurdo de Seattle, pero sobre todo construyen una rara paradoja: son un producto que, sí, venderá tantos ejemplares como un disco de Nirvana. Un producto que podría fomentar el mito de Kurt Cobain, la parábola del músico under que pelea por lo suyo, consigue llegar a un lugar de exposición y termina atosigado por la circunstancias, con la escopeta en la boca. Pero no: a cambio, los cuadernos conforman un retrato del otro Cobain, el tipo que, antes que estampita y poster, fue un creador sensible. Quizá demasiado.

NIRVANA es de Olympia, Washington, a 60 millas de Seattle. El guitarrista/vocalista (Kurt Kobain) y el bajista (Chris Novoselic) de NIRVANA vivían en Aberdeen, a 190 millas de Seattle.

La población de Aberdeen está compuesta mayoritariamente por leñadores ignorantes y fanáticos –mascadores de tabaco, cazadores de venados y homofóbicos– que no ven con buenos ojos a los new wavers con pintas raras. (Chad) el batería es de una isla de niños ricos adictos al LSD.

NIRVANA es un trío que toca rock duro con toques de punk.

Normalmente no tienen trabajo.

Así que pueden ir de gira en cualquier momento.

NIRVANA no ha tocado nunca versiones de clásicos como “Gloria” o “Lououie Lououie”, ni tampoco ha tenido que reescribir estos temas y decir que son suyos.

NIRVANA está buscando la manera de grabar su música en vinilo o conseguir un préstamo de 2 mil dólares.

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Mis letras son un gran montón de contradicciones. Se dividen a partes iguales entre opiniones y sentimientos sumamente sinceros y refutaciones sarcásticas y humorísticas, espero, hacia los estereotipados ideales bohemios desfasados desde hace años.

Y es que parece que un compositor de canciones no tenga más que dos maneras de ser: o la propia de visionarios tristes y trágicos como Morrissey, Michael Stipe o Robert Smith, o la del típico chico blanco alelado e ido de la olla que va de “Eh, vámonos de juerga y olvidémonos de todo”, gente como Van Halen o las demás mierdas del heavy metal.

En fin, a mí me gusta ser apasionado y sincero, pero también me gusta divertirme y hacer el imbécil.

Bichos raros del mundo, uníos.

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(...)Trivialidades del rock. Dios, qué harto estoy de las trivialidades del rock. Ya ves tú, ¿qué voy a hacer cuando sea mayor, si ya lo sé todo sobre el rock’n’roll a los 19?

Sólo Dios sabe que no hay nada que aprender sobre todos esos timos de bandas nostálgicas horrendas de los ‘80.

Pues sí, al final he decidido hacerme adicto a la heroína y pudrirme poco a poco en las calles de Idaho o de algún otro estado de mala muerte como ése. Me aburriré tanto que me limitaré a leer sobre aquello a lo que haya sobrevivido y permanecido inmune adrede, porque sepa usted, señor Crítico de Rock, que cuando sea mayor se va a aburrir. Aburrir. Aburrir. Aburrir. Como yo, como los ancianos de hoy. No quiero que una nieta mía me cambie los calzoncillos de plástico sucios mientras yo me dedico a chupar una cracker, aferrándome a la existencia para poder recordar mi vida como un nostálgico profesional. Además, a estas alturas tengo la memoria hecha polvo de toda la maría que fumé hace unos años. Un día vi en el show de Merve Griffin a unos hippies que decían tener SPRAYS NASALES para potenciar la memoria, y también vi a esa pareja que juraba que, con la debida ejercitación, “se puede llegar a tener hasta 10 orgasmos antes de eyacular”. Toma, claro, si te atas una goma en la punta.

Todas estas reflexiones tan increíblemente trascendentales me impidieron darme cuenta de que la casa entera estaba llena de humo de los libros de Charles Bukowski, y que el fuego se había extendido hasta las cortinas, lo que me alertó de que tenía el tiempo justo para salir de casa pitando. Pues vaya con Dios.

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Me gusta quejarme y no hacer nada para mejorar las cosas. Me gusta culpar a la generación de mis padres por llegar a estar tan cerca del cambio social, para luego darse por vencida tras unos pocos esfuerzos fructíferos por parte de los medios y el gobierno para desvirtuar la imagen del movimiento, utilizando a los Manson y a otros representantes hippies como ejemplos propagandísticos de que no eran más que una plaga antipatriótica, comunista, satánica e inhumana, y lo que hicieron los hijos del baby boom [los nacidos justo después de la Segunda Guerra Mundial] fue convertirse en los mayores hipócritas, yuppies y conformistas que jamás ha producido una generación.

Me gusta analizar mis opiniones con calma y sensatez, adoptando una actitud conformista, aunque me considere de extrema izquierda.

Me gusta infiltrarme en los mecanismos de un sistema, haciéndome pasar por uno de ellos para luego empezar a corromper lentamente el imperio desde dentro.

Me gusta acabar con el menor y el mayor de dos males.

Me gusta impugnar a Dios.

Me gusta abortar a Cristo.

Me gusta joder a los borregos.

Me gusta el consuelo de saber que las mujeres son generalmente superiores y por naturaleza menos violentas que los hombres.

Me gusta el consuelo de saber que las mujeres son el único futuro del rock and roll.

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Me gusta el consuelo de saber que los afroamericanos inventaron el rock and roll y aun así sólo se han visto recompensados o premiados por sus logros cuando se han avenido a los principios del hombre blanco.

Me gusta el consuelo de saber que los afroamericanos han sido una vez más la única raza que ha aportado un nuevo estilo de música original a esta década, o sea, el hip hop/rap.

La censura es MUY americana.

He conocido a muchas mentes capaces de almacenar y traducir cantidades ingentes de información, y sin embargo carecen de la más mínima habilidad para alcanzar la sabiduría o apreciar la pasión.

La conspiración contra el éxito en América se basa en la inmediatez. Exponer las mentes con escasa capacidad de atención a una repetición formidable. Deprisa y corriendo, ¡ahora aún con más sabor a queso! Hoy aquí, mañana quién sabe dónde, porque los seguidores de ayer no eran más que un instrumento al servicio del individuo en su necesidad de autosuficiencia, espectáculo y rituales sociales. El arte que posee un valor duradero no puede ser apreciado por las mayorías. Sólo el mismo porcentaje minoritario apreciará la paciencia de las artes, como siempre ha hecho. Eso está bien. Los que no son conscientes, no merecen falsas sugerencias en sus deberes consumistas.

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Ha llegado la hora de que todos los “afortunados”, las animadoras y los jugadores de fútbol se desnuden delante de todo el colegio durante una asamblea general y supliquen perdón y misericordia con toda su alma, y reconozcan que están equivocados. Son los representantes de la codicia y los valores egoístas, y no bastará con que afirmen lamentarse de su conducta, deben decirlo en serio, deben verse con una pistola apuntada a su cabeza, deben verse aterrorizados sólo de pensar en convertirse en los republicanos del futuro, blancos de derechas arrogantes, farisaicos, segregacionistas, propagadores del sentimiento de culpa y lameculos.

MUERTE A LOS ROCKEFELLERS

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Estoy totalmente y absolutamente a favor de: la homosexualidad, el consumo de drogas como forma de experimentación (aunque yo sea la prueba viviente de los resultados perniciosos de la excesiva permisividad en este sentido), la antiopresión (entendiendo por opresión la religión, el racismo, el sexismo, la censura y el patriotismo), la creatividad a través de la música, el arte, el periodismo, el amor, la amistad, la familia, los animales y la revolución a gran escala organizada de forma violenta y alimentada por el terrorismo.

No se puede desprogramar a los codiciosos.

Estaría bien que los codiciosos llegaran a ser perseguidos con tal asiduidad que al final acabaran sometiéndose al modo de proceder contrario al suyo, o estuvieran tan cagados de miedo que no salieran nunca de casa.

John Lennon ha sido mi ídolo toda la vida, pero con respecto a la revolución está rematadamente equivocado.

¡No muevas el culo y que te sacudan!

¡Chorradas! Armate, busca a un representante de la codicia o de la opresión y vuélale la tapa de los sesos al muy hijo de puta. Elabora manifiestos con ideas, contactos, adeptos, haz oír tu voz, asume el riesgo de la cárcel o el asesinato, busca un empleo relacionado con tu objetivo para infiltrarte con más facilidad en el sistema y dedícate a corromper lentamente los mecanismos del imperio.

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(...) Me siento como un cretino escribiendo sobre mí mismo como si fuera un icono semidivino del pop rock americano o un producto confeso de una rebelión de elaboración corporativista, pero es que he oído tantas historias y declaraciones de mis amigos disparatadamente exageradas y leído tantas interpretaciones freudianas mediocres y patéticas basadas en entrevistas que hablan de mí, desde mi infancia hasta el estado actual de mi personalidad, y de mi fama de heroinómano perdido, alcohólico, autodestructivo, aunque abiertamente sensible y delicado, frágil, sosegado, narcoléptico, neurótico, un pobre diablo dispuesto en cualquier momento a meterse una sobredosis, tirarse de un tejado totalmente ido de la olla, volarse la tapa de los sesos o las 3 cosas a la vez. ¡Dios santo, no soporto el éxito! ¡El éxito! ¡Y me siento tan increíblemente culpable! Por haber abandonado a mis verdaderos colegas, a los que son fieles de verdad, a los que ya nos seguían hace unos años. Dentro de diez años, cuando NIRVANA seamos un grupo tan memorable como Kajagoogoo, ese mismo porcentaje reducidísimo vendrá a vernos a conciertos revival patrocinados por una marca de pañales para la incontinencia, donde ya gordos y calvos intentaremos aún hacer RAWK [rock] en parques de atracciones. Sábados de teatro de marionetas, montaña rusa y NIRVANA.

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Me he visto obligado a convertirme en una estrella de rock recluida. Esto significa nada de entrevistas, ni de apariciones en radio, etc., por culpa de las autoproclamadas autoridades en el terreno de la música que no son músicos y que no han realizado ninguna contribución artística a los grupos de rock and roll, al margen quizá de unos cuantos mamotretos de segunda fila sobre rock and roll, además de constituir el mayor grupo de misóginos en todas las formas de expresión existentes.

Desde la primera revelación que tuve del pensamiento alternativo –a través primero de mi iniciación en la New Wave, luego en el punk rock y posteriormente en las bandas sonoras alternativas del rock clásico contemporáneo–, nunca había visto en toda mi vida una muestra de sexismo más viperina y radical que en estos dos últimos años. Llevo años observando y esperando como un buitre el más mínimo indicio de sexismo y siempre lo he hallado en dosis relativamente pequeñas en comparación con el estado actual del rock and roll, desde los más mimados por la crítica hasta Samantha Fox, por el mero hecho de que uno de los miembros de lo que solía considerarse una banda formada por varios miembros se haya casado con un éxito musical de renombre determinado por el establishment de los críticos de música sin competencia musical. (...)

“A.N.I.M.A.L. parecía un desfile de modelos”

Luego de seis meses de silencio, el guitarrista cuenta por qué decidió terminar con la banda que marcó un camino en el metal y presenta su nuevo proyecto: D-Mente. Como para seguir volando cabezas.

Por CRISTIAN VITALE


http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2368-2006-08-15.html


Andrés Giménez, como un alto porcentaje de la humanidad, no entiende absolutamente nada de pintura. Pero el cuadro que cuelga de la pared principal de su depto lo obsesiona como si fuera Brick by Brick de Iggy Pop. Mientras lo acomoda, lo mira fijo. No para de hablar sobre él. Es una pintura realista, que retrata siete cholas peruanas sentadas en el piso y de espaldas. La verdad que es precioso. Sobre todo por sus colores vivos, luminosos, impactantes. Prolifera el rojo fuego, pero también hay una gama de naranjas y damascos, que llevan cualquier ojo humano hasta ahí. Y lo eternizan. “Me lo querían cobrar 600 dólares en la plaza de Lima –le cuenta al cronista y a la fotógrafa–. No podía gastar semejante guita. Me salvó el hijo del pintor, que era fan de A.N.I.M.A.L. y le dijo al padre que me habían ido a ver la noche anterior. Conclusión: lo pagué menos.” No para de hablar y le brillan los ojos de pasión. Es como si un intenso sentimiento de nostalgia lo invadiera y las cholas no parecen ser la causa. Giménez, fundador y guitarrista de A.N.I.M.A.L., está leyendo en ese cuadro una rémora feliz de algo que fue. Y no volverá a ser. A principios de año, el power trío que renovó el metal en la Argentina en los ‘90, se disolvió. Caducó, cuando ya pocos –al menos, de Combativo para acá– daban cuenta de su existencia.

Detrás de su speech pictórico, no sólo revela ese viaje a Perú sino que desparrama –subliminal– todo lo que logró el power trío en 14 años, que no fue poco. Antes que Andrés intentara reanimarlo con Martín Carrizo y Titi Lapolla, A.N.I.M.A.L. fue muchas cosas. Por ejemplo, la única de banda de habla hispana en participar del Warped Tour, que parecía terreno exclusivo de Green Day, No Doubt o Papa Roach. También, la única en ingresar al Teatro Colón con una propuesta salvaje; o en concitar la atención de Lemmy Kilmister, Max Cavalera –productor de Poder Latino– y Jimmy DeGrasso a la vez. En suma, una de las pocas en exportar (nü) metal argento a tierras otrora ignorantes de tal existencia, más allá de siete discos y jugosas ventas. “Pasar de vernos ensayando en un cuartito de dos por dos a vernos grabando con Lemmy de Motörhead o arriba del Warped fue como un sueño cumplido. Recuerdo que llegamos a dormir un mes todos adentro de una pieza. Muchos piensan que salíamos del país a ganar plata, y no era así”, sostiene. El final llegó hace cinco meses. Al parecer, por desinterés de Carrizo y/o Lapolla. Andrés, que evita dar “el” nombre, hizo lo posible por continuar, pero fue desoído. “Todos soñamos con sacarnos un 10, pero a veces te sacás 10 y a veces 1. Hay que saber bancarlo y también ser conscientes de que cuando llegás a tener mucho éxito, es difícil mantener la estructura armada”, explica.

–¿Ya superaste el duelo musical?

–Más que duelo, me tomé el tiempo necesario para sacarme de la cabeza a la banda. Dejarla bien guardada, para empezar la nueva etapa con buena vibra. Si no hubiese sido por A.N.I.M.A.L. no sé qué hubiese pasado con mi vida. Me dio todo lo que soy. Me enseñó a ser un loco, y a la vez un racional total. A disfrutar y a llorar.

Superado el trance, la nueva “etapa” de Giménez se llama D-Mente (ver subnota), un cuarteto rockero y bastante poco parecido al trío extinto. Lo forman dos ex Totus Toss (Lisardo Alvarez y Marcelo Baraj), más Gula Cocchiararo, un joven bajista de 22 años, que se toca todo. “Marcelo tiene una forma de tocar distinta de lo que yo estaba acostumbrado. Hacía mucho que no tocaba con un baterista que usa un pedal simple. Esto no quiere decir que tenga más o menos calidad que los otros. Digo, tuve la suerte de tocar siempre con grandes músicos.” Andrés Giménez tiene 39 años y, sacando Beso Negro –grupo que compartió con Claudio Cardaci, luego Almafuerte–, nunca despegó de A.N.I.M.A.L. Y, por la emoción que pone al evocarla, seguramente estaba en sus planes morir con ella. Pero la realidad cantó otra cosa. “Tuve que parar porque sentí que A.N.I.M.A.L. seestaba transformando en un gran trampolín para que muchos se tiren a la pileta y salgan nadando. Cuando la empecé a ver de esa forma, me empezó a doler como si fuera un fan. ¿Cómo puede ser que de estar años juntos como hermanos hoy seamos el diablo y Dios? Me di cuenta de lo que sentía un fan: el dolor de un pibe que ve una familia, una palabra, una música que lo identifica y de golpe se encuentra con que la película no está filmada de esa forma sino que termina con que muere uno. ¿Al final esto qué es?, ¿una pasarela, una vidriera donde las mejores modelos se sacan fotos y después se van? Ya era un bastardeo. A.N.I.M.A.L. parecía un desfile de modelos”, dispara.

–¿El derrotero del grupo no tuvo que ver con la crisis del nü metal?

–No creo. Cuando se desarmó A.N.I.M.A.L., lo primero que me salió fue armar una banda para darme un gran gusto: a mí me fascina el rocanrol callejero de Iggy Pop, medio punk y salvaje. Por eso estoy haciendo esto: igual suena bastante metal, muy fuerte. El metal va a existir, más allá de sus tendencias y subgéneros. Por eso, no creo que los cambios en A.N.I.M.A.L. hayan sido por la caída de una tendencia. Es más: fuimos la banda que abrió el lugar para que otras tengan hoy un referente, como para mí fueron Riff y V8. No fue una cuestión de bajones publicitarios.

–Decís que no atravesaste un duelo musical. Pero, ¿no te costó haber desarmado el grupo un día y sentirte solo al otro?

–Sí. Pero las cosas se fueron dando así. Es cierto que me costaba terminar con algo que había visto nacer. Yo soy un pibe familiero y, como todo familiero, me arraigo mucho a las raíces. Ahora, cuando corto con algo, por ahí se sorprenden, porque van a esperar que salga con una cosa animalesca y D-Mente es totalmente distinto.

–¿Lo pasado, pisado?

–Para nada. Pero creo que cada cosa tiene que estar en su lugar. A.N.I.M.A.L. es A.N.I.M.A.L. y D-Mente es D-Mente; ninguno es mejor o peor.

–Ahora que pasó cierto tiempo, ¿a qué atribuís la inestabilidad de las formaciones de A.N.I.M.A.L.? El grupo nunca superó dos discos –entre siete– con los mismos integrantes.

–Me pregunté muchas veces por qué se iban y venían, después de prometer quedarse hasta la muerte. No lo digo con rencor. Está todo bien, y los que tengan mala onda conmigo, que la tengan: fuck you. Pero nunca entendí por qué se iban. Por ahí pensás que vas a estar toda la vida con una persona y de repente te das cuenta de que esa persona no quiere más eso, quiere otra cosa. Ahí empiezan los líos, los qué te digo, los qué no te digo, quién es el culpable, el hijo de puta o el bueno. Repito: todos los músicos con los que toqué son excelentes. Después, no sé... cada uno tiene sus mambos.

–¿Por qué algunos dicen que sos demagogo?

–Por hablar bien de la gente, y me parece una equivocación que piensen así. Hay una cosa errónea en el ser humano: a veces por querer ganar lo que no es debido, uno cree que luchando y puteando es más que otro, y no es así. Si fuéramos más racionales –lo que llaman demagogia– seríamos más tolerantes.

–¿Y vos fuiste tolerante en A.N.I.M.A.L.?

–Siempre me gustó la banda y por eso soporté los cimbronazos; por eso cuando los otros iban y venían, yo me quedaba. Me quedaba porque amaba la banda y no por el hecho de robar un nombre. Hubiese sido más fácil para mí arrancar de cero con otro nombre, para no recibir reproches de nadie.

–¿Qué opinás de Carajo?

–Es un muy buen grupo. Corvata tiene un carisma muy grande: mucha ruta, escenario, talento y experiencia. El le dio mucho a A.N.I.M.A.L. Es una persona tocada. Los fui a ver a Obras cuando presentaron Atrapasueños. Andrés es un profesional increíble y es fabuloso Tery Langer por cómo maneja los tiempos en la banda. Es un grupo que está a flor de piel con lagente. Y se lo merecen porque laburaron. En algún momento tuvimos encontronazos, pero ahora no tengo nada contra ellos.

–La historia del metal aquí está plagada de recelos. Ricardo Iorio le dedicó la canción Triunfo a sus ex compañeros que habían formado Malón; los V8 terminaron casi todos peleados. ¿Sucedió así con ustedes?

–Si te referís a la competencia, no compito. Nunca lo tomé así. No sé ellos.

–¿Qué fue A.N.I.M.A.L.?

–Igual que Riff, V8, Los Violadores, Sumo, Hermética o A77aque, una banda que marcó un momento. Y no sé si fue la mejor, porque precisamente se nutrió de todas ellas.

Darkside // Pandy-Neurona-Vishnu-Serz

Viernes 18 de Agosto

El viernes 18 de agosto se dará comienzo a un nuevo ciclo de Psychedelic llamado Darkside donde el estilo predominante será el Night Trance y en el cual se presentaran los Dj´s más representativos de este género

La fiesta será un viaje a través del lado más oscuro y misterioso del Psy Trance, acompañado de fluo deko, y proyecciones acordes.

El line up para esta primera fecha estará conformado por:

Pandy - Neurona - Vishnu - Serz

La fiesta comenzará a las 00:30hs, la entrada tendrá un valor de $12 durante toda la noche, y la dirección te la enviamos una vez que te hayas anotado en la lista que cerrara a las 22hs del día de la fiesta.

Listas y más info: listasdarkside @ gmail.com

Cundey Molen

Cundey Molen (Junto a Lucybell)- Gira Chile 2006

Sábado 19 de Agosto. Teatro Caopulican

Agenda teatral

Del Locutorio Café
C. Pellegrini 427 (Frente al Obelisco)

Cartelera de Shows

Todos los Viernes de Agosto

Será de Dios
22 Hs.
Teatro con Eduardo Bertaina y Teresa Murias
Texto y dirección: Mónica Cabrera

Glamouroso under
24 Hs.
Varieté
Magia, canciones, humor y bailes
Puesta y dirección: Silvina Giménez
Coreografía: Leandro Gazzia
El show despliega matices de Clown, imitaciones, pinceladas de tango, diversas coreografías y magia.

Todos los Sábados de Agosto

La felicidad es una emoción insoportable
21.30 Hs.
Unipersonal con Javier Grosso
Violín en vivo: Marcos Zvinys
Puesta y dirección: Paulo San Martín sobre libro de Elvira Hernandorena
"Una cantante lírica se reúne con sus antiguos compañeros de coro para despedir el año, y resulta una excelente ocasión para destilar veneno y burlarse despiadadamente de sí misma y de los demás"

0-800 HUMOR
24 Hs.
Stand-up comedy con Carlos Balmaceda, Daniel Gianelli, Adrián Minckowicz y un invitado.

Agenda

Jueves 17 de Agosto

Adicta - Juana La Loca
El Teatro
Federico Lacroze y Alvarez Thomas
19 Hs.
Banda Invitada: Hana



Viernes 18 de Agosto

El Otro Yo
565
Calle 49 e/ 6 y 5 - La Plata
21 Hs. Puntual

Juan Rosasco - Flavio y la Mandinga - Paella Virgen
Poco Loco
Av. Pte. Perón y Alberdi - San Miguel
21 Hs.

Sábado 19 de Agosto

Escuela de la Calle - Predicador Solar
Viejo Variette
49 e/ 4 y 5 - La Plata
23.45 Hs.



Domingo 20 de Agosto

Abylon - Eclipse - Lineal - Caffitos
Teatro Verdi
Alte. Brown 736
21 Hs.

Jueves 24 de Agosto

Los Gardelitos - El Tri
Palm Beach
Barrio Los Andes 98 - Córdoba Capital
21.30 Hs.

Massacre

Agenda - viernes 18 - 8

Jerks - 3 Round - Andy Parrot y sus complicesHora: 23hs.Lugar: CBGB Direccion: B. Mitre 1552Ciudad: Cap. fed. - Bs. As..Valor Entrada: $5 ant $ 7 puerta - jerks@fibertel.com.ar

¿gallina conformista de mierda?

http://www.punksunidos.com.ar/punk/dk.html

Esta es la letra de "Chickenshit Conformist" de los Dead Kennedys traducida al español. Es una canción del disco "Bedtime for democracy" (la hora de ir a dormir para la democracia). Leanla y comparenla con las canciones de Simple Plan o Avril Lavinge (en el texto sobre moda y punk esta "Shut up")






Dead Kennedys - Chickenshit Conformist (Gallina conformista de mierda)

El punk no ha muerto pero merecería morir
cuando la vemos convertirse en otra caricatura rancia
un club social de mentes cerradas y egolatría
donde no son las ideas lo que cuenta sino a quién conoces
si la música se ha vuelto aburrida
la culpa es de los tipos que quieren que todos suenen igual
los que echan a la gente lúcida de nuestro llamado "movimiento"
hasta que lo único que queda es una moda sin sentido
Las fórmulas fijas del hardcore son mierda de perro
lo real es el cambio y el preocuparse por lo que pasa
Habría que preguntarse ¿es esto una actitud mental
o tan solo otra etiqueta mas?
Lo que era alegría y esperanza en una alternativa
se ha transformado en su propio cliché
Un peinado no es un estilo de vida
¡Imaginate a Sid Vicious a los 35 años!
¿Quién necesita un movimiento si tememos amar y sentir?
Juzgándolo todo con la vara de que sea fuerte y al mango
"¿Quién tocó anoche?" "No se, me olvidé, pero tirarse
desde el escenario fue muy divertido"
Tan ansioso de satisfacer las reglas que te imponen tus pares
cometiendo los mismos viejos errores una y otra vez
¡Gallina conformista de mierda, igual que tus viejos!
Lo que nos ha destrozado aún mas que las drogas
son los ladrones y los malditos mentirosos
que le roban a la gente lo que se supone que compartían
Y cuando alguien cae en desgracia, ¿le queda acaso algún amigo?
Yo soy mas hardcore que vos, por un año o dos
Después es hora de conseguir un buen trabajo
Otros se quedan en casa, no es divertido salir
cuando los recitales están llenos de bandas y matones
Cuando los matones forman bandas
fijate a quien contratan las grabadoras
Los sellos metaleros de Nueva York revolviendo la basura
contratan las bandas mas racistas y prejuiciosas que pueden hallar
para hacer dólares azuzando a los chicos a la guerra
Camina a lo grande, actúa a lo pequeño
Solo sé tan duro como te permita tu banda
La unidad se va al carajo cuando se produce
bajo la bota de alguien
¿Dónde esta la causa común?
Hay demasiadas facciones, todas poniendo cara de fastidio
desde la protección de sus corazas
"Ponete de acuerdo con nosotros en todo
o no daremos ni una mano"
ese tipo de actitud es la que agranda la brecha
Adivina quien se reirá cuando el mundo estalle
viendo que somos todos bebés llorones
que solo sabemos pelearnos entre nosotros
Tan ansioso por satisfacer las reglas que te imponen tus pares
cometiendo los mismos viejos errores una y otra vez
¡Gallina conformista de mierda, igual que tus viejos!
Ha vuelto esa actitud flatulenta hacia el Rock
"hay que competir, loco, tenemos que hacerla en grande"
¿Quién necesita amigos cuando la plata es buena?
Así es: los 70´ han vuelto
El rock metálico-fálico es como un mal laxante
y no me impresiona, ¿sabes?
La música esta O.K. cuando hay mas ideas que solos
¿Acaso necesitamos realmente toda esa pose?
Siempre cambiando de piel demasiado rápido
como fan eso me desilusiona
Las mismas estúpidas letras macho-chauvinistas
¿hablar de Satán es lo único que se les ocurre?
"Fusión" es solo otra manera de decir "ausencia de ideas"
quizás lo que necesitemos sea volver a cantar bajo el puente
los metaleros ¿aprenderán algo?
Los punks ¿renegarán de su educación?
Nadie puede evolucionar cuando se empieza a creer su propio verso
"Madurar" no significa recrear los errores del pasado
Cuanto mas grandes los cambios más las cosas siguen igual
No podemos crecer si no hacemos una autocrítica
Los 60´ no fueron un fracaso total
Fueron los 70´ los que apestaron
Mientras pasa el tiempo seguimos cavando en el mismo agujero
La escena musical no es la vida real
No van a prohibir la bomba
Ni van a eliminar las violaciones
Ni van a tirar abajo los bancos
Cualquier tipo de cambio real llevará mas tiempo y más trabajo
que cambiar canales en un aparato de TV
Entonces ¿por qué estamos tan ansiosos
de satisfacer los dictados con que nos presionan nuestros pares?
¿Para volver a cometer los mismos viejos errores
una y otra vez?
¡Gallina conformista de mierda, igual que tus viejos!

Jello Biafra - Bedtime for Democracy (1986)

La blogonovela de los martes

Noveladrogona.blogspot.com : VII Johnny Jell visita el limbo

Para Johnny era normal empezar el día con su infaltable vaso de ginebra. Ese día despertó en una cama ajena, el hecho no lo hubiese sorprendido si la voz que comenzó a escuchar le hubiese hablado en castellano, era una voz de mujer hablando en un idioma extraño y duro... Abrió los ojos y allí vio a Natalie, la alemana que había conocido la noche anterior en el Octoberfest, entre las cervezas y los pretzel... Recordó sin querer recordar demasiado y se perdió en las tetas de la alemana juguetona.

Hacía días que Johnny no veía a Valeria, lo más cercano a una novia que Johnny podía tener. Sin embargo cuando llegó a su casa encontró varios mensajes... todos comenzaban con la voz de Valeria. Cansado de escuchar todos y cada uno de los mensajes marcó su número telefónico y la puta voz de contestador. Sobrio como pocas veces decidió comer algo, abrió la heladera: estaba vacía.

Valeria cruzó la calle, tocó el timbre y por contestación recibió un bostezo de sueño...

- Soy yo Johnny...
- Oh, mujer... fuck... sube...


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Joseph Merrick

bueno...
la calidad es muy chota, pero si hacen el esfuerzo se entiende.
Les dejo 2 (dos) temas de nuestra banda, Joseph Merrick.
Y con esto me retiro por tiempo indeterminado...o tal vez no, nose.

http://yft.blogspot.com/

+ agenda: Viernes 11 de Agosto

Viernes 11 de Agosto

Glamouroso Under
“Un variette cómico musical”
Todos los viernes de Agosto
en El Locutorio, C. Pellegrini 427
24hs. Entrada: $10


Sábado 12 de Agosto

Vagantes Nocturnos
Rockclub - Alte. Brown 736
Capital Federal
22 Hs. - $8

La 25
"Adelantando temas de su nuevo disco Mundo Perfecto"
Club Atenas
La Plata
19 Hs.

Sin Espina
Club Gon - Cochabamba 3750
Capital Federal

ROCKMOTOR - ROCK QUE ECHA PUTA

"Rock que echa Puta"

MIERCOLES 23 DE AGOSTO

PRESENTACION OFICIAL DEL 2do. DISCO "ROCK QUE ECHA PUTA" en"LOCA BOHEMIA"

Av. La Plata 727 – Caballito - Cap. Federal

INVITADOS SORPRESA

CHICAS STRIPPERS, MOTOS, CERVEZA Y TODO EL ROCK QUE ECHA PUTA




www.rockmotor1.com.ar (nueva)
www.rockmotor.8m.com (vieja)

EX - IN Tour 2006

11-8: City Bar junto a Melody Night. 18hs.
12-8: junto a DOS MINUTOS en Pilar.
13-10: junto a TOPOS en el TEATRO de Colegiales.
Próximamente mas fechas!!!

Atención: el 12-8 parte un micro desde el Mc Donal’s de San Fernando a las 19 HS hacia Pilar. Precio con entrada: 20 pesos. Los interesados pueden escribir a nahuelexin @ yahoo.com.ar, estamos vendiendo las ultimas 15 entradas.

http://www.ex-in.com.ar/

Un Ska-p The Locos

Contra las guerras. Contra el racismo. Contra los yanquis. Contra la tele. El madrileño Pipi (ex Ska-P) cuenta de qué se trata The Locos, su grupo punk-ska militante que puede convertirse en bandera de nuevas resistencias. Cierra una fecha del Pepsi Music.



Punk furioso, ska sin pretensiones, militancia social y canciones de epoca –de esta epoca urgente y violenta– pueden convertir a The Locos en la banda de sonido de los tiempos que corren. Flamante disco, flamante fecha.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2359-2006-08-03.html

Por Mariano Blejman


Dicen por ahí que The Locos es una mezcla de ska y punk melódico con letras incendiarias y corrosivas, que apunta –como buena banda del calor panquito– a la energía que transmiten en vivo. El Pipi viene de diez años con los madrileños de Ska-p, y en este tiempo logró hacerse de un renombre sobre el escenario a fuerza de trabajo. Hay que decirlo: el Pipi tiene todos los condimentos para convertirse en una especie de nuevo líder de la militancia social punk. En un abanderado cuya música puede ser la banda de sonido de los tiempos que corren. De hecho, el disco Jaula de grillos que cerrará en el Pepsi Music el 25 de septiembre con 2 Minutos y Cadena Perpetua es un muestrario social y cultural de los temas que acogen al mundo: la emigración (La última valla), la televisión (Paletovisión), el imperialismo (Prepotencia mundial), la ecología (Madre tierra), la religión (Condenados), o la necesidad de resistir (Resistiré). Viene a ser algo así como el León Gieco del ska-punk.

La banda está acompañada por un puñado de colifatos hiperkinéticos como Santi, el argentino Andrés Coco (bajo) y el mexicano Hatuey (batería). Después de su gira por España cambiarán de continente: “Queremos cruzar el charco, andar por la Argentina, Uruguay, Chile y México. Jaula de grillos está gustando bien por allá”, dice el Pipi en adelanto exclusivo al NO desde Madrid. Aunque, para ser rigurosos, se refiere al boca en boca de Internet, que ha hecho ruido con su flamante trabajo. Porque aquí Jaula... estará en venta recién el 18 de agosto.

–Ska-p terminó con dos shows en Obras. ¿Por qué fue así la despedida?

–Teníamos que terminar en Sudamérica por cómo iba la gira, el tema de fechas nos guiaba un poco. Ibamos a hacer México, Chile y terminar en la Argentina, y en el Pepsi, que fue muy bueno, pero no por el festival en sí sino por la gente que nos quiere tanto allí.

–¿Fue para siempre o por un tiempo?

–Más que un parate es una separación. La cosa es que parece que necesitábamos estar separados de nosotros mismos. Había gente que necesitaba descansar en Europa, descansar de los escenarios, de hacer kilómetros y kilómetros. Se decidió unilateralmente que había que parar y los demás hacer lo que podamos...

–¿Y cómo se armó The Locos?

–A raíz de que se decide parar unilateralmente, dejar de hacer conciertos, escenarios y viajar –que es algo que me encanta, es algo que me llena mucho–, entonces apareció ese nombre The Locos de esa sensación de decir: es de locos que tengamos que parar ahora que el grupo está como está, cuando estábamos en el momento más alto de nuestra carrera nos tuvimos que separar. La idea me vino igual que la música, de pronto.

“No seas mutante, no te dejes engañar / Audiencia aborregada sin ganas de luchar”, dice una elocuente frase de Paletovisión, algo del espíritu que encierra al disco. “Norteamérica / Patria, Justicia y Libertad / Genocidio, muerte es vuestra identidad”, frase de Prepotencia mundial que podría ser una simplona canción de época. La portada de Jaula de grillos muestra un dibujo de un animalito desaforado intentando escaparse de su encierro, detrás del grillo una bandera norteamericana tirada, una tele apagada, un soldadito caído, una cruz católica por el piso, un poco de todo lo que trata el disco.

–¿De dónde salió la portada?

–La idea era reflejar el contenido de los temas dentro de la jaula, toca todos los temas, pero dibujados. Viene a significar todo lo que la gente viene a encontrar en el CD musicalmente. El diseño lo hizo un amigo chileno, Jorge Rojas, que le conocí en el último concierto que dimos en Chile e hicimos buenas migas, seguimos en contacto y hasta que dimos entre ambos la cara de grillo.

—¿Redobla la apuesta política de Ska-p?

–Son textos mucho más sociales que políticos, son temas más cercanos que le puede pasar a la gente, a la que baja contigo en el ascensor. En temas políticos, como Prepotencia mundial, que habla sobre la doble moralidad norteamericana, otro ataque directo a la santa madre Iglesia en Condenados, que está provocando sólo con hacer declaraciones un genocidio masivo por no permitir el uso de preservativos por el tema del sida, o La última valla que toca la inmigración. En esta época nos llega mucha inmigración clandestina en las costas, donde los inmigrantes se joden la vida en una patera para intentar conseguir un mundo mejor, o una estabilidad que ni siquiera llega, y también hay otros temas más irónicos.

–¿Es una necesidad decir a través de la música?

–Está más que demostrado que con la música se abren muchas conciencias; con Ska-p se recibían muchos mails que se preocupaban por saber de qué hablábamos. Querían saber quién era el Che Guevara, o por qué estábamos a favor de la causa palestina o ahora con el tema de los derechos laborales. Es más fácil quedarte con la letra de una canción que con el texto de un libro. Sobre todo si el público es joven: y con 14, 15 o 16 años, yo escuchaba La Polla Records, Reincidentes, Kortatu, a esa edad tienes ganas de hacer de todo... Hay que aprovechar ese momento.

–Hay que cambiar el mundo, antes que el mundo lo cambie a uno.

–Cuando eres joven, quieres cambiar y estar pendiente de tu alrededor. Luego hay mucha gente que con la edad se acomoda, se instala en sus vidas, y no quiere saber más de los demás.

–Pero, por lo que parece, no tenés muchas ganas de asentarte.

–Yo, de estar parado, no estoy. ¿Estar sentado en mi casa? No sirvo para eso. Estoy haciendo música, y estoy haciendo otras historias. Estoy haciendo temas solidarios. Ahora estoy con el grupo y estoy haciendo cosas solidarias y tengo una marca de ropa hace un par de años que se llama Not Level, y hago recogida de libros y de juguetes para el tercer mundo, y todo lo que se puede.

–¿De dónde viene esta urgencia por ser solidario?

–De la posibilidad de hacer cosas a través de la gente que te conoce y, sobre todo, por el tema de que gracias a que la gente te conoce y tienes la posibilidad de ser escuchado, pues te vas involucrando cada vez más. Si pusiésemos un granito de arena, se podría cambiar mucho el mundo. Siendo panadero o albañil, si pones un poquito de arena por los demás, seguro que sería otro el mundo.

–¿Dónde creciste?

–Crecí en Velmonte, un barrio bastante humilde, tuve una infancia bastante feliz, desde que éramos bebés conocí a Pulpul (el líder de Ska-p). Salíamos a jugar al fútbol contra otros barrios, había movimientos por las calles. Ahora, en parte, la juventud no se comunica con sus demás compañeros de clase como lo hacíamos nosotros. Están más pendientes de meterse en Internet, de chatear con sus amigos, que de salir a andar por el barrio. Velmonte era muy racial, con muchos inmigrantes y gente pobre. Ahí crecí.

–El barrio funcionaba como un noticiero mundial callejero.

–Creo que sí. Cuando sales de casa y te mueves por los alrededores, conoces gente y tienes anécdotas de mil historias. Así te puedes empapar más para escribir, y expresar otras historias del barrio. Nunca se me olvidará esa época. Sobre todo me acuerdo cuando me llamaban: “¡Venga, vamos a jugar al fútbol!”, y yo con 13 o 14 años estaba trabajando en el taller de mi padre, que era tapicero, estaba arreglando sillones, o telas. Los partidos que me he perdido por estar trabajando con mi padre. Pero no me arrepiento de eso.

–¿Y cómo era la relación con los inmigrantes en ese momento?

–Desde pequeñito, bien jovencito, nadie se pregunta por las diferencias, todavía no tienes por qué tener prejuicios. Había unos musulmanes, otros gitanos, otros del sur de Africa, pero eran todos vecinos del barrio, con los que podías convivir, así es como debe ser. Los prejuicios van llegando cuando uno crece.

–Siempre están organizando campañas solidarias, incluso ahora para traer unos juguetes a la Argentina. Pero, ¿están haciendo algo sobre la causa palestina?

–Por ahora estamos siguiendo trágicamente los sucesos, es un sin parar que lleva toda la vida. Y, lejos de solucionarse, va empeorando cada vez más. Vamos a peor. Todo el mundo sabe cómo está actuando Israel en Oriente Medio, consentido y apadrinado por Estados Unidos. Y los grandes mandatarios de Europa no hacen nada por evitarlo, siguen muriendo miles de personas inocentes, civiles que no tienen nada que ver con un grupo terrorista, y nadie hace nada por evitarlo.

YORKE VS. BLAIR

"Hay que echar a Blair", exigió el líder de Radiohead.

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/04/3-00403.htm

Durísimo. Thom Yorke, la voz de Radiohead, exigió la renuncia del Primer Ministro británico, Tony Blair, y llamó a sus compatriotas a "echarlo afuera de su oficina". Yorke posteó un texto en la página oficial de su banda, criticando con dureza la posición de Blair y el clima político actual. "Ya es suficiente", dijo el líder de Radiohead. "Nuestro gobierno está ahí sentado con los Estados Unidos, mientras la III Guerra Mundial está a punto de desatarse en el Líbano y el norte de Israel". Yorke continuó: "Debemos sacar a Tony Blair de su oficina AHORA. El no representa la visión del pueblo británico. Ni siquiera representa la postura de aquellos que están en su gabinete. El se preocupa demasiado de su relación con (George W.) Bush y Rupert Murdoch (el conservador dueño de Fox). Este hombre no está hecho para ser nuestro Primer Ministro". La declaración de Yorke coincidió con los reportes de que Blair, durante un recorrido con fines políticos por California, paró en el Hotel Mondrian, y se encontró nada menos que con Snoop Dogg, en el night club del Sky Bar Hotel.

ANDY MOOR

"No quiero fama, sólo éxito"

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/04/3-00801.htm

Es uno de los DJs con más proyección y el más joven entre los primeros 50 del ranking. Aunque se codea con los grandes, pide renovación urgente.

Txt. Gonzalo Chaves.

En el '78, en Nueva York, nació un club que reunía a la comunidad gay, negra y a algunos latinos. Se llamaba Paradise Garage, y fue cuna de los primeros beats del house y del mítico DJ Larry Levan. En ese lugar se gestó parte de la historia de la escena, con artistas precursores que siguen vigentes hasta hoy. Esta noche, el espíritu de ese club que cerró en el '84 llega al Teatro de Colegiales de la mano del inglés que viene dando que hablar: Andy Moor. Con 26 años ya se pasea por el mundo pinchando y lleva el rótulo de promesa del progressive trance. "La gente va a ver a los DJs de 40 años porque han estado ahí desde hace mucho tiempo. Pero también es excitante ver a los más jóvenes", arenga antes de su primera llegada a nuestras pistas.

—¿Qué puede aportar tu generación a la electrónica?

—Creo que los artistas jóvenes tenemos nuevas ideas, diferentes talentos. Eso mantiene fresca a la escena.

Precocidad al palo. Con la mitad de su vida de trayectoria detrás de las bandejas, Moor va engrosando su currículum a pasos agigantados. Ostenta ser parte del trío de productores Tilt, tener su propio sello (AVA) y haber formado junto a Leama una dupla que se las trae. Como si esto fuera poco, ya produjo y remixó a algunos de los mitos vivientes de la electrónica: Paul Oakenfold, Brian Eno y Tiësto. El sueño del pibe para cualquier pinchadiscos. Sin embargo, para él trabajar con ellos es lo mismo que con cualquiera: "Son personas que hacen bien su trabajo, sólo que son famosos".


—¿Qué hace que seas considerado como una promesa?

—Leer al público en la pista es algo que todos deberían hacer y que muy pocos hacen. Para un set voy viendo la reacción de la gente y de acuerdo a eso pongo el próximo disco.Esa cualidad es una de las que incitó a la gente a que lo elija en los People's Choice Favorite DJ Awards como el mejor del '05. Y ser el más joven entre los 50 artistas electrónicos ranqueados por la revista especializada DJ Mag. "No me interesa llegar a ser el número uno. No me gusta ver mi nombre en las revistas. La verdad que no quiero ser famoso, sólo quiero ser exitoso", cierra el inglesito.

Atlantic bass - low valium (band)

La Low Valium (band) y algunos artistas de diversos campos estamos emprendiendo un viaje de recontraexploracion audiovisual, viajando hacia la costa atlantica argentina para reencontrarnos con el oceano, fuente de inspiracion de varios grupos que la han influenciado. La banda trasladara a Pinamar todo el mismo potencial sonoro con el que durante varios meses del 2005 ensayo en un cuarto de un ph en nuñez, y donde gestaron su primer disco, que ofrecen en descarga directa con licencia libre para su distribucion en su sitio, www.lowvalium.com




La ciudad balnearia, deshabitada por el duro invierno, cuenta con un increible escenario para la ocasion: un amplio garage casi sin vecinos presentes, ubicado frente al mismo oceano atlantico. La potencia de los equipos y lo completa que este la bateria seguramente dependa de lo que sus integrantes puedan cargar en el micro y/o tren, siendo precisamente este ultimo medio de transporte fuente de inspiracion de uno de los nuevos temas de la banda que transita entre el stoner rock, el punk y la psicodelia

Como los otros 2 miembros del power trio aun se hallan dispersos en diversos rincones de la argentina (formosa, buenos aires), desde la costa atlantica llega un llamado titulado Atlantic Bass, que aqui queda en mp3, y que es una reciente improvisacion hecha la noche del jueves 3 de agosto (ayer) y que probablemente no transpase las asquerosas fronteras virtuales de este blog

Sábado 5 de Agosto - El Otro Yo

El Teatro
Rivadavia 7800
20 Hs. Puntual