Gabo Ferro - "Hay que cantar lo que no se canta"

Iniciado en el grupo hardcore Porco, Gabo Ferro devino en el mejor cantautor de su generación. Independiente a ultranza, acaba de editar otro notable disco solista: "Todo lo solido se desvanece en el aire". seguilo.

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/09/01/3-00201.htm
Txt. José Bellas.
jbellas@clarin.com

El niño Gabriel Ferro asistía al jardín de infantes con una copia vinílica de 30 minutos de vida (Moris) que le había arrebatado a su hermano mayor. Cuenta el protagonista, ahora transformado en Gabo, que las manitos apenas alcanzaban a esconder el objeto. Y que De nada sirve le volaba, ya entonces, la cabeza.

Haciendo de lo vívido un ejercicio cotidiano, hoy se pasea por el parque Pereyra Iraola para las fotos y se asombra en la coincidencia de que la primera imagen que se le cruza entre la maleza se corresponde con lo primero a lo que le canta en su recién editado segundo disco solista: toros.

Si su biografía se detuviera hoy, los datos crudos dirían que se dio a conocer artísticamente como el cantante de los escatológicos Porco (principios de los '90), que abandonó la música durante ocho años para estudiar (finales de los '90) y que reapareció a mediados de esta década para hilvanar un par de discos en plan solista, el primero titulado Canciones que un hombre no debería cantar y el segundo, Todo lo sólido se desvanece en el aire. Para una época donde el rock argentino se prende a la teta del vivo (por no tener nada que comunicar y por comodidad), sus dos discos suponen una OBRA: el folklore de una época y un país que no conocemos, pero que transcurre paralelo a nuestra pobre percepción. Guitarra y voz para avivar una república invisible y onírica, como imaginada por un gaucho entre alucinado y místico que intenta desengualicharnos de la luz mala y los lobizones de los tiempos que corren. Y al mismo tiempo, es rock con la misma autoridad que fueron rock los solistas fundacionales de nuestro rock, de Miguel Abuelo a Tanguito. "Al rock le está faltando relato: esos relatos están, lo que hay que hacer es ir a por ellos. Debería ser eso: decir lo que no se dice y cantar lo que no se canta", dice evidenciando su autoconciencia. Igual que lo demostraron los recientes arrebatos autobiográficos de monstruos sagrados como Bob Dylan (Crónicas) y Caetano Veloso (Verdad tropical), todo gesto artístico tiene una intencionalidad, casi siempre avalada por una búsqueda consciente. Ergo: la música se puede pensar. Y Gabo, que no es Dylan ni Caetano, prefirió hacer de Todo lo sólido se desvanece en el aire una suerte de manifiesto, donde la imagen de tapa es una reflexión de 24 líneas de texto sobre el estado de las cosas en el rock. "...Que no se confunda lo fundamental con lo accesorio. Un disco son canciones, un disco es música. Lo demás es agua que se evapora en el aire", cierra de paso citando a Marx y Engels. "Cada vez que compongo, pienso en qué contexto artístico se inserta lo que hago. Y en esta era justamente en que lo accesorio se volvió fundamental".

—Hace doce años la tapa de un disco tuyo (Porco) era una lluvia de pastillas...

—Eramos hijos de una generación en la cual la pastilla supuso una salvación: poder estar tranquilo, dormir bien, no deprimirse. Esa tapa es un gesto histórico. ¡Y justamente la música nuestra era muy sacada! Si hubiéramos tomado una pastilla como las que andaban volando por ahí, hubiésemos hecho una música más tranqui.

—¿Cuál era el reclamo, entonces?

—Ver la realidad. Estar despiertos. Estábamos en 1994 y muchos gestos que nos hicieron país se estaban descomponiendo. Las seguridades que como ciudadanos teníamos estaban empezando a tener otros niveles con las escuelas privadas, las obras sociales...

—¿Desestatización?

—La política fue vencida por la economía. El rock se asoció a los sponsors y no a los gestos políticos. Nos han hecho creer que el gesto político es irrelevante, pero cada acto tiene un significado.

—Los Sex Pistols repetían: "Si no te ocupás de la política..."

—...la política se va a ocupar de vos". Absolutamente. El punk fue mal asimilado: en vez de tomar sus gestos, se toma que cualquiera puede cantar o tocar. Cosa que es cierta, pero hay que respetarse y respetar al oyente.

Cuando leas esta nota, él ya estará en la costa oeste norteamericana, en la continuación de la "gira pobre pero honrada", que lo tuviera tocando por la otra costa el año pasado. Una gira de ámbi to universitario que aprovecha para tocar en bares, calles y colegios y donde llegó a conocer a Devendra Banhart, el nuevo prodigio del neo-folk yanqui, con quien podría compartir escenario porteño en noviembre. Dice que lo inspiró tanto como conocer a Litto Nebbia, que lo invitó a participar de un tributo donde cantará Para ir (Almendra) y Soy de cualquier lugar (Los Gatos). "Mi vuelta a la música fue con unas cuantas cosas claras: no me quiero ir de nuevo", dice y se entusiasma con editar, pronto, un... ¡triple! Mientras tanto, se lo puede disfrutar cantando canciones como Costurera y carpintero, una respuesta con invitación a escapar de los géneros sexuales. "Estaba escuchando un tema de Antony & The Johnsons donde dice algo así como 'ahora soy un niño y cuando sea grande voy a ser mujer'. Y me enojé, porque más allá de las libertades individuales que respeto y defiendo con mi propia vida, esto de seguir haciendo esa división de los sexos me parece dañino. Se puede ser mucho más que un hombre o una mujer. Ser libres, al fin".


Historia: Pigna va, Pigna viene

Durante sus ocho años sabáticos con la música, Gabo estudió Historia, obtuvo una maestría en investigación y un doctorado. Escribe ensayos, da clases y elaboró una tesis sobre "las metáforas de lo sangriento y lo monstruoso" en el discurso anti-rosista. "Es sobre cómo a (Juan Manuel de) Rosas se lo asimiló dentro de un universo discursivo que después reprodujeron los anti-peronistas como Borges y Bioy Casares. También escribo una novela sobre el tema", anticipa.

—Ahora que la Historia está de moda... ¿qué opinás de Felipe Pigna?

—No puedo hacer una evolución certera porque casi no lo leí. Si ocupa el lugar que ocupa es porque los historiadores que nos consideramos "de academia" estamos lejos de ese lugar. En vez de decir que manosea la Historia, hay que preguntarse sobre cómo hacemos congresos que no le interesan a nadie. El es historiador, le reconozco un gran trabajo en bajar al llano y hacer que la gente se interese.

—¿Aunque a muchos sólo les quede que el Sargento Cabral era negro?

—Es que la Historia es un problema. A mí no me interesa eso, sino en qué estructura ideológica se movía San Martín o por qué el padre de la patria es él y no Belgrano, Larrea o Castelli. Los que creen que saber que Cabral era negro tiene más lustre que estar enterado con quién sale la Pradón están equivocados. No deja de ser anecdotario.



Trovadores: Dream Team local

Muerte en la catedral
Litto Nebbia
De lo mejor de Nebbia, por letras, melodías y contexto histórico.

Tango
Tanguito
Canciones de naufragios, esmeraldas y espuma.

30 minutos de vida
Moris
El acta fundacional de la bohemia existencialista de nuestro rock.

Simples 67/70
Miguel Abuelo
"Con Miguel nace el pop argentino en technicolor" (Claudio Gabis).

Kamikaze
Luis Alberto Spinetta
Linkear a Gabo con Casas marcadas y Barro tal vez.

2/9 Butumbaba, Skahiosama y mas...

http://www.fotolog.com/skapunkantifa

ZIGGY MARLEY - "No sería famoso sin mi papá"

El hijo del mítico Bob viene para tocar en el Pepsi Music. Con ondas de amor y paz, dice amar a todos los seres y que su música es la evolución del reggae.

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/09/01/3-00801.htm
Txt. Gonzalo Chaves.

Escuchá mi música y vas a saber lo que es la evolución. Nosotros somos los líderes". El que se jacta de seguir "avanzando" con el legado del reggae es Ziggy: hijo del "profeta de la cultura rasta", Robert Nesta Marley.

Encontrarlo a Ziggy es casi tan difícil como hablar con su papá. Pero una vez que se puede entablar la charla es posible descifrar los secretos del rastaman: todo es amor, todo es tolerancia. Por eso, no sorprende el nombre de su segundo disco solista, Love Is My Religion ("amor es mi religión") ni sus frases como "amo a todos los seres vivos".

—¿Incluso amás a personas como George W. Bush?

—Sí, es un ser humano. Puedo estar en desacuerdo con lo que haga pero tengo que amar a toda la creación. Es la única manera en la que puedo vivir. No puedo agredir, eso es energía negativa, te mata.

—Tampoco sos de criticar... ¿no creés que a veces es necesario hacerlo para que la gente cambie?

—No. Nosotros no criticamos, nosotros amamos. Esa es la evolución de la filosofía rasta.

Alejado de los Melody Makers (grupo que formó junto a su hermano Stephen y sus hermanas Sharon y Cedilla) emprendió la carrera solista que lo trae el 1/10 al Pepsi Music. Esa noche se presentará como una de las figuras principales de la fecha de ritmos jamaiquinos a pesar de que toma un poco de distancia del root reggae. La prueba está en el track homónimo a su segundo CD solista (próximo a editarse en Argentina) en el que se enca mina por otros rumbos.

—¿Serías famoso si no fueras el hijo de una figura como Bob?

—No, no, no. Probablemente no. El es famoso y como soy su hijo mucha gente dice: "Oh, es el hijo de Marley" y chequea mi música. Cuando empezamos con los Melody Makers necesitábamos a nuestro padre para que nos apoye, para hacer el quiebre. Hubiese sido muy difícil, pero él lo hizo más fácil.

—¿Creés que estás haciendo un nuevo reggae?

—Sí, creo que mi contribución es el movimiento hacia adelante de la música.

—The Wailers vinieron en cinco oportunidades con músicos diferentes. ¿Qué opinás de eso?

—No sé. En este momento estoy en un tour con Bunny Wailer, él es uno de los originales. De los demás, la verdad que no estoy muy seguro.

Viernes 1 de Septiembre

Psychedelic & Hard Trance Sessions @ Bahrein

Definitions of Trance

Dancing Budhas & Underbeat presentan el relanzamiento del ciclo Psychedelic & Hard Trance Sessions que ahora tendra su formato de ciclo mensual a realizarse los primeros Viernes de cada mes en Xss, la pista ubicada en el subsuelo de Bahrein con capacidad para 500 personas, montada con sonido y luces de ultima generacion.

Los Dj's Moksha & Chakal , 2 iconos de las movidas Psy & Hard Trance locales, ademas de Residentes de las fiestas Dancing Budhas / Namaste! & Get Punk respectivamente recibiran invitados especiales dando lugar a la apertura y acercamiento entre distintas tribus prometiendo siempre exelentes cabinas, muy buena onda, y fiestas explosivas.

En este primer Viernes de encuentro presentaremos Definitions Of Trance y los invitados seran Demian F, Residente de las Beat Sensation y dueno del sitio tranceislife , tocando Progressive Trance en el warm up, seguido del Trance de Roi Sterdam , Residente de las Fun And Musik .

Finalmente los anfitriones del encuentro Moksha & Chakal tocaran 2 horas cada uno cerrando la noche a puro Psychedelic & Hard Trance .

Line Up

00:00hs a 02:00hs Demian F
02:00hs a 04:00hs Roi Sterdam
04:00hs a 06:00hs Moksha
06:00hs a 08:00hs Chakal

Visuales - Bodypainting - Performances

Apertura 00hs, Bahrein es en Lavalle 345, Cap Fed, entrada por lista free para las chicas H/02:30hs, $15 para los chicos H/02:30hs.

Les pedimos llegar en horario para poder ingresar ya sea free o c/descuento, despues de las 02:30hs $15 y $20 c/consumicion.

Tenes tiempo de anotarte hasta las 20hs del dia de la fiesta... Let's rock!!!



Más info y listas: listasfiestas@gmail.com “Preguntar Lista Underground”

Video Psy & Hard Trance @ Bahrein 20.08.06

E-Flyer

Tumbatú Cumbá

El grupo participó en discos que protestaron contra la deuda externa y la llegada de Bush a la Argentina. Después de compartir álbum con Manu Chao y Chico Cesar, y convencidos de su deber como artistas latinoamericanos, se presentan esta tarde en el Festival Buenos Aires Percusión.

http://www.ciudad.com.ar/ar/AR_Nota_2005/0,3813,4194,00.asp
Cecilia Ceriani


En 1999, los hermanos Nicolás y Magalí Falcoff empezaron a tocar algunos temas y enseguida se dieron cuenta de que no entraban en las lógicas del pop y el rock. Con sus ritmos rioplatenses y latinoamericanos y su música de raíces africanas, formaron Mandala, un grupo que un año después y tras la suma de varios nuevos integrantes se convertiría en Tumbatú Cumbá . “Manteniendo las raíces propias
y una lírica comprometida con la realidad social del continente” grabaron dos discos propios y participaron en álbumes de alto contenido político. Mientras se preparan para su participación en el Festival Buenos Aires Percusión de esta tarde, Nicolás cuenta de que se trata esto de cantar contra la deuda externa y Bush.



¿Cómo son las canciones de Tumabtú Cumbá?
En cuanto a las letras, pueden reflejar más o menos explícitamente ciertas cuestiones de la realidad social del continente porque consideramos que al estar haciendo música latinoamericana, no podemos estar exentos a eso, y respecto a la música, el hecho de recuperar ritmos de raíz afroamericana ya implica un compromiso social de investigación y de conciencia sobre la identidad y una toma de posición al respecto. Hay mucha historia negada, mucha historia sosegada en cuanto a las raíces de la música latinoamericana, y lo que hacemos implica una mirada histórica.

¿Cómo se refleja ese compromiso en los discos?
Buenos Aires hoy fue compuesto y grabado durante 2001 así que representa un poco todo lo que fue la crisis tanto en las letras como en una música que incluye murga, candombe y tango. Pero además participamos de dos compilaciones importantes a nivel internacional: No a la deuda, donde artistas de todo el mundo cantaban contra la deuda externa, y A Bush no le va a gustar, una
protesta ante la llegada del presidente norteamericano a la Argentina el año pasado.

No a la deuda – El Tercer Mundo contra la deuda se grabó en 2003 e incluyó a artistas de América, África y Europa. Entre nombres como Chico Cesar, Cesaria Evora, Totó La Momposina, Arbolito y Soledad Bravo, Tumbatú Cumbá participó con los temas Por la panamericana y Pobre América, inspirado en el libro Las venas abiertas de América latina, de Eduardo Galeano. En el caso de A Bush no le va a gustar (realizado en 2005), en el que participaron Manu Chao, No te va gustar y la Orquesta Típica Fernández Fierro, entre otros, para “darle la malvenida” al presidente norteamericano en su visita al país, la banda a la que le ponen las voces los hermanos Falcoff y Cecilia Fraiman aportó La pira, un tema inédito que formará parte del próximo disco.



¿Cómo se dio la posibilidad de participar en esos CDs?
No a la deuda es un disco que originalmente se editó en Francia, cuyo productor, que estaba en contacto conmigo, había escuchado material nuestro y le había parecido interesante para hacer una versión latinoamericana. Él nos invitó a incluir temas del grupo y yo le propuse sumar a Arbolito. En el caso de A Bush no le va a gustar, fue una iniciativa de FM La Tribu en coproducción con Suramusic, que es mi productora, y entre las dos partes armamos como un mapa del disco, para ver que artistas de acá y de afuera se iban sumando.

¿Cómo fue la experiencia?
Fue gratificantes desde varios aspectos. Desde el punto de vista artístico, fue un honor compartir un disco con artistas que nosotros admirábamos mucho y que, a pesar de haber estilos similares y disímiles, se compartía una misma línea desde el punto de vista del compromiso social y de concebir la música como una herramienta. También fue gratificante poder ver que ciertos temas, ciertas letras, ciertas temáticas que uno trata, puedan verse plasmadas en un disco con un contenido social claro.

Trabajando en un próximos álbum que espera salir los primeros meses de 2007 y que ya cuenta con sellos interesados en distribuirlo en Europa, Tumabatú Cumbá se presenta gratis, hoy a las 19 en el Centro Cultural Carlos Gardel (Olleros 3640). “Está bueno lo del festival, porque si bien la propuesta del grupo tiene que ver con canciones, hay una impronta muy fuerte de lo que tiene que ver con la percusión”, se entusiasma Nicolás, entre guitarras, tumbadoras y un cajón peruano como herramienta social.

beto zamarbide y el cuarto disco de logos

El ex V8 descree del “nicho” del rock cristiano, y señala sus diferencias. Y no se olvida de las polémicas de los ‘80: “Lo que había era bardo a nivel social, no flores. Había desaparecido una generación y eso se traducía en violencia”.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2399-2006-08-31.html
Por Cristian Vitale

las fotos son de http://comorelampago.cjb.net/

Que V8 –junto a Riff y Hermética– es una de las bandas más emblemáticas de la historia del heavy nacional, es una certeza tan enorme como el devenir desigual que tuvieron sus integrantes. Al malogrado Osvaldo Civile lo devoró el alcohol; Ricardo Iorio suele amotinarse contra el pasado; Gustavo Rowek mutó en alter con Nativo y el otrora endemoniado Beto Zamarbide hoy parece un arcángel. Quién lo ha visto y quién lo ve a ese frontman virulento que casi estropea a piñas a un hippie en el BA Rock ‘82. Que detonó las aguas mansas del rock post-Malvinas poniendo su voz acerosa a Ideando la fuga y Parcas sangrientas. O que tocó fondo, mal, con todo tipo de drogas, antes de “rescatarse”. “Nosotros irrumpimos en un momento en que había mucha cocaína en la calle y la gente se ponía muy loca, ¿sabés?”, dice, como tratando de recuperar un pasado brumoso. Se refiere al momento en que, junto a Riff, estaban “inventando” el heavy criollo. Pappo y amigos con Ruedas de metal, y V8 cabalgando sobre el tupido terreno de Luchando por el metal, disco que sellaría a fuego a las futuras generaciones metaleras.

“Nos acusaban de cadeneros y todo eso, pero nadie decía que a dos cuadras de Obras estaban asesinando pibes en la ESMA, mientras los medios publicitaban al BA Rock con el slogan ‘Bienvenido rock, adiós a la pálida’. ¡Y Piero tirando claveles a la gente! Una falacia total, ridícula, fellinesca. Lo que había era bardo a nivel social, no flores. Había desaparecido una generación y eso se traducía en violencia. En la época de V8 siempre caminábamos por las calles adyacentes a las avenidas, porque caminar por las avenidas implicaba caer preso o desaparecer. Después de eso, todos terminamos confundidos, y en esa confusión siempre gana el descontrol. En muchos casos, nosotros no sabíamos cómo reaccionar, el público tampoco y la gente se agredía a sí misma. Fue como un estallido del ‘ahora somos libres, ¿y qué hacemos?’. Cuando uno no sabe contra quién pelear, tampoco sabe de qué manera hacerlo.”

Es el único rato en que Beto se sobresalta. Durante el resto de la nota permanece sentado. Mira sereno y pacífico. Tiene 45 años y no acusa marcas visibles del pasado. No usa tachas, tatuajes ni anillos de metal. Está rodeado por dos nuevos integrantes del reformado Logos (Walter Scasso y Marcelo Ponce) y Miguel Roldán, aquel guitarrista que reemplazó a Civile en V8 y cofundó Logos, con él, en 1991. Los cuatro ultiman detalles de cara a la edición del cuarto disco de la banda (Plan mundial para la destrucción) y mechan palabras extrañísimas para la comunidad heavy. Hablan de Dios, la Biblia, la bondad y la crisis del ser humano. ¿De qué hablan estos pibes? “En el disco decimos que la crisis del ser humano responde a un plan. No solamente porque se fabriquen más misiles sino por la marginación a gran escala. Hay gente que directamente está excluida del sistema. El plan es mundial y ataca a los jóvenes de todo el planeta”, apunta, apocalíptico.



–¿Qué onda con tus ex compañeros de V8?

–A Rowek no lo vi más después de la reunión del ‘96. No tenemos trato. Iorio, aunque talentoso, ya no es la persona que hemos conocido. Y Civile, ya sabés, aunque no sabemos si se suicidó o no. Yo sé que con la plata que ganó en el Metal Rock Festival, fue a internarse a una clínica para recuperarse del alcohol. Es una incógnita. La verdad es que, viendo el futuro de nuestros compañeros, no estamos arrepentidos de haber tomado el camino de la fe. Dios hizo que podamos estar con la cabeza lúcida, sin contradicciones ni dobles discursos. En la época de V8, si no teníamos drogas cerca no ensayábamos, porque no tenía sentido. Hoy es al revés.

–¿Pueden las drogas explicar semejante conversión?

–Yo me cansé de ver morir amigos. Perdí tantos que, obviamente, no puedo considerar a quienes consumen como enemigos. Soy enemigo del problema, enverdad. En los ‘80 todo el mundo se inyectaba y nadie conocía el sida. Hay toda una generación que se perdió. Y después vino Menem y siguió matando.

El diagnóstico es claro. Beto y sus compañeros parecen parte de esa camada de rockeros pelmas y cristianos que están invadiendo los medios. Que llenan estadios e incluso se mezclan con bandas terrestres en los megafestivales. Pero existen bemoles. Uno es que el mensaje cuasi religioso está presente, pese al reviente, desde los orígenes de V8. “Dios llora al ver al hombre cautivo de un sistema”, cantaba Beto en el primer disco de 1982. Y muchos temas de El fin de los inicuos (Salmo 58 o La gran ramera) hacen alusión a una búsqueda espiritual. Fue el momento en que la Biblia suplió a las drogas en los ensayos. Lo que hizo Logos fue racionalizar ese olfato espontáneo. Otro bemol es que, a diferencia de Rescate –por nombrar alguno–, ellos están de vuelta. “Yo toqué fondo mal, loco”, insiste Zamarbide. “Era una cosa de autodestrucción y engaño. En el caso de la generación anterior, el uso de drogas era con otro fin. Pero en los ‘80 fue distinto. Ahora, como nos abrimos de esa historia, terminamos siendo unos traidores.”

–¿Por haber dejado las drogas o por haber introducido ideas religiosas en el heavy metal?

–Porque reaccionamos contra la pose de que para hacer rock tenés que ser un reventado.

–¿Logos es una banda de rock cristiano?

–No. Somos cristianos que hacen rock pesado. Hoy, la media te exige etiquetarte. Hay un mercado de rock cristiano y eso. Pero Logos no es un ministerio cristiano, ni está al servicio de nadie. Las bandas que se dicen de rock cristiano quisieran estar en nuestro lugar. Ellas, en 1991, no querían salir de las iglesias y nosotros somos rockers hace mil años. Hay una diferencia.

–Pero puede afirmarse que Logos está en los antípodas de los parámetros estéticos, y las ideas que proliferan en los rockers “agnósticos”.

–Es que la mayoría de las bandas que escuchás en la radio están mandando mensajes tipo “afanale al quiosquero”. Eso es meterlos en la confusión y el caos. Los pibes que vienen a vernos, por suerte, no están taladrados por los medios. Nosotros creemos en el compromiso con esa gente... Si les volcás confusión y estupidez, los estás verdugueando. Nosotros les decimos que hay gente que está esperándolos en la esquina para venderles paco.

Roldán, cuyo discurso es casi un calco del de Zamarbide, interviene para marcar territorio. Si Babasónicos es el rock nacional, Logos es otra cosa. “Resulta que siempre que se habla de rock nacional, se habla de ese pibe que tiene cara de tortuga (Dárgelos), pero nunca de rock pesado con roce social. Y no es casual, porque la pavada da más de comer que la realidad. La pavada tiene mucho valor hoy... Te pasan 88 veces a los Babasónicos por la tele, y a vos ninguna. El único tipo que se mantuvo haciendo rock hasta la sepultura fue Pappo.”

Plan mundial para la destrucción es el cuarto disco en la serpenteada carrera de Logos. Entre 1991 y 1998 editaron los tres anteriores (La industria del poder, Generación mutante y Tercer acto) y después hubo una impasse propiciada por la mudanza de Zamarbide a Estados Unidos. “Me fui porque estaba enojado con el país. Hoy parece que el artista tiene que estar a full y siempre te sale un gol de chilena. Por eso me pareció inteligente dejar que pase un tiempo. Incluso llegué a pensar en dejar la música.”


A golpes se hacen los arreglos

Zamarbide puso la casa para una de las trifulcas cumbre del metal argentino. En 1986, cuando Civile se quedó en Brasil con Rowek, la banda no sólo convocó a Roldán sino que sumó otra guitarra: Walter Giardino. Apenas duró cuatro meses. “Estábamos en casa y Giardino no compartía nada con Iorio. Había incompatibilidad entre ambos y se agarraron a trompadas. Uno dijo: ‘No me gusta tu onda’, el otro le respondió y se fueron a las piñas. Era parte de la confusión. Además, V8 no era la banda que Walter esperaba”, evoca.

–¿Qué otras piñas viste?

–Uff. Mil. En esa época nos agarrábamos a piñas hasta por un golpe de bombo. Era normal que Peyronel y Pappo se agarraran y terminaran debajo de la mesa donde los viejos napolitanos comían fideos. ¡Cuántas veces vi a Vitico agarrándose a ganchos con Pappo por un arreglo! En V8 era lo mismo.

Ruidos Molestos, percusión

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2404-2006-08-31.html
Por Javier Aguirre

El auge de agrupaciones percusivas que descreen del poder de la melodía y la canción en nombre de las metrallas de tambores parece revalidarse a partir del surgimiento de Ruidos Molestos, combo de 18 integrantes que se definen como “percusionistas en el menos amplio sentido de la palabra”. Ellos no cantan ni tocan ningún instrumento no percusivo; su obra se sustenta en el golpeteo incesante y desaforado de cualquier objeto. Su flamante álbum, Botellazos contra la pared, los posicionó como la “banda” más ruidosa de la escena percusiva, merced a sus hits Probando una ametralladora en un bazar –delicada, sutil y escandalosa, ya que la grabación terminó con dos muertos acribillados, seis heridos de bala y una demanda penal por destrozos– y al experimental Granizo sobre el capó de un Mercedes-Benz cero kilómetro, registrado en vivo, en la vereda de una concesionaria, durante la última caída de piedras de hielo.

“Nos inspiran por igual la cadencia de los ritmos afro como el ruido tribal del camión recolector de basura compactando vidrios, ramas y bolsas de consorcio”, asegura Boom Crash, el director de la agrupación, quien revela que los ruidos lo ayudaron a rehabilitarse de su adicción al crack. “Es que a golpes se hacen los hombres”, bromea.

A pesar de alcanzar el éxito recién ahora, llevan décadas de carrera, signada por malinterpretaciones politizadas de su obra, como les pasó con su primer disco Golpistas, de 1976; y con el EP Cacerolazos, del 2001. Otras de sus producciones pasaron inadvertidas para el gran público, aunque algunas de sus composiciones –como Barullo inaguantable, Caja de herramientas rodando por la escalera caracol, o Pisándole las bolas a un árbol de Navidad– son consideradas pioneras en el arte de grabar discos sin una mísera y puta melodía.

El carácter innovador de su propuesta los ha llevado a girar por varios países de Europa, donde cosecharon elogios como el del Perkusiv Times, de Moscú, que dijo: “Logran el milagro de que algunos dormiten en medio de su estruendo de golpes, crujidos, estallidos y destrozos”. Su éxito en Rusia es tal que allí editaron un compilado en ruso de sus mayores éxitos, que lleva el título Kapow.

* Cualquier parecido con la realidad, ya lo dijo el Salmón: es horrible pero era previsible.

ASESINOS CEREALES

http://www.asesinoscereales.com.ar/
http://www.muypunk.com/argentina/a/asesinos-cereales/

La blogonovela de los martes: VIII La espera

Por más tranquilo que aparentara estar muy dentro mío corría un río caudaloso arrastrando mis dudas y angustia. Esa mañana actuaba en forma de bisagra, el suspiro contenido expulsado como aliviando un gran peso, o los ojos impregnados en lágrimas eternas. Una abuela con su nieta en un cochecito a mi lado, sus ojos tan bonitos, su sonrisa, toda la vida que despierta un niño y ese estigma sobre su ser. Miré a la abuela, ojos cansados, llorosos, ambivalencia entre el amor y la desesperación absoluta. Recordé a Tania y mi temor erizó mi piel. Saqué una pelotita de mi bolsillo y se la di a la nena que abrió sus ojos negros como maravillada ante esa pequeña pelotita verde, danzarina, que rebotaba y chocaba contra las paredes de aquella sala de espera y se alejaba danzando por los pasillos. Una mujer frente a mí con su mirada vacía me veía jugar con la nena, su rostro carente de toda sonrisa, su sangre, su estigma, el dolor, la desesperación.

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http://noveladrogona.blogspot.com/

LOSDELGAS

Musicos en paro, huidizos de grupos de diversa indole se reunen para crear una agrupacion musical con animo de lucro, bajo la consigna "PASTA YA", con el pseudonimo de "Losdelgas" (todo junto, carajo) tras llegar hasta el hartazgo de acompañar y perseguir artistas de todo tipo, e incluso pseudo-humanos, para poder vivir del cuento (como los anteriores) sin pegar palo al agua.

Amantes del circo, de los hermanos marx, del rock n' roll, del teatro, interpretan diversos estilos musicales, con una vision un tanto acida de la realidad.

escuchalos aqui: http://www.myspace.com/losdelgas

Gusanos - Historia triste (eskorbuto)

el tema es de eskorbuto, pero lo interpreta Gusanos http://www.gusanos.com.ar/
Para los que no los conocian, son los tipos que supieron ir mas al palo en el punk nacional, y han sabido versionar muy, muy bien hey go lets go de los ramones

Santiago Rebelde

Una de las primeras bandas dedicadas al SKA en Chile fue SANTIAGO REBELDE . Esta banda nace en 1989 , donde logra grabar un primer demo titulado " 11 de Septiembre , una estafa mas ..." , referiendose asi a la fecha del golpe militar liderado por el General Pinochet , que dio inicio a una sangrienta dictadura que duro por más de 17 años , y cuyas consecuencias se siguen pagando hoy en día . Casi 2 años despues de la creación de la banda , algunos integrantes deciden apartarse y este los reemplaza, lo que traería nuevos sonidos para la banda . La banda es temporalmente disuelta cuando Corsario , voz y líder del grupo , debe entrar al Servicio Militar Obligatorio . A su salida , se reencuentra con los otros integantes y durante una fiesta , deciden re-formar la banda antes disuelta . Logran grabar el tema "El chileno es vivo " que dara paso al primer album , editado a muy pocas copias . Los temas se pasean entre las diferentes variantes del ska , asi como algunos temas HardCore .

La formación de SANTIAGO REBELDE es la siguiente :
Batería y coros : Cristian Tauber
viola , voz y coros : Walter Barrera
Guitarra y coros : Pablo Rebelde
Bajo : Paola Vicencio
Percusión y coros : Juanito Guachupe
Teclados y coros : Marco Cocas
Voz : Corsario

http://www.fotolog.cl/santiagorebelde
http://www.muypunk.com/chile/s/santiago-rebelde/

Acid king

Lori S. - Guitar & Vocals
Guy Pinhas - Bass
Joey Osbourne - Drums

Bio

En enero de 1993 Lori S. puso un aviso buscando bajista y baterista, luego de meses entro Joey Osbourne aportando con su estilo de batería justo lo que Acid King estaba buscando. Comenzaron a tocar en clubes de San Francisco con la suerte de abrir los shows de algunas de sus bandas favoritas: Melvins, Sleep, Hawkwind y The obsessed. En 1994 a traves de Sympathy for the Record Industry debutan con el EP 10" producido por Billy anderson. Continuando los shows en SF y comenzando pequeñas giras por la costa oeste, a finales de 1995 se edita el CD "Zoroaster" con el mismo sello. Durante el verano de 1996 encaran su primera gira por USA llevando su música desde LA a New Orleans, pasando por la costa este, el medio oeste y de regreso a SF. Ya con Dan Southwick en el bajo en 1997 regresan a estudios a registrar su primer trabajo con el mítico sello Man's Ruin, titulado "Down with the Crown" que terminaria como split junto a Altamont. Giran por la costa oeste como soportes de Melvins y Fu Manchú. En la primavera de 1998 ingresa Brian Hill haciéndose cargo del bajo. Nuevamente trabajan junto a Billy Anderson en 1999 con Busse Woods. Una vez más cambiarán de bajista al ingresar Guy Pinhas.


http://www.portalstoner.com/bandas/a/acid-king/
http://acidking.com/

Babasónicos: “Tiene que haber provocación para que exista el rock & roll”

El grupo argentino Babasónicos ha conseguido que la prensa especializada de su país lo elija Grupo del Año y a su álbum “Anoche” como el mejor de 2005, además de obtener el premio Gardel 2006 en la categoría de Mejor Álbum de un Grupo Rock. Aprovechando su reciente visita a España, hablamos con su líder, Adrián Rodríguez.

Entrevista Realizada por ZM - Zona Musical
Texto: Juan Rebenaque


Con la crisis económica, ¿cómo pueden subsistir en Argentina los sellos independientes y la escena underground?

Las crisis económicas en Latinoamérica no son grandes hitos que separan tiempos. En realidad, Latinoamérica vive en crisis permanente. Después de 2001, Argentina tuvo un crecimiento económico considerable. La escena underground florece porque no tiene control, no paga impuestos y se autofinancia. Vive al margen de la economía. Los sellos independientes nos permiten que nadie nos silencie. Es una forma de coaccionar a las multinacionales.

La difícil situación económica argentina impide que se vendan muchos discos pero, sin embargo, los grupos de rock son capaces de llenar grandes salas y estadios. ¿Cuál es la explicación para esto?

Porque en Argentina el rock es mucho más popular que aquí. Tiene posibilidades de sonar en la radio, a pesar de que la piratería está 6 a 1. Nosotros sonamos en las radios argentinas más que Ricardo Arjona o Alejandro Sanz. Tenemos cuarenta años de historia del rock y, por lo tanto, tiene más impacto en la música popular y permanece en el imaginario colectivo de la gente.

¿Qué papel crees que juega Babasónicos para la generación de argentinos que ha sufrido las consecuencias de esa crisis de los últimos años?

El rock se convierte en un referente para mucha gente que no sabe qué va a ser de ellos cuando crezca, cuando lleguen a ser adultos, con el peligro de convertirse en unos desclasados.

El haber editado “Anoche” con una multinacional, ¿os compromete a seguir manteniendo el mismo nivel ascendente de ventas?

No. A Babasónicos los vienen a buscar por lo que son en sí mismos. Nos vienen a comprar por lo que hacemos y no pueden cambiarnos.

¿Qué mercado os interesaría conquistar, especialmente?

Ninguno. Me gustaría seducir al público español pero no tenemos ambición de conquista, que es una palabra más europea. Es probable que, más que en Estados Unidos, nos entiendan en Europa, que tiene una actitud más abierta.

En España habéis conseguido buenas críticas pero, de momento, no habéis alcanzado grandes cifras de venta. ¿Convertiros en un grupo conocido en España es una de las prioridades de Babasónicos?

Tenemos que venir a tocar más para que nos conozcan, aunque lo único que provoca ventas es sonar en la radio. La gira ha tenido una buena respuesta del público español. No hemos venido a hacer una gira nostálgica para emigrantes argentinos.

¿Qué os lo que más os interesa de la música española?

Los Planetas, Iván Ferreiro, Maga, Deluxe, Bunbury…

¿Creéis que llegará el día en el que los grupos hispanos de rock triunfen en Estados Unidos donde sólo conocen a artistas melódicos como Luis Miguel o a cantantes más “mainstream” como Shakira o Enrique Iglesias?

No, no creo. Nunca vamos a entrar en sus emisoras de radio, aunque seamos “mainstream” en las radios latinas. Son muy etnocéntricos, sólo les interesa su rock. Aunque haya más atención que antes, nunca va ser mayoritario. Si allí triunfan Shakira o Juanes es porque venden el cliché de lo latino.

Mientras desde otros países de América, sobre todo los del área caribeña, nos llegan artistas cuya música entronca más con la música tradicional de esa zona, los artistas de México, Chile o Argentina son más rock. ¿Se mira más a Estados Unidos y Europa en la música argentina?

El problema de Argentina es que no puede mirar a nadie porque no tiene referencias. Estamos tan lejos… Tenemos que crear nuestra propia música. Además, Argentina es una nación muy revolucionaria. Siempre está a la vanguardia de la política proletaria, salvo, por supuesto, durante la dictadura, que no había posibilidad de existir.

“Anoche” suena muy pop. Incluso hay temas como “Muñeco” que tiene un toque muy beatle…

Yo creo que “Infame” era más pop. Éste es más folk, aunque el disco trata de dispararse en varias direcciones, incluyendo el pop, por supuesto.

¿La letra de la canción "El colmo" puede ser entendida como una reafirmación ante lo establecido?

Sí, en cierta forma, así es. Es una autoparodia del cantante de rock. En cierto modo, me burlo de mí mismo.

En dos de las canciones de “Anoche”, "Luces" y "Pobre duende", criticáis a la industria y a las estrellas efímeras que crea. ¿Cómo combate Babasónicos el aburguesamiento musical que parece que, tarde o temprano, le llega a todo artista?

Tomado riesgos, sintiendo vértigos y cayendo en errores. No repetir la fórmula de discos anteriores Tiene que haber provocación para que exista el rock & roll y no aburguesarse.

Y, para evitar el estancamiento, ¿vislumbráis ya cuál será la línea de vuestro próximo trabajo?

No. Normalmente hacemos los discos como reacción al disco anterior. El disco nuevo tiene que silenciar al anterior. Por eso no se parecen mucho entre sí nuestros discos.

¿Cómo fue vuestra relación con el antiguo vocalista de Stone Roses, Ian Brown, que os pidió un tema para su álbum “Golden Greats”?

Un amigo común que vivía en Nueva York le llevó discos de Babasónicos y le gustó mucho nuestra música. Cuando fuimos a grabar nuestro cuarto disco nos conocimos en Nueva York. Nos pidió que le hiciéramos una canción y él le pondría la letra en inglés. Conocimos a nuestro productor, Phill Brown, a través de Ian. Seguimos manteniendo el contacto con él.

Con la irrupción de las descargas a través de la Red, ¿cómo veis el futuro de la industria discográfica y cómo puede influir en la carrera de artistas y grupos nuevos?

El mercado anglosajón tiene un mayor margen de espontaneidad y se pueden dar más sorpresas porque también tiene más poder adquisitivo. En el mercado español la incidencia es menor en ventas pero puede atraer a más público hacia el artista. Creo que las discográficas se van a tener que reorganizar y que van a ser ellas las que terminen manejando Internet.

Nuevo disco de Intima: TR3S

Intima, la banda que nació en el año 2000, integrada por Carlos Sola (batería), Sebastián Cohn (bajo) y Salvador Reynoso (bandejas y samplers), acaba de editar su tercer disco llamado TR3S.

Tras la idea que todo sonido puede convertirse en música, los 12 temas que conforman TR3S son una muestra contundente de la habilidad con que Intima fusiona los sonidos propios de la electrónica con elementos provenientes de diferentes estilos musicales, culturas y expresiones artísticas.















El nuevo trabajo de Intima se sitúa en un espacio entre el rock más electrónico y la electrónica más roquera. Lejos de considerarse un disco “electro pop”, TR3S ataca la frivolidad del pop y la electrónica proponiendo una escucha distinta de un estilo que alguna vez fue propiedad exclusiva solo de las máquinas.

TR3S es un culto a la energía, cada tema parece jugar con los límites y cuando parece que no hay manera de ir más allá, el track siguiente eleva la temperatura a 1000 grados centígrados. La filosofía de la banda sigue siendo respetada: tocar música electrónica en vivo y en tiempo real. El álbum refleja la madurez y experiencia lograda tras 6 años de trayectoria y dos discos anteriores.

Actualmente Intima se encuentra filmando el video del primer corte “Looser”, de la mano del director Diego Pernia quien ya dirigió los videoclips de su anterior álbum.

Diego Pernia también dirigió “De frente al mar” - Carajo, “Madre hay una sola”- Bersuit, “Arde” - Mancha de Rolando, “Triste” – Carajo, etc.

Discografía:
Intima EP (2001)
Niño Bomba (2003)
TR3S (2006)

Intima:
Carlos Solá (Batería)
Sebastián Cohn (Bajo)
Salvador Reynoso (Bandejas y Samplers)

http://www.intimanet.com.ar/

MAB

Los Piojos interrumpieron un recital por un incidente con una bengala

Ocurrió anoche, durante una presentación de la banda en el Luna Park. De inmediato, Ciro, el líder del grupo, detuvo la música y le pidió a los jóvenes que la apagaran. El resto del público también repudió el hecho. Finalmente, el show continuó sin inconvenientes.



http://www.clarin.com/diario/2006/08/26/um/m-01259727.htm

En el cierre de una serie de cuatro presentaciones en el Luna Park, anoche, Los Piojos debieron interrumpir por unos instantes el recital porque un joven prendió una bengala en el centro del campo. De inmediato, Ciro Martínez, líder de la banda, detuvo la música y pidió que la apaguen. El resto del público también repudió el hecho, que no pasó a mayores y rápidamente el show pudo reanudarse.

Los Piojos volvieron a apostar al "boca en boca" de sus fans, y con el solo anuncio en la página oficial realizaron anoche el cuarto Luna Park en diez días con entradas agotadas. A pesar de los controles de ingreso, el lamentable hecho de ayer tuvo lugar sobre el final del recital y vale aclarar que en las tres noches anteriores (15, 16 y 24 de agosto) el comportamiento del público fue correcto.

Luego del éxito de los tres shows promovidos de la misma manera a fines de abril de 2006, la banda liderada por Andrés Ciro Martínez volvió a hacer un parate en la grabación de su nuevo disco de estudio y se reencontró con sus fans en el mítico estadio de Corrientes y Bouchard. Los cuatro rituales (15, 16, 24 y 25 de agosto) tuvieron lista de temas diferentes y el condimento que siempre le pone la banda desde arriba del escenario. A los infaltables, Babilonia, Como Alí, Maradó o Tan Solo, se le sumaron temas como Siempre Bajando, Qué Decis, Don't say tomorrow y Llevateló, entre muchos otros y los tres temas nuevos que serán parte de la próxima placa: Llega el tren, Buenos días Palomar y Hoy es hoy.

En el recital del jueves, oficialmente Los Piojos anunciaron la salida de "Fantasmas peleándole al viento", el primer DVD de la banda, que se pondría a la venta el próximo 20 de setiembre. Ese mismo día estuvieron como invitados Alejandro Sokol y Germán Daffunchio de Las Pelotas, con quienes tocaron Shine y Tan Solo.

El cierre de anoche, que fue transmitido en vivo por Internet a través de la página oficial, tuvo la participación de Mex Urtizberea cuando tocaron El balneario de los doctores crotos y de Richie Silver (Rubén Rada) con quien compartieron Rock de la calle y Guadalupe.

HABLA THOM YORKE

El líder de Radiohead edito un disco solista con los temas de siempre: paranoia, agobio, apocalipsis. Pucha, que vale la pena estar vivo...

Txt. Ann Powers. L.A. Times y Clarín

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/25/3-00201.htm


El año pasado, Thom Yorke supuestamente se iba a relajar. Radiohead había hecho un alto después de un largo ciclo de grabaciones y giras. Yorke disfrutaba del descanso de lo que burlonamente llama "hacer DISCOS". Pero en lugar de dejar un espacio para la calma, Yorke se encontró sumergido en nuevos pensamientos.

"En mi casa, hay una habitación grande como ésta", dice Yorke, señalando la espaciosa suite del Clift Hotel de San Francisco donde comenta The Eraser. "Todo el cuarto estaba cubierto con notas y papelitos. Poco antes de empezar a grabar, vino un amigo mío y, al ver esto, se rió a carcajadas y me preguntó cómo iba a hacer para armar todo eso".

El caos de la sala de trabajo de Yorke, reflejado en los "retazos y fragmentos sonoros de todo tipo" contenidos en su laptop, le dio una sensación de libertad que momentáneamente había perdido en Radiohead. Junto a dos colaboradores de toda la vida, el artista visual Stanley Donwood y el productor Nigel Godrich, Yorke se encerró entre esos fragmentos, excluyendo otras influencias. "Así es cómo lográs que un proyecto tenga su propio universo", explica. "Decís 'todo lo que hay, todo lo que tengo es lo que hay en esta habitación'".

Compuesto rápidamente, durante una época en la que Yorke se comprometía cada vez más con el grupo ambientalista Friends of the Earth, The Eraser significa recuperar la motivación.

Ante la pregunta de si Radiohead distribuiría su próximo álbum de manera independiente, Yorke sin dudar contesta que sí. "Tenemos dos o tres opciones. Me gustaría que lanzáramos un arma química en la industria musical. Pero tampoco lo veo como una responsabilidad nuestra".

Lo que comenzó como un viaje incidental a la música electrónica abstracta que ama se convirtió en cuarenta minutos de música notablemente poderosa y directa. The Eraser es el evocador retrato de una vida que se ha vuelto insegura debido al crecimiento urbano desordenado, las oscuras alianzas políticas y el calentamiento global.

"Todo empezó con montones de ritmos y la la la", dice Yorke, burlándose de sus tendencias oscurantistas. "Era intenso y muy heavy. Pero hubo dos o tres cosas que hicieron que Nigel y yo dijéramos 'Uuuh, acá hay algo muy directo. Alguien podría entenderlo de una'".

Fan de la electrónica experimental, el cantante primero produjo una colección de temas sin poder de comunicación. "Tenían sentido para mí pero lo que había en ellas no era suficiente para nadie más. Lo mires como lo mires, la música sale de una caja". Eso a cuento de que hasta los sonidos acústicos de piano, guitarra y bajo que samplea The Eraser están procesados por computadora, y cita Homogenic (1997) de Björk como punto de referencia. "Está construido para ser escuchado en un espacio aislado: con auriculares o en un embotellamiento de tránsito".

La referencia al tránsito no es casual en Yorke, cuya preocupación por el medio ambiente en un momento casi lo lleva a enloquecer de furia. Donwood incluyó esa ira en London Views, el paisaje apocalíptico inspirado por The Eraser que aparece en la tapa del disco. Una de las imágenes más poderosas es la del rey Canuto, legendario monarca inglés que quiso probar los límites del poder real tratando de dominar el océano. Ese relato también inspiró las letras de Yorke, basado en el decir de Jonathan Porritt, un ambientalista británico. "No se trata de algo político, pero es lo que está pasando. Somos reyes Canuto que levantamos la mano y decimos 'esto se va a resolver, lo puedo detener'. ¡No, no podemos!". La canción más polémica de The Eraser es Harrowdown Hill, título que alude al sitio don de las autoridades hallaron el cuerpo del Dr. David Kelly, quien, se dijo, se había suicidado después de revelarle a un periodista que el gobierno de Tony Blair había identificado falsamente armas biológicas en Irak.

"Me sonaba como el de una batalla. No esperaba que mucha gente se diera cuenta de que Harrowdonw Hill es donde murió el Dr. Kelly. No digo que la referencia no esté presente, pero no es lo único". Para Thom Yorke, todo pasa por oír el mundo a través de la voz individual.

ALEJANDRO Y KUBILAI MEDINA

Una herencia bien pesada : Generación M: de manal a mostruo!, los Medina llevan el rock en la sangre.

Txt. Karina Noriega. Especial para Clarín

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/25/3-00401.htm




Ya en la panza, Kubilai escuchaba los graves de su padre al bajo cuando tocaba con Manal. "Vos no te acordás. Pero cuando naciste, te ponía Jimi Hendrix, Miles Davis y un poco de Mozart". Así recuerda el legendario Alejandro Medina el primer acercamiento con la música de su hijo mayor, al que eligió bautizar hace 33 años con el nombre del primer emperador chino de origen mongol, hijo de Genghis Khan. Es feriado, las calles están desiertas y en el bar, Medina Jr., autodidacta "genético", le entrega a su padre el debut de Mostruo!: cuatro músicos de La Plata que desempolvan sus mejores influencias (Prince, Marc Bolan, Franz Ferdinand), "tocados" por La Pesada y sumergidos en la tradición del rock nacional. Un disco "grosso", de verdad: de lo mejor que salió este año. Medina padre dice aprobando: "Escuché dos temas. Me parecieron bien, tienen mucha polenta. Van a pegar".

—¿Nunca fue una mochila ser el hijo de una leyenda del rock?

—Todo lo contrario. Mi viejo tiene esa magia, lo escuchás y te toca. Es mi background, lo que tengo de toda mi vida. (Kubilai)

—Además... ¡es más fácil! Somos domesticadores de notas: son salvajes. ¿Qué hace un bioquímico con las notas? Nada. Al carburista le vienen melodías a la cabeza y se pregunta de qué se trata. (Alejandro)

—¿No te cansa un poco el revival del rock nacional que hasta se convierte en marca?

—No, a mí eso me encanta. Yo sigo tocando. Es mejor para mí. Aunque yo nunca escucho La Mega. Me gustan más las independientes, como Cooperativa. Igual, ahora todos se ponen a hacer covers de Led Zeppelin y están re blandos. Pero sólo se parecen mucho en el look. Se ponen la pilcha y los detalles: las roturas bien pensaditas.

—¿Sentís que tenés más hijos en el rock que en tu vida?

—Sí. Acá sólo se escuchaba El Club del Clan, folklore y tango. Y los pibes no teníamos música propia. Nosotros queríamos música para nuestros hijos... y mirá lo que pasó (Alejandro, señalando con orgullo al Kubo).

Alejandro es además autor (en La Pesada) de Gracias al cielo, el himno humeante del programa de Pettinato que lo cantan hasta las amas de casa. Dice que le dejó dos mensajes al ex Sumo para que toque como invitado en el show de mañana en El Condado, donde va a festejar sus 40 años en el rock. "En ese momento mucho no podías joder con eso porque había mucha hipocresía. Y salió ese tema, que es una tontería y ahora está de moda".

"LAS 48 LEYES DEL PODER" El tao del hip hop

un libro de autoayuda en los negocios se convirtio en "la biblia" para los raperos yanquis. (me hace acordar a alguno rolingas argentinos, pero claro, en el hip hop son mucho menos caretas que estos ratones coterraneos)

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/25/3-00301.htm

Regla número 5: "Es mucho lo que depende de la reputación. Cuídala con tu propia vida". (El productor de hip hop DJ Premier redujo esta máxima a "La reputación es la piedra angular del poder" y se la hizo tatuar en el brazo).

Regla número 8: "Atrae a la gente; usa carnada si es necesario". (El rapero L.G. imprimió esta frase en su mixtape Industry Co-Sign II: the 14 Tracks of Power).

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Ambas máximas pueden encontrarse en Las 48 leyes del poder, un libro de 1998 que recoge anécdotas de los complotadores más grandes de la historia (Casanova, Maquiavelo, el ex presidente chino Mao y el estafador "Yellow Kid" Weil, entre otros) para hacer observaciones sobre cómo lograr el éxito en la vida. El libro se convirtió en un bestseller en el mundo de los negocios. Y hoy es una Biblia de la conducta en el mundo del hip hop, como resultado de la creciente sensación de los artistas del rap de ser miembros de una clase guerrera empresarial. Los raperos escriben letras sobre este libro ("el único que leí en mi vida es uno que podría haber escrito y que se llama Las 48 leyes del poder", rapeó Kanye West), lo mencionan en las entrevistas ("dice que lo peor que se puede hacer es levantar una fortaleza alrededor de uno", comenta Jay-Z en la Playboy yanqui) y lo estudian como guía para tener éxito en el despiadado negocio de la música. En los '80 y '90, los raperos recitaban diálogos de Scarface, el clásico de 1983 con Al Pacino, y El arte de la guerra, el tratado de estrategia militar de Sun Tzu, de 2.500 años de antigüedad, era el libro más elogiado del rap. Pero a principios del 2000, el hip hop se volvió el sonido dominante en la música pop, sus intérpretes ejercieron una influencia real dentro de la industria y comenzaron a presentarse como millonarios autodidactas más que como outsiders de estilo gangsteril. Ahí nació su nuevo gurú: Robert Greene, el autor de Las 48 reglas... ("un blanco fanático de las computadoras") se convirtió en un raro consejero de la elite del hip hop. Tanto, que ahora fue contratado para escribir un libro de negocios con 50 Cent, el rapero a quien la revista Forbes, después de haber sobrevivido tras recibir nueve disparos, calificó como "un empresario astuto y un dominante constructor de marcas".

Morire por el rock n' roll

Su baterista, Marcelo Lamenza, fue una de las 194 victimas de Cromañon. Poco antes del 30D, compuso el premonitorio "Moriré por el rocanrol".

http://www.clarin.com/suplementos/si/2006/08/25/3-00801.htm



Y hoy, Moriré por el rocanrol es uno de los temas más coreados en sus shows. "Al principio lo tocábamos llorando", retoma Damián. "La primera vez fue un momento muy emotivo, nos poníamos anteojos negros porque se nos caían las lágrimas. La gente abajo también lloraba. Y cuando terminamos, fue mirarnos y decir 'loco, pudimos hacerlo'".

El unico programa que te pasa punk no pautado... esta en utilisima!

Anoche, sin sueño, me encontre con cosmo urbano, en utilisima. Y me entere de como se hace un chalequito gotico ideal para que tu vieja se quede pensando que hizo mal cuando te ve pasar... es buenisimo, si tus viejos te regalan ropa para que te vistas como nena, ahi te enseñan a reformarla a tu gusto para vestirte con tu propia personalidad. Ademas pasaron la biografia de Cadena Perpetua, A77aque y 2 minutos

queres punk? pone utilisima.

No hagan payolas - que, por que y como programan las emisoras

Ningún medio ni campaña publicitaria es tan eficaz como la radio para vender discos y shows. La industria lo sabe hace rato y usa ese poder. Cómo se crean los gustos, cómo se educa el oído, desde la óptica de las "propaladoras" rockeras.

Por Mario Yannoulas

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/no/12-2392-2006-08-24.html




Do you remember rock ‘n’ roll radio? preguntaban The Ramones en la puerta de los ‘80, y en las entrevistas Johnny decía que estaba harto de oír a Bruce Springteen en todos lados. Reclamaban un cambio antes de que el rock se convirtiera en pasado, porque todo les sonaba parecido. Dos años después pedían la posesión de las ondas radiofónicas y amenazaban con romper la radio de un martillazo. Querían una oferta más amplia. No fueron, son, ni serán los únicos: década tras década nuevas generaciones quieren empujar al gigante del mainstream y robarle un rato de éter para difundir su arte. Los que están adentro sienten que la cosa funciona bien, los de afuera golpean el vidrio del estudio con el disco en la mano.

Ningún medio ni campaña publicitaria es tan eficaz como la radio para vender discos y shows, por eso en ese terreno las negociaciones entre las gerencias artísticas y las compañías se vuelven más ásperas. A veces, es tan importante para los sellos que su producto suene en la radio, que hasta el propio presidente de las compañías se reúne para arreglar una pauta de difusión. Una vez hecho el acuerdo, la discográfica se vincula con una consultora que audita la cantidad de pasadas que tuvo cada tema en cada radio. Fuentes cercanas al corazón de la industria dicen que las sumas rondan entre los diez y los treinta mil pesos mensuales por paquetes de veinte artistas –todo en promedio, por supuesto– y, en algunos casos, hace un tiempo, se habrían pagado coimas a musicalizadores (sí, también acá) para hacer sonar a algún artista que no llegaba por pauta. Como en todo, trabajar al por mayor siempre tiene sus beneficios.

En los Estados Unidos, pagar o cobrar por pasar un tema (práctica que se conoce como “payola”, o pagar para sonar, que viene de la conjunción de “pagar” o “pay” y “victrola”) y no anunciarlo al aire como espacio patrocinado es ilegal, tras haberse descubierto que el famoso programador Alan Freed –quien acuñó el término “rock and roll”– recibía plata de las compañías por privilegiar ciertos artistas. Es considerado un delito y en el último tiempo las principales multinacionales tuvieron que pagar multas millonarias por habérseles comprobado casos de “payola”. En la Argentina, eso está permitido.

Actualmente existen en Buenos Aires tres grandes FM de rock: Rock & Pop (95.9 Mhz), La Mega (98.3 Mhz) y Kabul (107.9 Mhz). Rock & Pop fue la primera radio de rock de la Argentina, creada hace 21 años por el empresario Daniel Grinbank, que en 2001 dejó a la criatura en manos del grupo mexicano CIE, para un par de años después crear Kabul, espacio “totalmente indie y alternativo”, como él mismo define al NO. La Mega es la más escuchada, pasa “puro rock nacional” y pertenece al empresario de la derecha pragmática Daniel Hadad.


La música

Pero no todo es cuestión de pauta, sino también de fenómenos sociales: “El rock está recuperando un poco el lugar que había perdido hace seis o siete años en manos del rythm & blues, el soul y el rap. Surgieron bandas como The Vines, Arctic Monkeys, Elefant, The Racounters o The Libertines, que están rescatando la esencia del rock, que es romper estructuras: canciones cortas, precisas, contundentes y fuertes, y como la radio es también el medio más veloz, eficaz y agresivo para difundir música, entraron en sintonía”, plantea Bobby Flores, ex hombre de la Rock & Pop y actual conductor de Bacardi On en Kabul, y Hablar Es Fácil y Lee Cool Nights, ambas por Spika (FM 103.1), una radio de rock clásico propiedad de Grinbank y Marcelo Tinelli.

“Es un proceso cíclico –dice Bobby–, cada seis o siete años todo se recicla. De los ochenta para acá hubo una primera época con el punk y el dark, The Cure, The Sex Pistols, The Clash, después vino un bajón hasta que aparecieron Guns ‘N’ Roses, Poison, Bon Jovi, que volvieron a meter al rock en la difusión radial. Eso se vino abajo y apareció el grunge con Nirvana, Pearl Jam, Alice In Chains, hasta ahora, que está apareciendo de nuevo con estas bandas.”

Grinbank cuenta que creó Kabul y Spika porque le parecía que faltaban radios musicales. La idea para Kabul fue mezclar temas hiteros con algunos clásicos y material nuevo. “Noté que bandas como The Strokes, The White Stripes o Placebo no tenían que ser desarrolladas como nuevas, sino ya como hiteras, al nivel de Green Day o los Chilli Peppers, pero se había producido un vacío informativo en la gente, que había sido absorbido por el rock barrial”, recuerda quien trajo a los Rolling a la argentina.


La pauta

Marcelo Martínez es musicalizador en Rock & Pop y se encarga de armar la lista oficial para los programas centrales, pero los oyentes de Day Tripper lo conocen más como el Pelado Torabe. “La radio tiene convenios con las cuatro multinacionales y con Pop Art, y sobre todo se arregla qué cantidad pasar de cada sello. Después sobre la marcha las compañías nos van diciendo ‘pasá más de esto, bajame esto otro’”, comenta. Day Tripper tiene, por día, catorce temas pautados más seis a elección, aproximadamente. Así, más de la mitad de lo que se escucha en la radio proviene de negocios discográficos. Y esa proporción se mantiene de nueve de la mañana a nueve de la noche, aproximadamente. En otros días y horarios, es más flexible, por ejemplo Radio Portátil (desde las 6.30 con Elizabeth Vernaci) no tiene pauta, y Cuál Es? (de 9 a 13) sí tiene, pero Mario Pergolini no la respeta porque es el que “tiene más chapa”.




Grinbank dice que proyectaba evitar la rutina de la pauta. “Las radios de rock relegaron mucho la parte artística por el negocio. No es que no pasaba cuando yo estaba en Rock & Pop, pero en esa época las dos bandas que más poníamos eran los Redondos y Soda, y ninguno trabajaba con nosotros. En Kabul priorizamos la música como eje de comunicación, entre los musicalizadores y yo seleccionamos lo que queremos que suene, y determinamos ciertas prioridades más allá de si tienen o no un lanzamiento en la Argentina”, cuenta el empresario. Diego Ripoll conduce Lima en la mañana de Kabul. “La idea era respetar el lugar de lo más importante que tiene esa radio, que es la música, y que sonara la misma cantidad de temas que salían en ese momento, es decir, doce por hora. El repertorio se elige a mano y con criterio, no sale de una computadora llena de material pedido por las discográficas”, aclara.

Además de ser el medio más pertinente para la difusión de un disco, la radio se convierte también en catapulta para las bandas que vienen y estar por tocar. Si hoy Pop Art y Rock & Pop son casi aliados estratégicos, no suena ilógico que la difusión del Pepsi Music quede en manos de la emisora –y también de La Mega– y que los artistas participantes suenen más seguido que otros. Lo mismo hace Daniel Grinbank desde sus radios. Montado en la esperanza de hacer conocer las nuevas bandas del llamado “retro rock”, gestionó la visita de Elefant en julio y su próxima incursión al festival BUE, que su empresa DG Producciones organiza. “La radio es el primer paso para meter a una banda, y es la que dispara artistas. Después ayudan un poco los videos y otro tipo de campañas, como la presencia de grupos en vivo con un respaldo artístico por parte de la emisora; eso hicimos con Elefant, un grupo que queremos desarrollar”, comenta.

Ahora bien, para los grandes sellos no es suficiente sonar en las radios “de rock”. Consideran que emisoras como La 100 y FM Hit son una pata fundamental del negocio que no pueden desperdiciar. De hecho, el mercado se amplió bastante y los temas que suenan en las radios hiteras también lo hacen en las rockeras. Cristian “Toti” Iglesias, cantante de Jóvenes Pordioseros, dice que haber sonado en esas radios permitió que su música se difundiera en el Interior, donde las otras no llegan. “Si bien acá están vistas como radios caretas, todos tienen derecho a escuchar lo que está sonando porque es una forma de culturizarse musicalmente. Muchos noscritican, dicen que hacemos un rock cabeza, pero todo es parte de una cultura”, se defiende.


¿Difundir, divertir o vender?

A esta altura empieza a plantearse un fuerte debate acerca de la naturaleza de la radio: ¿Cuál es su función en cuanto a la música? “Hoy, es el entretenimiento, porque lo comunicacional cambió. En los sesenta y principios de los setenta te anunciaban a Led Zeppelin y tenías que salir a ver qué carajo era eso, conseguir información y después un disco, que en ese momento costaba lo mismo que un jean y una campera. Ahora te metés en Internet y por un peso cincuenta leés toda la información y si querés bajás la discografía”, lanza Norberto “El Ruso” Verea, aquel que en los noventa la rompió con la Heavy Rock & Pop y luego pasó por las fugaces La Rocka y Supernova, siempre con sus discos a cuestas.




“Hace mucho tiempo que el papel de la radio dejó de pasar por la difusión, por lo menos en el horario importante. Creo que la única emisora que conserva un poco eso es Rock & Pop, aun en horarios centrales, porque sus conductores suelen tener bandas a las que les gusta difundir o darles una mano más allá de cualquier arreglo comercial. En general, en las radios, la difusión queda relegada a horarios marginales o a programas especializados. Yo tengo Tiempos Violentos, un programa de heavy metal (domingos a las 21 por Rock & Pop) donde pongo ciento por ciento lo que se me canta”, señala Gustavo Olmedo, que también conduce Apagá La Tele de lunes a viernes a las 21.

Pero cómo debería ser: “En lo musical, la función de la radio es difundir, sólo tiene que mostrar, no generar opinión, ni vanguardias. El problema es que la mayoría están dominadas por convenios con grabadoras y sólo apuntan a la venta de música –dispara Bobby–. Al ser corporaciones las radios tienden al bien general, no al personal. Y el rock es una actitud personal: ante todo yo, después el mundo. El rocker no quería ser parte de todo el sistema, era una patada en el orto. Eso se acaba cuando es parte de una corporación, porque ingresa al sistema y pasa a ser un rock insustancial. No es lo mismo ser punk que ir a la Bond Street a comprarte ropa punk”, reflexiona.


El rock nacional

En cuanto a la difusión radial, la aparición de La Mega –que prefirió guardar silencio sobre la manera en que organiza su programación– hace ya cinco años y la devaluación del peso engordaron el mercado interno. La Mega surgió de un estudio de mercado que dio como resultado lo que la gente quería: una radio de rock nacional. Hoy, es la FM más escuchada. “Eso del rock nacional es nazi, no hay que cerrarse así, hay que abrir la cabeza, escuchar de todo, porque lo otro agota. Vieron un negocio, no una actitud, y eso no es arte”, se despacha Bobby. Por otra parte, las grandes compañías, que habían echado a la mayoría de sus artistas argentinos de rock, dejaron a la deriva un negocio redondo que Pop Art supo aprovechar y fomentar lúcidamente, y hoy es la productora que representa a la mayor cantidad de artistas en el país. Se produjo un auge de lo argentino, que hoy se palpita en cada esquina y en cada fin de semana, con unas cuantas bandas de estadio y otras medianas que ya consiguen llenar un Obras sin que parezca hazaña.




“La Mega revitalizó las carreras de muchos artistas semiolvidados o que no tenían el respeto que se merecen”, opina Olmedo. Para Verea, el éxito se debe al sonido dulce, nostálgico, histórico, muy caro al afecto del argentino que emana la radio. “Está muy bien pensada, crearon un nicho comercial muy amplio, aprovechándose de la frase ‘rock nacional’. El problema es que va desde Sandra Mihanovich hasta Pappo’s Blues, y eso genera una confusión que les sirvió al mercado y a los organizadores de festivales para convocar multitudes con gente que toca cumbia. El negocio cierra, pero poco tiene que ver con el rock”, advierte.

¿Las radios captan nuestros gustos o los imponen? ¿Por qué escuchamos la música que escuchamos? Bobby siente que la producción argentina se empobreció bastante. El problema es que la pauta rígida deja poco espacio para el surgimiento de artistas nuevos y diferentes. “Así es muy difícil que se genere un nuevo Cerati o unos nuevos Redondos, porque las compañías necesitan vender rápido y es más fácil hacer sonar un riff y un estribillo pegadizo que apuntar a la profundidad musical, al análisis de una letra. Es más simple difundir diez temas de Intoxicados que cuatro de Cerati. Sin desmerecer, creo que tiene que ser una opción, pero no lo único”, cierra.

Rep - No pasaran

Sick Porky abre el diálogo

En el collage multicolor ubicado sobre unas de las paredes de la sala de ensayo se puede observar la evolucion de la banda que desde hace 8 años viene rockeando sin descanso. Durante todo este tiempo Sick Porky sufrio cambio de miembros, grabó 2 EP, compartió escenarios con muchas bandas, algunas aún vigentes otras desaparecidas y participó de los compilados Loco Gringos Have a Party the south american stoner rock, coproducido entre Válvula discos (basil) y Días de garage (argentina) y del tributo a Kyuss Listen without distraction, producido por DDG records.




La actual formación de la banda cuanta con Jeremías en guitarra, Carlos en voz, Leandro en bajo y El Tío en batería. Acerca del cambio que supuso el alejamiento del Tata, Jeremías reflexiona:

Cuando se fue el Tata no sabíamos para donde disparar… al estar tan acostumbrados a tocar siempre con 2 guitarras los temas comenzaron a cambiar forzosamente. Pero esto representó un crecimiento para la banda.

Durante el 2005 la banda se dedico a terminar de componer el nuevo material y grabarlo con producción de Agustín Rocino para una futura edición de un LP esperada para el 2006. Sobre este período de arduo trabajo, puertas adentro, en un nuevo ámbito y ante un nuevo rumbo la banda se explaya:

Las canciones las componemos entre los 4, generalmente salen de zapadas sobre bases que alguno piensa y propone en los ensayos. Dice Carlos.

Algunas canciones hemos tardado 2 años en terminar de escribir la letra. Acota Jeremías.